Pantalla Digital

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2011-07-22T20:26:00.000+02:00

Estoy pensando en volver. Cualquier día os encontraréis una entrada nueva después de... ¿meses? ¿años? Hace tiempo que intento encontrar un hueco para escribir en el blog. Pero la combinación de trabajo + vida familiar + otras cosas... no me deja respirar.

No es excusa ni garantía de nada. En otras ocasiones he dicho que YA ESTOY AQUÍ DE NUEVO o HE VUELTO y luego la cosa se ha resumido en dos entradas cutres.

Pero si hay alguien ahí, grácias por la paciencia y el seguimiento. Espero volver a decir algo pronto y que sea de interés.

Hasta ahora.

'All Good Things'. Cosas no tan buenas

2011-01-07T15:38:00.002+01:00

Esto me pasa por probar cosas. La película tenía mala pinta, la sinopsis más... pero me atreví por ver a Rian Goslin en (pensaba) una nueva gran interpretación. Al final lo que salva la película es el actor y Kristen Dunst (siempre encantadora). Frank Langella... normalillo.

La película adapta un caso real de desaparición y está narrada a través de flashbacks y la narración superpuesta del personaje de Goslin. Uno de los aciertos es como las imagenes muestran todo lo contrario a lo que él explica. La cosa arranca más o menos bien, en algunos momentos destila auténtica tensión, pero el último tercio es desastroso. Una serie de giros extraños que recuerdan a Psicosis y que quieren rememorar la gran Zodiac acaban dejando al espectador cansado de tonterías. La resolución final es absurda y llegados a ese punto uno solo tiene ganas que la cosa acabe.

Estrellas y aires de grandeza para una película que solo es una TV movie camuflada de gran drama. Los escenarios históricos (la película narra los hechos entre los 60 y el 2004) son extractos de Taxi Driver y Midnight Cowboy entre otras. El resto, escenas de salón, mucho plano medio y plano corto para ocultar lo modesto del asunto.

El director habrá visto Zodiac, El intercambio o Boogie Nights. Pero el resultado está a años luz.

Lo mejor: algunas escenas realmente terroríficas

Lo peor: la historia. Absurda y totalmente irreal.

Dos Putus Cracks

2010-10-15T18:18:00.001+02:00

De la meva fugaç estada a Sitges només he tret una foto-de-famoso. Com que no tenia gaires dies ni compromisos laborals em vaig dedicar en cos i ànima a veure pel·lícules i no vaig fer entrevistes ni res. Un dia, mentre feia cua per veure Machete maidens unleashed, vaig caçar aquest parell que venien a presentar la sessió.

El paio gros amb barba és Sid Haig, un actor recordat entre els fans del gènere perquè als anys 70 va fer un pilot de pel·lícules de sèrie B. Últimament Rob Zombie l'ha recuperat per fer Los renegados del diablo, Halloween i coses així. L'altre és Roger Corman, el padrí de la sèrie B. Sempre s'ha dedicat a fer coses barates i el seu punt àlgid va ser durant l'època dels autocines quan el cinema barat era MOLT rendible. Això va ser fins que Spielberg i Lucas van fer Tiburón i Star Wars que van convertir les mateixes històries de Sèrie B en cinema de grans pressupostos i controlades per les majors (i això no ha canviat gens en 30 anys).

La gran aportació de Corman al fantàstic va ser com a director i sobretot com a productor, donant diners, pel·lícula i material a joves directors en un moment en què si volies fer cine, els grans estudis no et feien cap cas. En el temps s'han convertit en grans figures: Martin Scorsese, George Lucas, Francis Ford Coppola, James Cameron... i també actors com Jack Nicholson, Dennis Hopper i Robert de Niro provenen de l'escola Corman. Ja no dirigeix però encara va produint coses. Aquest mateix any, Sharktopus, una monster-movie per televisió que és autèntic despropòsit però que va ser tot un èxit als Estats Units. Durant la seva emissió va superar sèries de molta audiència com Dexter i Mad Men.

El Decepcionante Imaginario del Dr. Parnassus

2010-02-25T13:39:00.003+01:00

Para qué nos vamos a engañar, soy fan de Terry Gilliam y eso condiciona a la hora de ver sus películas. Dejando a un lado La Bestia del Reino y siendo (muy) benevolente con Los Hermanos Grimm puedo decir que me gustan todas sus peliculas. Por eso el El Imaginario del Dr. Parnassus me ha parecido de lo más decepcionante.

No me vale la excusa de que Heath Ledger ha muerto y, "claro, había que acabar la película de alguna manera". Ni que digan que la jugada de Gilliam es "maestra" porqué contrató a los colegas actores del actor para que acabaran su papel y le dieron el dinero a su hija o que la película está firmada como de "Heath Ledger and Friends"... ¡Nada!

Valorando la película al margen de todo este ruido, me doy cuenta que se pierde por un montón de divagaciones, las estrellas sustitutas sobreactúan que es un gusto y toda la imagineria visual resulta ridícula por culpa del exceso de CGI. El guión languidece sin ningún momento especialmente relevante que sacuda un poco al espectador.

Las comparaciones son odiosas, pero comparémos. En todas las películas de Terry GIlliam, por muy disparatadas, inconexas, excesivas o gratuitas que sean, subyace un poso melancólico y emotivo. Principalmente se trata de una reivindicación de la libertad individual más allá de las convenciones sociales o culturales. Los persojanes del director son marginados sociales, seres alienados o dementes con una particular visión del mundo. Al final nos damos cuenta de que el loco es, quizás, la persona más sensata y el espectador acaba empatizando con ellos. Eso es, por encima lo que sucede en El rey pescador, Tideland, 12 Monos, Brazil...

En El Imaginario parece que Gilliam haya sido consumido por su propia etiqueta. Ninguna de las subtramas acaba de funcionar. No emocionan ni divierten ni resultan terroríficas. Sinceramente, me trae sin cuidado el pacto entre Parnassus (Christopher Plummer) y el diablo (Tom Waits). Y lo que más me desconcierta es la buena acogida que ha tenido por parte de la crítica. Algo no acaba de funcionar si apalean Tideland pero defienden este trabajo tan superficial. Cómo decía Bukowski hablando de Van Gogh: "os gusta por motivos equivocados". No están valorando la película sinó las condiciones en que se ha llevado a cabo. Para algunos habrá suficiente con eso, pero dentro de 10 años nadie se acordará de eso y lo que quedará es una película mediocre. El tercer pero en la carrera de un director que casi siempre resulta estimulante.

Lo Mejor: yo que sé, ¿Christopher Plummer?

Lo Peor: el exceso de efectos generados por ordenador.

Clic para ver el Trailer

El final de Perdidos

2010-02-22T13:15:00.003+01:00

(clic para ampliar)

Pues eso, lo que llevamos diciendo hace días.
Màs de Frederik Freak?: Blog de Rubén Fdez.

'Terminator Salvation'

2009-08-01T13:55:00.006+02:00

No entenc perquè part de la crítica (un 50 per cent?) ha estat tan cruel amb aquesta cinta. És veritat que de James Cameron només n'hi ha un (només fa falta veure com se'l idolatra ara que ha tornat a reinventar el cinema) i que la saga de Terminator està patint de valent amb això dels remakes i adaptacions (Les cròniques de Sarah Connor, per exemple). Però només cal veure una estoneta de Salvation per adonar-se que és un producte més intel·ligent i menys pretensiós que aquell terrible nyap anomenat Terminator 3.

Salvation sobreviu al canvi de protagonistes, de rols i d'escenaris. El fet de situar-se més de 10 anys en després de l'últim capítol obliga a diferenciar-se en les formes i en l'estil. Un dels seus principals atractius és la fisicitat de totes les escenes d'acció, el realisme que es desprèn d'una fotografia seca i crua, més propera a l'estil post-apocalíptic de Mad Max o al combat desèrtic de No Country for old men que a la voluptuositat tecnològica de clàssics de la Sci-Fi com Blade Runner o la mateixa Terminator 2.

És precisament quan la cinta s'allunya d'aquest to aspre i brut que alguna cosa comença a fallar: les motos robòtiques, els submarins i les instal·lacions ultra-informatitzades (tant dels bons com dels dolents) no encaixen ni per casualitat en la història. Els diàlegs alenteixen la pel·lícula, però quan tot es torna a reduir a una persecució entre robots, humans i cyborgs enmig del desert, tot va bé: el ritme s'allibera i la cinta es torna àgil i dinàmica. La ciència ficció pràcticament ha desaparegut. De fet el tema de viatges amb prou feines s'insinua i l'únic punt de complexitat és admetre que la cinta és, al mateix temps, seqüela i preqüela del primer lliurament de la saga. Tampoc no hi ha cap escena especialment contundent ni espectacular. En cap moment ens quedarem bocabadats, però en general és una cinta efectiva, divertida i que passa prou bé.

En definitiva, no ens trenquem el cap. Terminator Salvation és pura Sèrie B revestida amb un pressupost multimilionari. El seu director ho sap i per això no dubta en dirigir-se al fan de la saga amb plans copiats literalment de les cintes originals i cameos totalment impossibles però que a mi em van arrencar més d'un somriure.

'Coraline' - Atrás queda Burton

2009-06-29T18:24:00.008+02:00

Coraline és una de les millors pel·lícules que es poden veure ara mateix a les nostres sales i, sense cap dubte, la millor cinta en 3D que hem vist fins la data. Amb una xifra de 341 còpies a tot l'Estat però sense tant rebombori mediàtic com Monstruos Contra alienígenas (suportable però insuficient) o Viaje al centro de la tierra (infumable es miri per on es miri), a la cinta de Henry Shelik li està costant trobar un públic a causa de la seva condició de conte de terror infantil.

Sento i llegeixo crítiques poc entusiastes amb la cinta que denuncien una certa irregularitat i la incapacitat d'atraure públic adult. Potser sí que li falta una mica d'empenta en alguns trams però la factura tècnica és tan impressionant que per ella sola justifica el preu de posar-se unes ulleres 3D. Qualsevol escena agafada a l'atzar demostra que estem davant una nova fita per a l'Stop Motion. Pel que fa al seu target, és cert que el públic adult la pot trobar esquemàtica i que no és apta perquè els nens la vegin per separat però penso que pot ser una perfecta opció perquè tota la família vagi junta al cinema.

Shelik s'ha desprès de l'exigent diva que és Tim Burton i, tot i que mai igualarà la seva condició de mite, ha creat una cinta tan fosca i tenebrosa com 'Pesadilla Antes de Navidad'. No és casualitat ja que Coraline adapta una obra de Neil Gaiman, un dels principals exponents de la literatura fantàstica, capaç de retornar als contes de fades l'aura de terror que tenien abans de l'arribada de Disney. La història es sustenta en els puntals bàsics d'Alicia al país de les meravelles (una altra que va perdre mala baba en el salt a l'animat i que Tim Burton acabarà d'espatllar en breu) i aconsegueix una galeria impressionant de friks foscos i entranyables.

Tot i els seus petits defectes, estem davant d'una de les millors pel·lícules d'aquest any que no està sent especialment luxós. Deixeu-vos emportar per aquest joc d'il·lusions i reflexos que Gaiman i Shelik ens proposen.

El millor - magnifica banda sonora i posada en escena

El pitjor - Una mica repetitiva en alguns moments

'Monstruos Contra alienigenas' - El auténtico (y aburrido) 3D

2009-04-13T11:48:00.006+02:00

Demasiado se ha hablado de esta película antes de su estreno: la revolución del cine, un salto comparable al del sonoro o el color, nuestra percepción del cine va a cambiar, el fin de la piratería... Y mientras estás en la sala piensas: "sí, son 3D; sí, son espectaculares; sí, las texturas son para quitarse el sombrero pero... ¿Y qué más da?

Monstruos Contra Alienigenas es extremadamente aburrida y simplona. Me trae sin cuidado que esta sea una cinta rodada en True 3D y que Bolt fuera solo una conversión. La peli de Disney le da cien patadas a la de Dreamworks. Monstruos tiene chistes que producen vergüenza ajena (el uso de la BSO de Detective en Hollywood) y los homenajes son tan secundarios que apenas permiten una carcajada de reconocimiento.

En teoría se trata del buque insignia de Dreamworks, el eslabón entre el cine antiguo y el moderno. Sus artífices contaban con todo el dinero del mundo, la mejor tecnología disponible, una campaña de marketing y un apoyo de los medios de comunicación que aseguraba el éxito hicieran lo que hicieran. Y con todo eso, nos presentan una cinta tan vista, tan gastada, tan antigua... que no hay por donde cogerla. No creo que hagan falta 5 guionistas para urdir esto.

Que no nos tomen más el pelo. No vale la pena pagar un plus de 2 euros (o de 3 o 4... dependiendo de la sala) para ponerse unas gafas incomodas y ver este tipo de cine. A las 3D les pasa lo mismo que a los efectos especiales: no son divertidos. No hace gracia estar dos horas viendo cosas saltar delante de los ojos. Lo divertido son los personajes bien elaborados, los guiones inteligentes, y un montaje cinematográfico de lujo. Y eso no lo ofrece Dreamworks desde hace mucho mucho tiempo. Y por mucho que inviertan en tecnología, seguirá siendo una productora a la sombra de Pixar. El slogan "de los creadores de Shrek y Madagascar 2" ya no pronosticaba nada bueno...

Monstruos contra Alienigenas es, junto a Avatar, de James Cameron, el punto de inflexión del cine moderno. Y de momento, lo que veo, no me gusta

Lo mejor: Las texturas

Lo peor: es aburrida

'El curioso caso de Benjamin Button' - No es 'Lawrence de Arabia'

2009-02-25T19:34:00.006+01:00

Una de las muchas quejas que le han caído a David Fincher por su última película es que es demasiado larga. Él se ha defendido diciendo que se trata de un problema de perspectiva, que también decían lo mismo de Lawrence de Arabia y que mírala ahora. Una de dos: o Fincher no se da cuenta de lo que dice o de verdad cree ciegamente en este irregular hijo que ha parido.

El curioso caso de Benjamin Button es larga de verdad, casi tres horas son DEMASIADO para lo que nos cuenta, algo que no pasaba en Lawrence. Pero ese no es el principal problema. El mayor lastre de la cinta es que, pese a arrancar de forma maravillosa, va tropezando en sus propios aires de grandeza. Se pueden decir muchas cosas malas de Fincher pero no que sea un mal director. La puesta en escena, la música, la fotografía, el maquillaje y los efectos visuales son impresionantes. Incluso ese sucedáneo digital y anciano de Brad Pitt es entrañable.

La primera hora es impresionante: crea un ambiente, un tono y unos personajes que podemos llegar a querer i comprender. Pero después de la impresionante escena contra el submarino, todo empieza a irse al traste. ¿Los principales problemas? 1) Las constantes interrupciones del tiempo presente con una viejísima Cate Blanchett y una pésima (como siempre) Julia Ormond. 2) Los momentos Forrest Gump en que el guionista se acuerda de si mismo y coloca colibríes como si fueran las plumas en la cinta de Zemeckis. Y 3) El momento Magnolia (también llamado Amelié): después de crear unas reglas del juego claras y precisas durante dos horas, al final los artífices de la película van y rompen la baraja. Tras hacernos creer que nos encontramos ante una historia en off (Benjamin lo explica todo), nos toman el pelo y nos muestran una escena de narrador omnisciente que acaba de tirar por los suelos la poca credibilidad que le quedaba a la película.

Al final, además, se desperdicia todo el aura de tragedia que va acompañando al protagonista en un final tan simplón como previsible. ¡Ah! y cambian al protagonista. Horrible. Tras la irreverente y maravillosa Zodiac, David Fincher ha rodado su film más convencional y soso. Y aunque lo haga bajo la apariencia de lo último en lenguaje cinematográfico, no consigue engañar a nadie. Y que no digan que la culpa es del guionista "que hizo Forrest Gump". Eric Roth también ha escrito guiones excepcionales como Lucky You, The Good Shepard y Munich

Y Forrest Gump le da mil vueltas a Benjamin Button.

Lo mejor: su aspecto audiovisual y Tilda Swinton
Lo peor: que nos vendan gato por liebre

'El Intercambio', Otra Obra Maestra

2009-01-22T23:07:00.006+01:00

No negaré que por culpa de su promoción, temía que esta película fuera un rollo monumental. Por un lado, sí, se trataba de la última película de Clint Eastwood, un auténtico Master del Universo pero, por otro lado, ahí estaba ese tráiler al más puro estilo telefilm -con la frase "mi hijo" pronunciada media docena de veces- y con Angelina Jolie de por medio. No había demasiadas ganas, no.

Pero por suerte, al final la fui a ver y debo decir que todo aquello que pensé -e incluso dije- estaba fuera de lugar. Quizás algún día me atreva a ver Vicky Cristina Barcelona y resulte que también es buena (aunque no creo que eso pase en breve).

Bien, Clint Eastwood parte de un tema, sin duda, de lo más simplón y telefilmesco: la trama, lo que sería el simple plot es exactamente igual que el de cualquier otro bodrio "basado en hechos reales". Por suerte ahí está Eastwood, un director inigualable capaz de encontrar oro en cualquier lado y (no lo neguemos) un guionista que ha realizado un impresionante trabajo a la hora de filtrar los tópicos.

El mayor acierto del director es conseguir que la historia, la que se narra en el anuncio, sea solo el arranque de una película que tiene en su tono directo y doloroso su mayor baza. Angelina Jolie es una actriz que jamás me ha gustado en pantalla y no haré ahora ninguna retractación: sigue sin gustarme. Su actuación es tan forzada, tan estudiada, tan dolorosamente racional, que acaba por alejar a todos de su particular drama. Pero, como digo, la gracia de la película es como Eastwood sabe esquivar todos los tópicos y concesiones del melodrama y del thriller -los dos géneros entre los que navega- y permite que la película funcione paralelamente (que no al margen) de la actuación de Jolie.

La madre es, evidentemente, el motor de la película y el desencadenante de todo en lo que ella sucede. Pero el caso del secuestro se bifurca en múltiples vías secundarias que permiten discutir sobre temas como la impunidad con que actúan las fuerzas de la ley o la necesidad de aplicar la pena de muerte, por imperdonable que sea el crimen cometido. Además Eastwood se guarda en la manga un montón de ases en forma de climax. Un final que lleva a otro que lleva a otro hasta un final que es todo menos cerrado.

Del mismo modo que en Million Dollar Baby, Un Mundo Perfecto y Mystic River, Eastwood crea un retrato pesimista y cruel de la sociedad americana. Y una vez más, como pasaba en esas tres grandes películas no le cede al espectador la posibilidad de evadirse del dolor, ni de desahogarse a través de una resolución lacrimógena. Eastwood sumerge al espectador en un mundo tenebroso y dolorosamente veraz. La película es sombría y el relato que narra más aún. Un drama constante, denso e interminable que deja al espectador exhausto, agazapado en su butaca. Pero al contrario que en las tres películas mencionadas anteriormente, el director nos presenta una brizna de optimismo, una pequeño pero importante resquicio por donde se cuela la esperanza de esa madre desesperada. Quizás no lo parezca, pero al final, el director nos está brindado el único final abiertamente positivo desde Deuda de Sangre (2002).

Y otro punto a favor de la película es que consigue (aunque no lo he en ninguna crítica) algo aparentemente imposible: mostrar a la iglesia -con ese personaje interpretado por John Malkovich- como un elemento positivo para la sociedad y no como ese maligno monstruo con piel de cordero que demasiado a menudo nos vende el cine de hoy. ¿Nadie se ha dado cuenta de ello?

Lo mejor: Una obra maestra que surge de la peor de las tramas posibles
Lo peor: a pesar de todo, el lastre de Angelina Jolie

Bukowski (II): 'Barfly' VS 'Factótum'

2009-01-16T20:17:00.003+01:00

Barbet Schroeder estaba empeñado en rodar una película sobre Bukowski y, como ya eran medio amiguetes, le pidió al escritor que se encargara del guión. La película se tituló Barfly (aquí El Borracho) y el autor no adaptó ninguna de sus obras publicadas aunque podría haber encajado perfectamente en medio de sus cuentos (semi)biográficos. De hecho, algunas de las escenas me suena haberlas leído. Bueno, sea como sea,Bukowski escribió el guión y dijo que quería a Sean Penn como actor protagonista. Éste dijo que unicamente lo haría si Dennis Hopper era el director y Buk dijo que nada, que el director era Schroeder. Y el actor escogido para interpretar a Henry Chinaski ( alter ego de Bukowski) acabó siendo... Mickey Rourke. Y ese es, seguramente, el único problema de esta cinta.

La interpretación de Rourke es pésima. Seguramente se encontraba en algún momento bueno de su carrera y anda por la escena como si fuera Marlon Brando o algo así. Sobreactúa, grita, camina de una forma extraña... en teoría imita al escritor de música de cañerías pero no se parece en nada.

Casi 20 años después, en 2005, se rodó Factótum, escrita y dirigida por Bent Hamer. En esta ocasión, como su propio nombre indica, se trata de una adaptación de la novela homónima, publicada en 1975. Allí, todo el peso de la película recaía sobreMatt Dillon , haciendo una interpretación mucho más acertada. Quizás no se trate de un papel camaleónico, no se parece demasiado al escritor pero sí que se trata de una buena interpretación.

Ahora bien, ¿qué película es mejor? ¿cual transmite de una forma más eficaz la prosa de Charles Bukowski? sin duda la primera. Factótum hace un esforzado traslado del universo bukowskiano. Se mueve, al igual que la mayoria de textos del autor, en un terreno pantanoso entre el retrato más realista y un ambiente de fábula, casi surrealista. Además, cabe destacar el interesante diseño de producción. Jamás sabemos a ciencia cierta si es actual o corresponde a Los Angeles de hace dos décadas. Hay coches modernos, pero es como si todo se hubiera detenido hace años. Esto también se puede decir de los textos deBukowski: tienen el mismo tono, fondo y contenido tanto si están escritos en 1960 como si se trata de los últimos que publicó el autor.

Pero Factótum carece de algo que sí tiene Barfly y es el auténtico estilo Bukowski. Me explico. La película de Matt Dillon da pié a que todos los detractores del autor puedan seguir criticándolo: que si es un borracho, que si pega a las mujeres, que si es un misógino, que si se repite... todo lo que queráis. Las formas son las mismas. Pero Barfly consigue sacar a relucir algo más. Al igual que en sus novelas o textos breves, tras la forma, tras la suciedad, se esconde algo que florece cuando a) nos fijamos detenidamente en el lenguaje -cosa difícil si tenemos en cuenta la velocidad que imprime el autor a sus textos- o bien, b) si leemos muchas obras del mismo autor. Sí, se repite, pero transmite un sentimiento único y sincero que es lo que, creo, consigue enganchar a susfans. ¡Nadie que haya leído La senda del Perdedor puede decir alegremente que Bukowski es un frió rufián sin sentimientos!

Barfly, insisto, pese al estúpido acercamiento del actor protagonista, termina dejando un suculento sabor de boca. Agridulce, por supuesto, pero no tan radicalmente destructivo como el de Factótum. En ese bar de mala muerte (me refiero a la cinta de Schroeder, Factótum también acaba en un antro) se respira serenidad, orgullo, camaradería y, si queréis, libertad. Y eso es lo que defendió a capa y espadaBukowski durante toda una vida dedicada a la escritura.

Por cierto, del desengaño de Barfly surgió la novela Hollywood, donde Bukowski retrata magistralmente los entresijos de esa destructiva maquinaria que es Hollywood. Aunque cambie los nombres, todos los implicados en la cinta están ahí, férreamente retratados por Bukowski. Imprescindible.

Bukowksi (I): 'Born Into This'

2009-01-15T23:24:00.008+01:00

Me encanta Charles Bukowski y aviso que en el próximo post volveré a hablar sobre el escritor, en ese caso sobre adaptaciones cinematográficas. Pero antes, quisiera recomendar un excelente documental sobreBukowski llamado Born into this, me ha costado lo suyo llegar a verlo pero vale la pena.

No sé qué pensarán de este documental aquellos que no conozcan la obra del autor, pues no cabe duda que es un producto para fans. Born Into This hace un repaso de toda la obra publicada por Bukowski de forma cronológica -de los escritos underground hasta sus últimas novelas- a través de distinto material de archivo y declaraciones de gente que lo conoció. La verdad es que el ambiente es el de una reunión deamiguetes , todos hablando de un desaparecido colega. Se respira camaradería, respeto y admiración. Desde luego eso se transmite al espectador, quien consigue profundizar en la figura deBukowski y ver que, efectivamente, todo aquello que él escribía tenía que ver con su vida cotidiana.

Los extractos de vídeo son impresionantes. A veces, este tipo de recopilatorios resultan aburridos, repetitivos e insolentemente vacíos de contenido, pero el director, John Dullaghan, consigue elegir lo mejor de cada casa y sintetizar en dos horas un montón de material. Encontramos entrevistas de televisiones europeas y americanas, fragmentos de otros reportajes realizados por directores como Taylor Hackford y Berbet Schroeder y declaraciones de todos aquellos que le conocieron, incluyendo sus mujeres, sus amigos, sus compañeros y su hija.

El documental tiene un aspecto muy cuidado. Pese a ser una suma de declaraciones y citas, funciona bastante bien. Tiene un buen ritmo y un cuidado diseño que fusiona la imagen pura de lo que vemos con las propias palabras de la obra del autor. No solo las oímos, enoff, sino que las leemos escritas sobre la pantalla, conviviendo con el propio autor y con los que le rodean, siguiéndolo en sus paseos por los barrios de Los Ángeles.

Resulta interesante el trato con que el documental se acerca a la figura. No hay encuadres raros, no existe la sensación que se esté forzando a nadie a hablar. simplemente es el mismoBukowski quien explica todo aquello que le preguntan, tanto si se trata de hechos felices como si son los momentos más dolorosos (su infancia en manos de un padremaltratador o el recuerdo de un amor del pasado). Tampoco se recurre a la pretendida (y siempre falsa) objetividad del documental. Se nos muestra un vídeo de Bukowski en que se comporta de forma violenta con Linda y es esta misma quien comenta las imágenes, lo que ocurrió y lo doloroso que era saber que todo aquello estaba siendo registrado por las cámaras. Es un punto a favor del director saber tratar todos los distintos aspectos de la vida del autor sin caer en blancos y negros, sino sabiendo balancearse de forma equilibrada en todos aquellos puntos clave de su vida y su carrera, fueran buenos o malos.

Born into this reivindica con insistencia (quizás con demasiada) la importancia de la obra de Bukowski. Sé que no es la lectura académica por excelencia, pero tal vez ahí es donde radica su importancia. Como dice Tom Waits en el documental, la gracia es que tienes que descubrirlo, es como algo oculto o un tanto prohibido. Desde luego habla de su infancia, décadas atrás, pero aún hoy encuentro que sus libros tienen algo de alternativo, de fuera del circulo masivo de lecturas. Y por eso resultan tan suculentos.

Lo mejor: el acercamiento a la faceta más personal de un maravilloso autor
Lo peor: falta la visita al Apostrophes del prepotente Pivot

'Ghost in the Shell', ¡Viva el Anime!

2008-12-18T17:45:00.008+01:00

Los que me conocen ya sabrán que no tengo ni puñetera idea de Manga o Anime. Todo el genero de la animación fuera de les EE.UU es un terreno que desconozco totalmente y que, por tanto nunca he abordado. Podría decir que mi manga favorito es Akira y que mi director preferido es Hayao Miyazaki, pero también sería admitir que es practicamente lo único que ha caído en mis manos.

Pero eso sí, se reconocer algo bueno cuando lo veo y el pase de The Sky Crawlers en Sitges me dejó alucinado y me descubrió a un Master que se llama Mamoru Oshii. "El tipo que hizo Ghost in the Shell y Avalon" me decían... Pues ni idea oye. Pero rectificar es de sabios: el otro día me tragué Ghost in the shell y ahora vengo a rendir tributo a Oshii.

Recuerdo que vi esta película en VHS con 15 o 16 años porqué me la dejó un amigo pirado por el manga. No entendí nada. Yo me había quedado con la promo, esas escenas de acción, la chica con su manto de invisibilidad, los robots, y me encontré con una historia filosófica sobre el sentido de la vida y de la existencia. En aquella época me iba más Ninja Scroll y Uritsokidoji y no estaba para esas cosas. De hecho, hasta mucho después no aprecié la película de Akira como se merecía.

Pero viéndola hoy, me he dado cuenta que es una obra genial. Una película que resulta desconcertante pero, al mismo tiempo, estimulante y que deslumbra a nivel visual. Al final se hace corta, necesitaba más, no podía acabar así (por suerte ya estoy a punto de hacerme con la segunda parte...). Me sorprendió el temple con que Oshii rueda la escena del combate Chica VS Tanque, uno de los momentos cumbre y de los más trepidantes. En lugar de llenarlo todo de planos rápidos y confusos -marca de fábrica del cine de hoy (véase Quantum of Solace)- el director presenta una situación casi minimalista (un robot, una catedral, un rifle) y todo se desenvuelve con una coherencia aplastante y un envidiable sentido del ritmo. Realmente es una escena adorable que hace palidecer toda la saga de Matrix que tanto le debe a este Ghotst in the Shell.

Admito, eso sí, que me he quedado un poco descolgado con toda la trama y hay un montón de elementos que no acabo de encajar (frases del principio que cobran sentido media hora después), pero el resultado ha sido satisfactorio. Quizá la repita pronto, esta vez más atento a los detallitos. pero repito que, más allá de eso, la película funcionagracias a el ritmo que le imprime Oshii, por el diseño cercano (pero no copiado) a Blade Runner y por una excelente banda sonora. Todo fluye perfectamente de principio a fin y, como digo, deja con ganas de más. Próxima parada: Patlabor.

Lo mejor: el duelo con el tanque
Lo peor: llegar al final sin haber entendido el sentido de la peli

'Munich', cada vez mejor

2008-12-13T20:29:00.015+01:00

Cuanto más pasa el tiempo mayor es el abismo que separa Munich y su competidora en los Oscar de aquel año, Crash, injustamente ganadora de 3 estatuillas (mejor montaje, guión y ¡película!). Hoy parece aun más delictivo que la artificiosa y tramposa cinta de Haggis se alzara por encima de la impresionante obra maestra que rodó Spielberg.

En el momento de su estreno me resultó un poco pesado el tramo central, como si algo se detuviera y costara volver a arrancar. Viéndola hoy no he encontrado nada de eso. La película es densa, cierto, pero está rodada con tanta maestría, vigor y atrevimiento, que resulta imposible no dejarse cautivar por sus imágenes.

Nunca he sido fan de Spielberg y siempre le he admirado con reservas. Ha dirigido obras maestras, pero por cada una hemos tenido que tragarnos un par de trabajos comerciales de calidad más que dudosa. Pero ante Munich, una obra alejada totalmente de su sello característico, no tengo otra opción que sacarme el sombrero.

A ratos casi parece un film de Scorsese o de Coppola por su intenso retrato de la familia (sea como clan, como etnia o como simple grupo de trabajo), por la importancia de ritos culinarios o sociales y por el incisivo uso de la violencia. Resulta interesante ver a Spielberg en este terreno, pero además, consigue una obra dolorosa, veraz (la mezcla de ficción y vídeos reales es impresionante) y sincera.

Todo roza la perfección. Además de presentar una maravillosa recreación de la época (vestimenta, texturas y coloers), cuenta con un puñado de personajes realistas interpretados por unos actores en estado de gracia. No solo Eric Bana, quien ofrece una de sus mejores interpretaciones. También Daniel Craig (que le den a James Bond), Ciarán Hinds (que ya demostró lo que es capaz de hacer en pozos de ambición) y Mathieu Kassovitz, además de los muchos otros secundarios.

Y si Munich no es un 10 es debido a un par de situaciones que no deslucen el resultado pero sí que le añaden imperfecciones. La primera, por inverosímil, es el encuentro en un piso franco de Atenas de dos grupos de terroristas, unos palestinos, otros israelíes. No quiero dudar de la veracidad de ese momento. No sé si el autor de Venganza, obra que inspira la película, tuvo información contrastada del momento, pero Spielberg no la afronta con la suficiente intensidad y queda fofa, falsa. Sin duda es necesaria para mostrar lo absurdo de la guerra que libran y que afectará a la evolución del personaje de Bana en los minutos finales pero, como digo, tiene un punto de comicidad involuntaria que no le sienta nada bien. La segunda es el montaje paralelo entre Bana, en cama y con su mujer, y la matanza final de los deportistas israelíes. Después de escamotear el momento del helipuerto durante toda la película, creo que hubiera sido mejor insertarlo de una forma distinta.

Pero, como digo, estos son simples peros en una obra impresionante y deslumbrante que debería pasar a la historia como una lección de cine. La cinta está llena a rebosar de escenas rodadas con una energía y una precisión únicas. Su proyección debería ser obligada para cualquiera que quiera aprender algo sobre montaje, composición o producción cinematográfica.

Lamentablemente, es Crash la película que lleva la etiqueta de OSCAR 2006 y, por extensión, la que recibirá una mayor presencia a nivel mediático. Una lástima.

Lo mejor: la selección de actores
Lo peor: algún momento Spielberg

El retorno (y de Bond también)

2008-12-03T18:35:00.006+01:00

Buff, tres semanas hacía ya que no publicaba. Imperdonable. A ver si le vuelvo a coger el tranquillo a esto. Y para empezar: Quantum of Solace

Esta nueva entrega de la saga Bond (ya van 22) no acaba de funcionar como todos esperábamos. Es la segunda decepción del año después de Indiana Jones y, aunque en esta ocasión el porrazo no ha sido tan impresionante, sí que nos ha pelado las rodillas y el desengaño nos ha hecho saltar alguna lágrima.

La continuación directa de la excelente Casino Royale, no tiene el empuje, la inventiva ni el vigor de la anterior. No quiero decir con esto que la culpa de su falta de originalidad sea su condición de secuela (la primera de la serie, por cierto). Las continuaciones de El Caso Bourne, película que ha inspirado el giro realista de este James Bond / Daniel Craig, son mucho mejores que la original. Cada nuevo capítulo aportaba cosas nuevas a la saga, cada una reinventaba de nuevo el formato y en síntesis, sí, cada una era mejor que la anterior.

Aquí no es sólo la falta de sorpresas aquello que hace tambalear la cinta, sino también la falta de emoción en las escenas de acción que hacen de la cinta un montón de pasajes ruidosos, rodados con mucha cabeza (el director es el gran Marc Forster) pero montadas sin pies ni cabeza. Es imposible entender qué pasa. Bond y el malo de turno se pegan y se disparan pero gracias a la edición pasada de vueltas, ecléctica, epiléptica no sabemos quién está zurrando a quién. Eso es un problema endémico del cine de acción actual pero sorpresas como El increíble Hulk demostraban que todavía se podían hacer luchas inteligibles sin perder por ello la emoción. Curiosamente, lo que mejor funciona de Quantum son las escenas en que no luchan.

En mi opinión, Quantum of Solace arranca mal y acaba peor. No seré tan destructivo como mi admirado Àlex Gorina: opino que es bueno que el cine de acción actual (The Dark Knight y este Bond) vire hacia un tono sombrío y mucho menos divertido. Quizás tenga razón con que "ya no se trata de Bond" pero, con todos mis respetos, Bond era un rollo. Ya era hora de que cambiara.

La película no es mala pero sí resulta aburrida y repetitiva. Tiene escenas maravillosas, planos impresionantes (sobre todo los del desierto) pero no tiene un núcleo duro que la haga funcionar como un solo organismo. Es demasiado hiperbólica y dispersa y, al final, a pesar de ser corta, resulta farragosa y terriblemente larga. Admiro algunas soluciones inspiradísimas del director (el desenlace del duelo de lanchas y la caída sin paracaídas) y la interpretación de Craig es soberbia. Al otro lado tenemos unas mujer tan florero como siempre y un doblaje pésimo (ya sé que esto no es culpa de Forster). Me da miedo pensar que Casino Royale pueda convertirse en un oasis en medio del aburrido mundillo Bond i que ahora tengamos que volver a los (horribles) clichés de la saga. Yo apuesto por Craig y por el tono sombrío de la saga. Apuesto por seguir por ahí y rectificar ahí donde Quantum se ha estrellado. ¿Para cuando otra nueva entrega?

Lo mejor: los planos en el desierto
Lo peor: el doblaje español, vergonzoso

'The American Nightmare'

2008-10-22T18:15:00.007+02:00

The American Nightmare es un excelente documental que analiza el cine de terror (americano) de los años 60 y 70 intentando ubicarlos en un contexto político social de la América de la época. La película combina las entrevistas a los cineastas del momento (Romero, Hooper, Carpenter, Cronenberg, Craven y Savini...) con análisis de sus películas hechas por psicólogos y sociologos entendidos en el tema.

Quizás la película peca de intentar ser demasiado periodística. No es simplemente un trabajo sobre cine, sino que intenta establecer una especie de patrón que demuestre que el cine de esos directores era una respuesta a su entorno social. Lo cual no es malo, pero desperdicia muchas batallitas de los directores en pos de la idea de Pesadilla americana como un reverso al sueño americano. Idea que, dicho sea de paso, no acaba de cuajar.

Por otro lado, la película funciona la mar de bien como un compendio de entrevistas. No es un pseudo-making off de esos que venden ultimamente, sino una serie de conversas con esos tipos que revolucionaron la forma de hacer cine de terror hace 30 años. El invitado estrella es, sin duda, John Landis, quien recrea sus experiencias con el visionado de esas películas ofreciendo así un discurso radicalmente distinto del de los profesores Clover, Cunning y Glovestein.

Quizás lo que más me gustó fue la naturalidad con que todos hablan de sus películas. Se consigue transmitir una sensación de espontaneidad increíble que hacen de esta un gran trabajo que merece ser visto. Además, la selección de declaraciones es perfecta y apenas se repiten los temas tratados (uno de los problemas endémicos de este tipo de reportajes). Pocas veces había visto declaraciones tan interesantes como las que hacen Romero o Cronenberg de sus primeros filmes. Craven resulta un poco más pedante y Hooper parece de vuelta de todo pero en conjunto, aguanta muy bien el tipo.

Lo mejor: John Landis

Lo peor: se hace corto

Por cierto, se puede ver todo el documental via Youtube. Aquí va el primer fragmento:

'Scanners': El superhéroe de Cronenberg

2008-10-16T17:30:00.009+02:00

Es curioso recuperar una película como Scanners en un momento en que la industria cinematográfica parece rendida al mundo del cómic. No pasa una semana sin que se estrene o se anuncie una producción basada en alguno de los muchos superheroes salidos de las páginas de Marvel o DC. Además, Hollywood se inventa nuevos superpoderosos durante la marcha ofreciendo productos como Los increíbles o Hancock que ahondan aún más en la mitología i características de estos superhombres.

Si observamos Scanners bajo este prisma no será difícil encontrar muchas similitudes entre el retrato que ofrece de sus personajes y muchos de los héroes cinematográficos de hoy. La última tendencia en este (sub)género es la de mostrar los dilemas y dificultades que azotan a sus protagonistas. Lo mismo sucede aquí. Dos bandos enfrentados, un hombre que acaba de descubrir sus poderes (o por lo menos como usarlos) al que de pronto se le aparta la venda de los ojos y puede ver un mundo oculto bajo la superficie de nuestra sociedad. Los mismos dilemas de siempre: ¿quién soy? ¿como convivir con este poder? ¿qué limites y responsabilidades conlleva?

Esta película me ha sorprendido. Algunos de sus trabajos de la época (en especial Videodrome) me resultane demasiado densos, empalagosos. Scanners, en cambio, no traiciona las marcas de fabrica del director pero sabe situarse en un terreno mucho más dinámico (llamadle comercial si queréis). Por un lado tenemos la clásica interacción (siempre brusca, violenta y bizarra) del hombre con su entorno. Cameron Vale, como buen personaje Cronenbergiano se funde con la maquinaria (esta vez informática, a través de la linea telefónica) y debe superar las barreras de su propio cuerpo en esos magistrales duelos telepáticos. Pero, por otro lado, tenemos una estructura de Thriller de acción: en los primeros 20 minutos tenemos una cabeza que explota, un tiroteo y un coche estalla en llamas en un choque tras una persecución. Eso es ir al grano.

Scanners es una de las mejores obras de Cronenberg en tanto que permite su lectura desde distintos frentes, tanto si se lee como una cinta de ciencia ficción, de acción o como un retorno a la filosofía de Nietzsche (el superhombre y la necesidad de destruir al padre) o como mera distracción. Aunque, eso sí, sin traicionar jamás el espíritu de su director.

Esta es, en definitiva, una película mucho más moderna de lo que parece y tiene mucho en común con nuestro cine actual. Sobretodo si tenemos en cuenta las 4 secuelas bastardas que se generaron tras su estreno.

Lo mejor: el duelo final entre Stephen Lack y Michael Ironside
Lo peor: su diseño de producción está totalmente desfasado

Back to home

2008-10-15T11:50:00.010+02:00

Vuelta al mundo real después de casi dos semanas en Sitges. Iré colgando más cosas un poco más exhaustivas, pero de momento aquí va una lista de TODO lo que he visto allí. Esto me sirve para dos cosas: 1) organizar un poco mi cabeza tras tantas películas (algunas muy malas) y 2) volver a publicar. Bienvenidos todos.

Anamorph: Buen arranque y una soberbia puesta en escena para una cinta mediocre y con un guión plagado de errores. La película termina sin que hayamos entendido las motivaciones de los personajes y sin atar ninguno de los muchos cabos sueltos. 3 sobre 10

Blindness: Pretenciosa y estilizada metáfora sobre la decadencia de la sociedad. Aguanta el tipo durante todo el metraje pero uno acaba con la sensación de que se ha perdido un poco el tiempo con este producto efectista y artificioso. 5 sobre 10

Dance of The Dead: Divertido retorno al cine de terror más teenager de los 80. Referencias constantes a las cintas claves de los géneros de terror y de comedias estudiantiles pero sin caer nunca en un tópico. Sus principales bazas son un guión magistral y su corta duración. 7 sobre 10.

Donkey Punch: Sorpresa mayúscula.Pese a su falta de originalidad resulta atrevida y desafiante. Sexo durante la primera parte y violencia y rencores durante la segunda. Un divertimento rápido y efímero que engancha desde el primer plano y no te suelta hasta el final. 6,5 sobre 10

Eden Lake: Impresionante retorno a los survivals de los 70 pasado por el matiz del cine británico. A la habitual angustia y al horror de la caza, debemos sumarle un interesante destello de denuncia social sobre los orígenes de la violencia. 7 sobre 10.

Fighter: Me encantan las cintas de superación personal y esta también me enganchó. Me pilló desprevenido y me emocioné dejando a un lado el blandengue final, los giros absurdos de guión y los tópicazos sobre religión y sociedad. 8 sobre 10.

Genius Party: Maravillosa en algunos tramos y absolutamente tediosa en otros. Un popurrí interesante pero que, por su condición de megamix, deja un poco frío. 5 sobre 10

God's Puzzle: Media hora menos la habría convertido en una obra maestra. Una cinta que reflexiona sobre el origen del mundo en clave de comedia romántica, deriva en cinta de terror de guerra fría y que acaba cerrándose como una cinta de acción musical. Impresionante. Está a un paso de la perfección, pero parece que Mike pase de esas cosas. 7 sobre 10.

Gonzo: The life and work of Dr. Hunter S.Thompson: Interesante y exhaustivo retrato de la figura de Hunter S.Thompson. Estimulante para aquellos que conocemos su obra pero reiterativa y discreta (imagino) para quien no la conozca. Los primeros planos mienten: Es un reportaje de lo más convencional. Buena información pero flojo producto cinematográfico. 5 sobre 10.

Hansel y Gretel: Excelente ambientación, gran diseño de producción y planificación correcta para un filme demasiado largo y repetitivo. El flashback final no necesitaba ser tan exhaustivo ni hacía falta reincidir tanto en los mismos temas. Eso sí, el final es emocionante y sincero. Pero solo el final. 5 sobre 10.

JCVD: Maravillosa ficción con un notable apunte de confesión realista. Muestra la vertiente humana y sentimental de un Van Damme en plena redención. Recuerda demasiado a Tarde de perros para mi gusto, pero vale la pena y es visualmente impecable. 7 sobre 10.

La posibilidad de una isla: Un rollo de película. Michel Houellebecq adapta y dirige su propia novela y el resultado es uno de los peores ejemplos de cine de ciencia ficción. No es excesivamente larga pero sí aburrida y pálida. No destaca ni en su puesta en escena, ni en la dirección de actores. 3 sobre 10.

Let te right one in: La ganadora moral del festival. Una magnífica historia de amistad adolescente entre un niño y una vampiro. Excelente la gélida ambientación y su fotografía precisa y estimulante. Una poética aproximación a un género tan explotado y pervertido como es el del cine de vampiros y con un trasfondo mucho más peligroso de lo que aparenta. 9 sobre 10

Mirrors: A ratos estimulante y a ratos decepcionante, la nueva película de Ajá tiene algo que no acaba de encajar. Pese a su impecable ambientación, la tenebrosa sensación de terror y el atrevimiento visual en sus efectos gore, peca de convencional y de conservadora. Resulta terrorífica pero no pasará a la prosperidad. 6.5 sobre 10

Mongol: coged todos los tópicos del cine épico de la última época (Braveheart, Gladiador, Alejandro Magno, El Rey Arturo…) y os saldrá este pastiche. No tiene nada de original ni de interesante. Película aburrida y sosa hasta decir basta. Totalmente prescindible a pesar de su nominación al Oscar a mejor película de habla no inglesa. 3 sobre 10

Not Quite Hollywood: Un reportaje magnífico sobre el cine de género australiano. Atrevido, ágil, irreverente e ilustrativo. Quizá le sobra información y le faltan trailers de películas, pero merece la pena. Un ejemplo de hasta donde puede llegar el género documental. 7 sobre 10.

Otto; or up with dead People: debo admitir que no acabé de verla debido a lo chocante de sus escenas explícitas de sexo homosexual. Si no sois tan remilgados como yo os podéis lanzar sin miedo. Un interesante trabajo que combina el video-arte, el videoclip, el cine de terror y el porno. Rara como ella sola pero única en su especie.

Ponyo: Miyazaki nunca ha sido santo de mi devoción. Encuentro en todos sus trabajos un tramo lento, retorcido, reiterativo, que me aburre solemnemente. Aquí también está aunque esta vez es una cinta mucho menos densa. Resulta ágil y divertida, ideal para los niños. Eso sí, su factura técnica tampoco es la de antaño. 6 sobre 10

Red: una película más que interesante a pesar de su aspecto de telefilm y de no tener nada que ver con el género fantástico. La interpretación de Brian Cox es deslumbrante. Una cinta contenida, sobria, inteligente y que atrapa pese a no tener escenas de acción trepidante. Es algo así como el reverso de todos los filmes de venganza desatada. 8 sobre 10.

Religulous: Divertidísima cinta de tono documental con un humorista empeñado en desenmascarar las mentiras de la fe. Su cruce entre el club de la comedia i Alguna pregunta més resulta irresistible. Lástima que se haya rodado únicamente para el público afín y que ninguno de los entrevistados esté a la altura (mental) de su protagonista. 6 sobre 10

Santos: excesiva y aburrida comedia de ciencia ficción. Algo así como un Fresser pasado de vueltas que pierde el norte. El arranque es estimulante pero empeora a medida que avanza. Su tramo final es absolutamente indigerible. 3 sobre 10.

Seventh Moon: nada nuevo bajo el sol. El mismo rollo de siempre y cero originalidad. Actuaciones planas, guión previsible y aburrido y unos malos pésimos (eran tíos desnudos y pintados de blanco). De la mano de uno de los directores de La Bruja de Blair. No fui a ver la del otro. 4 sobre 10.

The Sky Crawlers: una de mis películas favoritas del festival. El último tramo de película da sentido a todo lo demás y acaba cerrando un producto casi perfecto. Una maravilla a pesar de lo poco que encajan la animación con los FX. 9 sobre 10.

Southland Tales: Richard Kelly acaba con su propio mito. Su nuevo trabajo se sitúa en las antípodas de Donnie Darko y supone un auténtico delirio visual y narrativo. Poca cosa tiene sentido aquí pero todo resulta cachondo y gamberro. Dwayne Johnson (The Rock) es un actorazo. 8 sobre 10.

Soy un pelele: una basura subvencionada (la pagamos todos) que ofende al espectador por su pésima factura y por unos chistes vergonzosos. En el pase de prensa la gente no aguantó más de 40 minutos y se cancelaron todas las entrevistas con su director. Hernán Migoya, no vuelvas a coger una cámara. 1 sobre 10.

Splinter: un relato de survival-horror con un monstruo original y firmemente orquestrado. La falta de presupuesto obliga a esconder al bicho en la mayoría de planos pero la película funciona muy bien. Rápida, directa y con gritos en la sala en algunas escenas. 6 sobre 10.

Synecdoche, New York: Charlie Kaufman dirige en esta ocasión su propia historia demostrando así que este tipo necesita un filtro entre su cabeza y el público. Es tan y tan excesiva que al final, cuando llega el mejor momento, uno está saturado y es incapaz de seguir con la broma. 4 sobre 10.

Tale 52: película difícil por su parsimonia y por repetir una y otra vez el mismo esquema pero que satisface a aquellos que se enganchan. Densa y sorprendente aproximación a los viajes en el tiempo rodada con austeridad y originalidad. 7 sobre 10.

The broken: sobrevalorada cinta de terror, demasiado parecida a Mirrors y, en contra de lo que muchos dicen, peor. Su ambientación es soberbia pero la historia es apática y los personajes resultan poco atractivos. Por suerte cuenta con un flashback final que lo aclara todo. 4 sobre 10.

The Burrowers: grandes expectativas y duras medidas de seguridad para un bodrio sin gracia ni interés alguno. La mezcla de terror y western hace aguas por todas partes, los actores están muy mal dirigidos y ninguno consigue transmitir el mínimo sentimiento. La trama es ridícula y los monstruos patéticos. 3 sobre 10.

The Chaser: una de las obras maestras del festival. Un soberbio thriller de acción que te engancha desde el primer plano y no te suelta. Tensión absoluta durante todo el metraje y gotas de humor para una historia emocionante y violenta a partes iguales. Su remake será basura. 9 sobre 10.

The Good, the bad, the weird: es una lástima que este homenaje al spagetti-western tenga tanto interés en su apartado audiovisual y tan poco en el narrativo. Un chiste de mal gusto con impresionantes escenas de acción que se alargan durante 10, 20, 30 minutos. La persecución final y el asalto al tren son momentos antológicos. 7 sobre 10.

The Hideout: película de baratillo sin gracia ni sustancia. Solo un plano (con susto) se salva. El resto es anodino y de pésimo gusto. El guión es ridículo y el uso de la música sonrojante. Su actriz principal no es mala del todo, pero los secundarios que la acompañan sí. Muy mala. 2 sobre 10.

The Mist: podría ser una de las mejores películas del festival si no fuera de otro año. Se proyectó la versión del director en B/N y vino acompañada de un postscreening con Greg Nicotero. Podría haber sido una nueva oportunidad para conocer mejor esta obra maestra, pero la organización del Festival (una vez más) la cagó. 9 sobre 10.

Tokyo!: este experimento a seis manos resulta irregular, como cualquier otra historia segmentada. Pero además la encontré totalmente inútil y prescindible. De la suma de las tres partes no se puede extraer gran cosa sobre Tokyo y la gente que la habita. Muy prescindible. 4 sobre 10.

Transsiberian: el primer tramo es genial, casi un documental antropológico sobre la vida en la estepa rusa. El resto, un cliché que reincide en todos los tópicos del género de intriga. A parte de Ben Kingsley, el resto de interpretaciones son demasiado aburridas. Una película que podría llegar a obra maestra pero que se queda a la mitad. 6 sobre 10.

Trick or Treat: quizás esta sea la única oportunidad de ver esta cinta en pantalla grande. Un revival del cine de terror episódico de los 80. Una especie de Creepshow sin narrador y ambientado en una noche de Halloween. Ideal para su target teenager aunque puede resultar demasiado inocente para el público adulto. 7 sobre 10.

Vinyan: otro viaje al corazón de las tinieblas. Demasiado larga y repetitiva para resultar interesante. Las interpretaciones no son nada del otro mundo aunque tiene alguna idea interesante. No es especialmente mala, pero es una más del montón. 5 sobre 10.

Your name here: un espectacular Bill Pullman metido en la piel de Philip K. Dick. Una película desconcertante y agotadora, solo para fans del autor que puedan entender los chistes. Yo no entendí nada. 3 sobre 10.

Apaga y vámonos (y Paul Newman)

2008-09-30T08:08:00.003+02:00

Hace la tira que no actualizo, pero estos días he estado la mar de liado. Y más liado que estaré... La semana que viene me voy a Sitges y tampoco tendré tiempo de escribir durante el día a día. Mis condiciones laborales también han cambiado y no sé cuanto tiempo podré dedicarle al blog cuando vuelva del Garraf.

En fin, que nos vemos pronto. Gracias a todos los que pasáis por aquí de vez en cuando. Vuestras visitas y comentarios me han hecho pasar del Rank 2 al 3 en Google. Es una gilipollez de sistema para medir la calidad de un blog, pero me alegro de que vaya aumentando.

Esto no se cierra, solo se queda en Stand By. Hasta Pronto

Sergi Calle

Por cierto, se ha muerto Paul Newman. Que descanse en paz.

Celuloide VS Celulosa: 'Wanted'

2008-09-18T17:40:00.005+02:00

Ha caído en mis manos el comic Wanted, en el que se basa la película del mismo nombre que ya reseñé hace unos días y no me he podido resistir a comentarlo aquí pese a que este blog sea cada vez más De Cine i menos de derivados y todo lo demás.

Hasta leer el Wanted Original me resultaba curioso que en todas las páginas sobre comics se dijera que la novela gráfica era mejor que la película mientras que en alguna crítica cinematográfica leí que "Los guionistas (...) sabiamente se han alejado del cómic original (...) para centrarse en la acción misma".

Ahora que ya he echado mano de ambos trabajos puedo entender a qué viene tal divergencia: Wanted (Película) no tiene nada que ver con Wanted (Comic). Tiene el mismo punto de partida y el giro final, sí, pero esto se refiere únicamente al primer y últimos volúmenes de la serie. Todo lo demás (Millar debe estar sufriendo de dolor) se omite. Los personajes, con excepción de Wesley (James McAvoy) apenas tienen nada que ver y, para ser sinceros, ni siquiera este conserva demasiadas similitudes en su salto al cine.

La novela gráfica es, si cabe, mucho más violenta e inmoral que la película y hace gala de una agresividad impresionante. Resulta sorprendente estar ahí, leyendo como esos asesinos se regocijan en sus actos violentos y se enorgullecen de haber matado y violado a cientos de inocentes. Elguionista, Mark Millar, juega fuerte y le permite al director Timur Bekmambetov coger la idea inicial y montar sobre ella un buen tablero donde instalar muchas situaciones nuevas. En el comic no encontramos el telar, ni los personajes que habitan en la fábrica (tampoco la fábrica), ni la escena del tren, ni las ratas, ni los rifles de francotirador quilométricos, ni bullet time... de hecho en la película no encontramos practicamente nada de las páginas originales. La película adopta la idea de la fraternidad de asesinos para crear una cinta de acción sin más (ni menos) y deja de un lado toda la mitología de héroes y villanos y sus constantes referentes al mundo del comic.

Una obra maestra del comic moderno

Una vez aclarado todo esto, ¿qué nos ofrece Wanted (comic)? Hace ya muchos años, Alan Moore negaba que su The Watchmen fuera el trabajo definitivo de este lenguaje. Moore afirmaba que "aún está por llegar el Ciudadano Kane del comic". No sé si Millar habrá llegado a tal punto, pero desde luego se ha acercado mucho. Principalmente por que es un comic que reflexiona sobre el lenguaje y la historia del medio. Es impresionante como el dibujante adapta su estilo en función del guión. Si la trama rememora un recuerdo de los años 50, la viñeta recrea el formato que tenían en aquella época los tebeos, con los puntos acumulados para crear efectos y sombras. En los momentos 80, el formato recuerda claramente a los trazos de Dave Gibbons en aquella época. Los 90 se vuelven más estilizados y se recrea el aspecto del soporte digital pare retocar imagenes. Por lo que respecta a la época actual, el dibujo de J.G. Jones es, simple y llanamente, perfecto. Una delicia.

Wanted contiene infinitas referencias a la cultura de la viñeta. Encontramos escondidos guiños a Batman, Superman, Linterna Verde, Spider-man, Los X-men, The Watchmen, las obras de Miller dentro del apartado Superheroes... todo esto unido en una historia magnífica que incide en todos los tópicos del género: mundos paralelos, subgrupos de héroes, poderes superhumanos (y otros muy humanos), gadgets y artilugios increíbles... Una auténtica obra maestra que marca, desde ya, un antes y un después en la historia del comic moderno.

Lo mejor: establece un nuevo patrón para futuros guionistas
Lo peor: Eminem y Hale Berry

'La divertida noche de los zombies': Si lo sé no vengo

2008-09-17T09:10:00.005+02:00

No me engañan más. No vuelvo a dejarme convencer. Si una película tiene mala pinta, se deja a un lado. Y si con El Regreso de los Muertos vivientes la cosa tenía buena pinta, esta ya me daba mala espina. Y si Terror Life y Dimensión Fantástica no coinciden, se pasa y listos.

La divertida noche de los zombies, como su propio nombre indica, es un bodrio. Una película mala con avarícia. El protagonista es un niño, con la cual cosa ya queda claro que poca violencia, poco gore, poco sexo... pocas ganas vaya. No se trata que sea cutre y casposa porque la primera parte ya lo era, el problema es que es aburrida. Dura menos de hora y media pero se hace pesada y larga con ganas. Tiene un sentido del humor pésimo y unos chistes sonrojantes. Todo tiene un toque que recuerda al videoclip Thriller y, por si alguien no se había dado cuenta, al final sale un zombie vestido como Michael Jackson en aquella época.

De hecho, más que una secuéla, es una especie de Remake, algo habitual en el cine de terror, y el arranque apunta maneras. Se nota mejor imagen, más inversión, mejor sonido... pero al final todo se va al traste. Conserva los defectos de la primera (su desarrollo repetitivo hasta decir basta y la poca sustancia audiovisual) pero sin los puntos a favor de la otra (originalidad y mala leche). Por si alguien aún la piensa ver, SPOILER: Al final los protas sobreviven y descubren una forma de acabar con los zombies, algo vergonzoso. FIN DE SPOILER.
Los actores son malos, malísimos y en TODA la película solo hay UNA buena frase: Thom Mathews y James Karen interpretan papeles muy similares a los de la primera película y el primero le dice al otro: "me siento como si ya hubiéramos estado aquí antes. Tu... yo... ¡ellos!"

Yo me sentí igual: ya he vivido esto antes pero esta vez NO es divertido.

Lo mejor: una sola frase
Lo peor: el resto de la película

'Días de Trueno': Más Potencia

2008-09-16T10:09:00.004+02:00

Otra vez pasan Días de Trueno por la tele y otra vez me la trago (y la grabo). Esta película es magnífica y, por más que la mire, soy incapaz de encontrarle errores. Es cine-espectáculo del bueno, de ese que te hace vibrar y que te sacude gracias a su factura técnica y que no abusa de momentos sonrojantes que parecen escritos por idiotas.

Es verdad que después de tantas veces, algunas escenas pierden interés (el no-streaptease, la confesión de Harry, el debate sobre correr o no correr). Eso se debe, principalmente, a lo manido de las situaciones y a que esas escenas sirven solo para dotar a la película de algo más que ruido y velocidad. A su director le trae sin cuidado todo esto. Siempre he pensado que Tony Scott (y quizás Ridley También) sería feliz rodando maquinária. Sin historia, sin sentimientos, sin coartadas. Simplemente movimiento y choques sin otra interrupción que el sonido metálico de fondo. Lo que de verdad importa en Días de Trueno, para lo que hemos venido, es para ver coches rodando por las pistas de la Nascar y su aspecto visual es hoy tan impresionante como hace 18 años.

Tony Scott y el productor Jerry Bruckheimer (este último aún junto a Don Simpson) rodaron aquí su obra maestra. Una filigrana audiovisual donde aún estaban justificados el montaje fragmentado y acelerado, los virajes de los colores, los cambios de texturas... marcas de fábrica interesantes pero que ambos han acabado por quemar en películas absurdamente indigestas (sin lugar a dudas, la peor es Dominó).

A nivel dramático, la película es totalmente plana pero consigue salvarse gracias a unas interpretaciones sorprendentes. Michael Rooker, hoy en horas más que bajas, estaba aquí en su mejor momento; Cruise, mucho más humilde que en la actualidad, resultaba la mar de creíble y Nicole Kidman (aún un poco verde), empezaba a dar muestras de lo que llegaría a ser. Robert Duvall, como siempre, se come la pantalla cada vez que aparece y Cari Elwes construyó aquí uno de sus característicos personajes repelentes que tanto nos gustan.

En definitiva, Días de Trueno, es una de esas cintas que conviene revisitar de vez en cuando para reconciliarse con el cine comercial.

Lo mejor: el duelo urbano entre Trickle y Burns
Lo peor: las escenas sin carreras

'Wanted': se busca delirio

2008-09-15T08:10:00.008+02:00

Ya era hora que alguien se dejara de estupideces y devolviera el cine de acción al lugar que le corresponde. Tras una década especialmente absurda en que el género se ha estancado (los esquemas se repiten más que el ajo), infantilizado (Die hard 3.0 es para mayores de 13 años) y ha virado hacia el Thriller o el cine de aventuras, llega Wanted, una película que pone toda la carne sobre el asador y, sin ningún tipo de escrúpulo, echa por tierra todo lo que creíamos saber sobre la violencia.

La decada de los 90 terminó con dos películas que acabaron con muchas ideas preconcebidas sobre el cine de acción: El Club de la lucha (David Fincher, 1999) y The Matrix (Larry y Andy Wachowsky, 1999). De la primera, el director Timur Bekmambetov recoge ese individuo alienado, atado a su cubículo e incapaz de dar un paso adelante para mejorar su vida así como un cierto regocijo en la violencia extrema como vía de escape de esa esclavizadora sociedad que llamamos de consumo. El resto de la película es The Matrix: su ya mítico Bullet Time justifica toda la propuesta no solo a nivel visual, sino también argumental.

The Matrix ha sido una cinta imitada, parodiada, copiada y referenciada hasta la saciedad. Su estilo ha impregnado cientos de trabajos posteriores sin importar su género o condición. Da igual si se trataba de peplums modernillos (Troya) cintas de terror-acción (Blade y Underworld), Cintas fantastique (x-men, Spider-man, Yo Robot) o mamarrachadas absurdas (Duce Bigelow). Pero entre todos los hijos bastardos de The Matrix, ninguno (ni siquiera sus secuélas) se había atrevido a avanzar un milimetro más. Todas se han quedado a su nivel o (la mayoría de veces) muy por debajo. Es facil poner pegas a una cinta como Wanted, pero hay que admitir que por fín, 9 años después, ha conseguido aportar cosas nuevas al genero del cine de acción.

La primera escena sintetiza en 3 minutos algo que en la cinta de los Wakowsjy tarda una hora en llegar y deja claro de por donde van a ir los tiros. No esperemos nada más (y nada menos) que violencia y disparos durante la siguiente hora y media. Wanted no pretende ser un tratado de filosófia de mercadillo. Es absurda, gratuita y, en muchos momentos, extenuante pero resulta vigorosa, poderosa, original en su planteamiento visual. Es radical en su uso de la violencia (deja en pañales a las sagas Die Hard y Arma Letal juntas) y se podría decir (con el permiso de la bélica John Rambo) que se trata de la primera película de acción-gore de la história.

Esta película es un frenesí visual. Un espectaculo apabullante lleno de golpes, ruido y muchos, muchísimos disparos. Lo mejor de todo es que abandona de una vez por todas el fetichismo por las armas que se ha instalado en el cine americano tras The matrix (casquillos por el suelo, desperfectos en las pareds y armas de gran tonelaje) y la concepción de Explosión = Espectáculo. Aquí encontramos sesos debanados, delirios balísticos, sangre a borbotones y (bravo) heridas que se curan en horas.

Oigo y leo como la crítica se carga esta película tan alegremente. Que si es absurda, gratuita, violenta... ¡por supuesto que lo es! y por eso marcará a fuego el cine de acción de la próxima década.

Lo mejor: James McAvoy y toda la sangre derramada
Lo peor: Angelina Jolie

'El tren de las 3:10 a Yuma': El western según Mangold

2008-09-10T09:22:00.006+02:00

Me gusta y comparto la visión que tiene James Mangold del Western, Lo importante de este Tren de las 3:10 a Yuma no es el espectáculo, los tiroteos, los caballos, los ataques indios o el fetichismo por los sombreros (aunque de todo esto hay en la cinta). Para su director, el genero es un espacio (tanto físico como mental) que permite hablar y discutir sobre temas que van más allá del lugar y época donde se sitúa la cinta.

A través de las acciones y palabras de sus protagonistas se habla sobre las implicaciones que conlleva la búsqueda de libertad, sobre la justicia (quién la ostenta y con qué uso), sobre el sacrificio y la culpa, sobre lo que significa ser una leyenda y sobre el legado que dejamos tras nosotros. La película se guarda para sí misma una opinión sobre aquello que está bien o que está mal pero no le tiembla el pulso al poner en duda la importancia de instituciones como la religión o la familia que durante siglos sirvieron de guía y que, de pronto, se vieron insuficientes para resolver los problemas morales del hombre.

No conozco la obra original El tren de les 3:10 a Yuma (Delmer Daves, 1957) pero, analizando este remake de forma independiente, podemos afirmar que estamos ante una cinta más que interesante y a la que se le debería haber dado más oportunidades. Todo el peso de la película recae en sus dos actores principales (Russel Crowe y Christian Bale) sin olvidar un secundario robaescenas (Ben Forster) y un carrusel de secundarios en estado de gracia.

Mangold sabe mantener la cinta en una punto intermedio entre muchas corrientes. Su puesta en escena es sobria, alejada tanto de los grandes paisajes del cine clásico como del western más crepuscular. Es capaz de asistir al pequeño detalle de un cruce de miradas y también a la gran persecución de una diligencia. Los intérpretes dotan la película de un tono muy moderno pero no se llega en ningún momento al desvarío pop. Se podría tratar de una de las grandes películas del pasado año pero ha sido demasiado maltratada por las distribuidoras y acabará pasando sin pena ni gloria por nuestras pantallas. Podría haber supuesto un catalizador para nuevos westerns pero seguramente se quedará en un fenómeno aislado. Sea como sea, se trata de una gran película que ya tengo ganas de volver a ver en DVD.

Lo mejor: Russel Crowe, Christian Bale y Ben Foster
Lo peor: llevamos un año esperando su estreno

El regreso de los muertos vivientes

2008-09-09T08:57:00.009+02:00

Siempre he sido, no nos engañemos, un poco elitista para esto del cine de terror. Me gustan los films de Zombis pero me he alimentado únicamente de zombies de alta calidad: los de Romero, 28 días después y su secuela, la nueva versión de el Amanecer de los Muertos, Shawn of the Dead... Existen cientos de películas más sobre este subgénero y, aunque la mayoría son basura, seguro que he dejado muchas buenas cintas olvidadas.

Una de ellas es esta, El regreso de los muertos vivientes, una cinta de 1985 que yo odiaba de pequeño porqué su secuela era La divertida noche de los muertos vivientes y mis amigos iban por la calle diciendo "cerebroooo", algo que no aparecía en los films de Romero y que, por tanto, debía ser malo. Y eso he pensado hasta hoy, 15 años después, cuando la he visto por primera vez gracias a Dimensión Fantástica y a Terror Life. Lo gracioso del caso es que, a pesar de subsanar aquel error, no me he arriesgado ni un pelo y sigo jugando sobre seguro.

La cinta, no nos engañemos, tiene un avance un poco torpe y algunos momentos son bastante aburridos. Se repite muchísimo (vamos hacia el cementerio, vamos hacia el depósito de cadáveres, vamos hacia la funeraria, volvamos al cementerio!...), el tono cómico hace que muchas escenas pierdan tensión y no abunda el gore. Pero, por otro lado, tiene muchos puntos fuertes. Aunque al principio parezca desvirtuar la propuesta, la mezcla de humor y terror acaba por funcionar. Algunos gags son magistrales (el del perro disecado) y cuenta con un puñado de momentos bastante inquietantes (la reclusión en la trampilla, la llamada de refuerzos de los zombies, la lluvia ácida). Los personajes son buenos, muy buenos, en especial Frank, Freddie y el Desenterrador y, pese a lo que parece en un inicio, toda la película tiene una coherencia sorprendente. En el último tramo todo cobra sentido y se desencadena un final excelente. Romero jamás se ha atrevido a rodar un desenlace tan cínico y pesimista. Supongo que ayuda el hecho de que todos los personajes sean idiotas.

Esta es una saga extraña que pese a mantener el mismo título original, ha ido mutando y variando y cuesta saber por donde anda pero, al menos el primer título, resulta un buen filme de zombis. Es a la vez homenaje y parodia de La noche de los muertos vivientes a la cual cita literalmente, y reflexiona (al mismo tiempo que El día de los muertos) sobre comportamiento, motivaciones y debilidades del muerto viviente. Seguramente se trate del único filme que rompa con la sacrosanta ley de "hay que destruir el cerebro", lo que hace derivar la cinta hacia terrenos nunca antes planteados, como la imposibilidad de destruir a un muerto viviente. Sin lugar a dudas, una buena cinta de zombies.

Lo mejor: su coherencia y originalidad
Lo peor: su desarrollo

Viaje al centro de la tierra: 100% espectáculo, 0% originalidad

2008-09-08T13:25:00.011+02:00

Dentro de unos años la tecnología del cine 3D será: a) absolutamente normal y convivirá con el cine tradicional, o bien b) será historia. Sea como sea, de lo que no cabe duda es que Viaje al centro de la tierra quedará totalmente olvidada pues su único atractivo es el visionado en un cine en 3D.

Viaje al centro de la tierra es una cinta totalmente previsible y falta de originalidad. No hay nada especialmente destacable en las interpretaciones, en el guión, en la puesta en escena... todo en ella está escrito, diseñado y planificado para ser mostrado en 3 dimensiones. Está bien como experiencia, no lo niego, pero si quieren volver a arrastrarme para que me ponga unas gafotas de esas, deberá ser con una película de más calidad. Si los efectos digitales ya han hecho perder la cabeza a muchos, no quiero ni pensar lo que puede ocurrir con esta nueva tecnología en manos de tipos como George Lucas.

Está claro cual es el target de esta cinta: los niños. Y si sirve para que vuelvan a llenar las salas, me quitaré el sombrero ante esta película, pues muchos de ellos jamás han pisado una sala de cine. Pero eso no implica que la película deba ser tan simple, tan funcional. A pesar de la novedad del espectáculo, si exceptuamos un pare de escenas (el ataque de los peces y del tiranosaurio), el resto resulta imperdonablemente previsible. Y nisiquiera tecnologicamente resulta perfecta, pues se nota que el formato 3D está en pañales (resultan muy raros algunos objetos en primer plano desenfocados o los planos de escorzo).

Me pregunto cuales son las intenciones de esta película. En demasiadas ocasiones (como en la persecución de carretillas) parece un producto diseñado para un parque de atracciones. Es deplorable, por cierto, el pésimo montaje de esa escena, donde los planos creados por ordenador y los de los actores no encajan ni por casualidad. Pero eso no me molestó tanto como el tufillo educativo de toda la propuesta. El guión está plagado de frases incrustadas con calzador en plan: "¡Oh!, esto es magnesio un material inflamable, de color...." o "el esquisto es una piedra metamórfica que tal y cual..." o "el aire caliente sube y por eso nos arrastrará...". Se nota que sus artífices pensaron en los colegios como fuente de audiencia a buen precio. La frase "ese es uno de mis libros recomendados para el verano" deja claro a quién le está hablando la cinta. Pero resulta imperdonable que alguien haya escrito una frase como la que pronuncia Sean (Josh Hutcherson): "ojalá hubiera leído ese libro". Evidentemente la obra de Verne aumentará de ventas a partir de ahora, pero habrá que vigilar que la productora no se alíe con alguna editorial... si es que no lo ha hecho ya.

Lo mejor: las 3D son divertidas
Lo peor: la película no lo es

'Hellboy II'

2008-09-06T18:53:00.014+02:00

Hellboy II es como el Episodio I de Star Wars pero divertida. Es todo lo que tendría que haber sido el universo de Lucas en la última saga hasta la fecha pero que luego resultó ser pura basura. Encontramos aquí el mismo deliro visual, toneladas de FX y de maquillaje, mundos enormes plagados de personajes imposibles, ilustres estirpes de luchadores que se defienden a base de espadas... La diferencia es puramente de tono. Guillermo del Toro es capaz de mirar las cosas bajo un prisma de permanente cachondeo y, por mucho que él adore a Hellboy, sabe que no está realizando la obra maestra definitiva del cine fantástico.

La segunda incursión del director mejicano en el terreno Mignola es una hipervitaminada, glotona y autoparódica cinta de aventuras fantásticas que sirve de réplica al Señor de los Anillos de Jackson y a todos sus hijos bastardos. La película arranca, como no podría ser de otra manera, con la habitual leyenda contada en off, de luchas milenarias entre hombres y elfos por el control de la tierra y bla, bla, bla. La curiosidad es que las imagenes, pese a ser digitales, pese a ser impresionantes, no son realistas. La lucha se muestra a través de los ojos de un preadolescente Hellboy (aquí la oscarizada Montse Ribé) que vé a los combatientes como muñecos de madera y trapo y el mítico ejército dorado como maquinas de hojalata brillante. La idea es clara: Hellboy II no es otra cosa que un aparatoso juego, un pasatiempos descomunal.

El director vuelve a incurrir en un tema que ya aparecía en la sobrevalorada El Laberinto del Fauno, la delgada frontera que separa el mundo real y la fantasía, pero en este caso va directo a lo que interesa y en un simple plano (Luke Goss practicando con la espada cuando aparece por detrás el metro de Nueva York) nos explica que aquella leyenda y aquél mundo imaginado son, en realidad, el nuestro. Hellboy II Es una película divertida y emocionante. Tiene algunas escenas de acción deslumbrantes y un apartado gráfico prodigioso (el maquillaje es simplemente perfecto).

No hay que buscarle mucho más a esta cinta. Supera con creces a su predecesora y alza el nivel medio del cine veraniego. La intriga palaciega es suficientemente inteligente y los personajes (todos, incluso los malvados) resultan la mar de simpáticos. En ocasiones recuerda un poco a la saga Men in black pero a Del Toro no le funcionan tan bien los gags de forma vs fondo de aquella. La especialidad del mejicano son las bromas grotesca y tontorronas (aunque sean a costa de un tumor) que consiguieron arrancarme más de una risotada.

Lo mejor: la lucha contra la planta

Lo peor: el chiripitifláutico doblaje español

'Zohan': una tontería divertidísima

2008-09-05T14:17:00.017+02:00

Hacía tiempo que no me reía tanto en el cine. La arrancada quizá no fue muy efusiva pero practicamente toda la película me la pasé riendo a carcajadas. Incluso me reía en momentos que no hacían gracia... ¡porqué me acordaba de escenas anteriores! Quizás no sea para tanto y a algunos (a mi padre, por ejemplo) les pesará como una losa, pero yo me lo pasé en grande. Ahora bien. Dos días después, por algún extraño motivo, me daba la sensación que la película no era tan grande, tan buena, tan única. Y eso me pareció raro.

Los mecanismos humorísticos de Zohan son (no nos engañemos) los mismos que los de películas como Hot Shots y Agarralo como puedas: humor grueso sin demasiados filtros, caídas tontas, contorsiones humanas increíbles, frases absurdas amontonadas una encima de la otra. Pero, curiosamente (debe ser la mano de Judd Appatow en el guión), consigue destilar algo más. La epopeya de Zohan resulta emocionante; su enamoramiento, creíble; el desenlace, (hasta cierto punto) coherente y uno acaba la película reconfortado, feliz. Así pues, ¿porqué diablos caduca tan pronto ese efecto?

Quizás sea porqué se trata de una película gaseosa, que avanza rápido sin ceder en ningún momento. Los gags se acumulan, uno detrás de otro, y al final uno queda saciado y sin oportunidad de digerir pausadamente. Muchos de los chistes son visuales (las duchas eróticas a cámara lenta, las enésimas imágenes a lo Matrix...) por lo que, recordadas a posteriori, tampoco tienen mucha gracia. Sí que recuerdo, en cambio, las llamadas telefónicas al más puro estilo de Gila (¿está el enemigo?).

Puede que sea culpa mía, que siempre le busco los tres pies al gato, y a la película no le pase nada. Zohan aguanta el tipo perfectamente, hace reír, no aburre y propone un discurso mucho más efectivo que comedias teenagers a lo Scary Movie o American Pie. Debemos elogiar también el fabuloso y original retrato que ofrece de una ciudad tan cinematografiada como Nueva York. Dennis Dugan pasa de puntillas por Central Park, por los rascacielos y Avenidas de la gran manzana y centra su mirada en los inmigrantes que se encargan de pequeños oficios (taxistas, peluqueras, transportistas, camareros...) y que demasiado a menudo se les estereotipa en el cine (ya sea con buenas o malas intenciones). Intentan vender Zohan como una nueva Borat pero es un error. Aquí no hay ningún tipo de insulto racial, étnico, cultural o territorial. Como viene siendo habitual en las comedias de Sandler, sus personajes se mueven por bondad o ingenuidad, sin maldad ni desconfianza y, por eso mismo, consiguen atrapar al espectador y son tan especiales. Su cine siempre me ha gustado y esta cinta no defrauda. Quizás no la vuelva a ver jamás, pero he disfrutado de cada minuto de metraje.

Lo mejor: la inteligencia que desbordan muchos de sus gags
Lo peor: que Mariah Carey piense que su aparición mejorará su carrera

'Pozos de ambición', la mejor película del año según la FIPRESCI

2008-09-03T00:13:00.005+02:00

Paul Thomas Anderson, director de Pozos de Ambición, recibirá en el Festival de Cine de San Sebastián el premio a la mejor película del año que ofrece anualmente la Federación Internacional de la Crítica de Cine (FIPRESCI), formada por más de 200 críticos de todo el mundo.

La verdad es que leer esto me ha reconfortado porqué, por mucho que me gusten los Coen (y me encantan) el Oscar a la mejor película que recibió No es país para viejos el pasado 24 de febrero no era tan merecido como todos pretendieron hacernos creer. La nueva película de Thomas Anderson, esta densa, pesimista, cruda y oscura historia de ambiciones petrolíferas y almas destruidas por la avarícia es mucho superior a la (por otro lado excelente) película de los Coen. No es país para viejos es una de los mejores películas de los hermanos directores, pero no consigue (tampoco lo pretende) romper las convenciones cinematográficas establecidas, como sí hace Pozos de ambición.

Paul Thomas Anderson es un tipo que escribe y dirige obras maestras. Trabaja a contracorriente y, por eso mismo, Hollywood parece repudiarle. Sus películas suman 14 nominaciones a los Oscar (3 para Boogie Nights, 3 más para Magnolia y 8 para esta Pozos) y solo se ha llevado 2 estatuillas. Incluso el menos importante de sus platos, Punch Drunk Love (dejando de lado la novel Hard Eight) resulta una estimulante, emocionante y reflexiva aproximación a un genero tan pésimo como el de la comedia romántica. Una auténtica delicia.

Por lo que respecta a Pozos de ambición, se trata de una soberana lección de como el cine del futuro no tiene que estar forzosamente definido por ruidosos y vacíos productos como Transformers o La Momia 3. De hecho, podemos contemplar Pozos de ambición como el reverso negativo de Wall·e. A pesar de sus insalvables diferencias en intenciones y métodos, ambas cintas eflexionana sobre el lenguaje cinematográfico e intentan ir mucho más allá de lo que las barreras de este lenguaje audiovisual parece permitir. Rompen cualquier etiqueta de género o de formato y consiguen, gracias a una inteligente fusión de forma y contenido, alcanzar algo en el interior de un espectador cansado de mensajes con calzador. Wall·E y Pozos de Ambición atacan las entrañas, los nervios, el corazón, el estomago. Sus visionados no son simplemente visuales, también son vivenciales.

La experiencia de ver una cinta como Pozos de ambición podrá resultar más o menos estimulante, aburrida, irritante, divertida, decepcionante o emocionante, pero habrá que admitir que hemos asistido a un momento especial en la historia del cine moderno.

Lo Mejor: El prodigio audiovisual e interpretativo
Lo Peor: (Quizás) la brusca entrada del último pasaje

El samurái moderno: 'Cinturón Rojo'

2008-08-27T18:38:00.002+02:00

Revisando The Yakuza (Sidney Pollack, 1974) me he dado cuenta que, quizás, lo que atrae al espectador occidental hacia el cine de samurais no es tanto la violencia de los combates a espada como el extraño concepto del honor. Esa mística, incomprensible y (para nosotros) irracional concepción de la vida que nada tiene que ver con nuestro mundo pero que tan bien queda en el cine. Nos gusta sentarnos en una sala y ver como esos hombres hoscos y anticuados se van alejando cada vez más del mundo real por respeto a unas creencias vitales para ellos y ridículas para los demás.

La historia de Yakuza, excelentemente urdida por los hermanos Schrader y Robert Towne, ya dejaba claro que el sacrificio del Yakuza era inútil en el japón de aquella época. Las instituciones que ostentaban el poder eran ya las grandes empresas con negocios transatlánticos y no los clanes yakuza. Hoy, 30 años después, David Mamet ha cogido el mismo personaje y lo ha ubicado en la ciudad de Los Ángeles. Lo que mueve a Mike Terry es lo mismo que movía a Ken Tanaka (y a otros personajes anteriores de Mamet): el estricto cumplimiento de unos principios morales mientras todo lo que les rodea se derrumba bajo el peso de la corrupción, el poder y la mercantilización de las vidas humanas.

Quizás sea porqué tengo predilección por estos temas, pero opino que estamos ante uno de los mejores trabajos de David Mamet. La trama es lineal, casi minimalista y pretendidamente previsible (el cartel no engaña a nadie) pero me encanta el temple con que avanza la cinta;su ritmo lángido y preciso que parece latir plano a plano, escena a escena. La película abandona cualquier espectáculo de violencia y está construida a base de miradas, silencios y unas interpretaciones portentosas. La actuación de Chiwetel Ejiofor es deslumbrante y es su serena pero tormentada presencia lo que le imprime ritmo a la cinta. Él es el núcleo sobre el que gravitan otros intérpretes en estado de gracia como Rodrigo Santoro, Alice Braga, el habitual Joe Mantegna y un sorprendentemente acertado Tim Allen.

Sin lugar a dudas Cinturón Rojo pasará sin pena ni gloria por nuestras salas, pero me alegro de haberla cazado a tiempo. No tiene nada que ver con la realidad pero durante hora y media nos hace creer que es posible vivir sin ceder a la ambición, al engaño o a la especulación de nuestra sociedad. Ya lo dice Mike Terry en su peculiar travesía: "siempre hay una salida posible". Pero quizás el único lugar donde podamos encontrarla sea en la ficción de una sala de cine.

Lo mejor: Chiwetel Ejiofor
Lo peor: que sea tan inverosímil

El bodrio del año: 'Aprendiz de Caballero'

2008-08-26T21:15:00.004+02:00

No creo que en lo que queda de año podamos ver muchas películas tan malas como esta Aprendiz de caballero, una engañosa traducción de la original Virgin Territory. En Italia dejaron claro de qué iba esta desfachatez con el título Decameron Pie, es decir, una adaptación del Decameron, de Bocaccio, para un publico adolescente ("y también estúpido", debieron pensar sus productores). Si aquí se hubiera usado el ya clásico Como Puedas en vez de tomarnos el pelo con este pretendido retorno de Destino de Caballero, nos habríamos ahorrado el precio de la entrada. Por desgracia no ha sido así.

No se puede decir nada de bueno de esta película. Arranca estrepitosamente y no creo que ni siquieira los chicos y chicas de 15 años y cargados de hormonas hayan sido capaces de encontrarle la gracia. El supuesto erotismo que intenta desprender está a la altura de las cintas que Alvaro Vitali (Jaimito para nosotros) rodó en los años 70 y de las comedias autóctonas de Pajares y Esteso. El humor es vergonzoso y vergonzante y la supuesta aventura que parece anunciar el cartel brilla por su ausencia. La banda sonora, aunque no sea especialmente mala, va a su rollo, sin nada que ver con las imágenes y el resultado se asemeja más a un video de comunión casero que a una producción de unos grandes estudios (y respaldada por los Laurentis).

Queda claro desde el primer plano de cinta que las actrices solo se han contratado para lucir tipito (y pechos) con la excepción de la belleza Misha Barton, que no enseña nada de nada. Y si las chicas son poco más que floreros rubios, los actores son mucho peores. Unos paródicos Craig Parkinson i Tim Roth (que alguien me explique de diablos hace aquí) consiguen salvar la papeleta pero el resto produce urticaria de malos que son. El peor de todos, sin duda, Hayden Christensen, ese James Franco de Pacotilla que parece empeñado en enterrar su carrera al aceptar papeles como este.

Aprendiz de Caballero nunca debería haber visto la luz. Que pidan casi 7 euros por ir a ver un bodrio como este es un insulto. Mientras estrenen en las salas películas como esta y, además, intenten vendérnoslas como lo último en cine de aventuras, la piratería estará justificada.

Lo mejor: mmm... esto... ¿Tim Roth?
Lo peor: no ser capaz de salir del cine a media película

Recuperando ‘En Busca del Fuego’

2008-08-25T10:07:00.007+02:00

Esta es una de esas películas que consiguen engancharme cada vez que la cazo por televisión. Con cada nuevo visionado me doy cuenta de las muchas limitaciones de la cinta pero, en cambio, también confirma que aquellos elementos que me atrajeron en su momento siguen estando presentes. Elementos que le confieren a la cinta un tono único y especial que no se ha vuelto a repetir en años.

Hay un montón de cosas que fallan en esta película. El maquillaje de muchos de los homínidos que pululan por la cinta es intolerablemente malo. Ni siquiera en El planeta de los simios (1968) habíamos visto máscaras tan rígidas. Los mamuts son ridículos y parecen diseñados para una obra de teatro infantil. Además la trama tiene algunas escenas sonrojantes, como el team-up entre humanos y mamuts o el (cutre) aspecto de los dientes de sable. Tampoco entiendo algunos de los movimientos de cámara (p. ej. la extraña panorámica desde Perlman hasta el resto del grupo al inicio de la cinta) y el montaje muestra demasiados problemas de continuidad por culpa de diferencias en las iluminaciones o las texturas. Sé que peca de pretenciosa y que resulta un poco inocentona pero, a pesar de esto, es un film que me encanta.

Me gusta la película porqué tiene buenos personajes. Los tres aventureros prehistóricos que se juegan el pellejo en busca de fuego (Everett McGill, Ron Perlman y Nicholas Kadi) y el resto de secundarios (sobretodo Rae Dawn Chong) resultan entrañables; además es una cinta emocionante que consigue atraparte pesa a ser muda o, por lo menos, lingüísticamente ininteligible. Me gusta que Anthony Burgess (La Naranja Mecánica) sea el encargado de crear el lenguaje de los homínidos porqué le aporta realismo y veracidad a la función. Me gusta ver como se refleja la evolución del ser humano a través de los distintos grupos sociales. Me gusta porqué tiene escenas divertidas (la huida en el árbol entre otras) y toda la historia está llena de tensión. Tiene algún que otro plano visualmente impresionante y es de agradecer que no sea demasiado larga.

En definitiva, sé que En Busca del fuego tiene un montón de problemas y que necesita más de un parche, pero se trata de una película que me atrae y que me divierte y que no me importa repetir cada vez que la encuentro por televisión. Su director, el por otro lado pesadísimo Jean Jacques Annaud, rodó aquí uno de sus mejores trabajos. El nombre de la rosa es una cinta pretendiosa, pedante y aburrida que empalidece al lado de la novela que le da nombre; debo admitir que Enemigo a las puertas me gustó, pero Siete años en el Tibet era un rollo de cuidado. Por lo menos hay que agradecer que el mismo Annaud se arriesgara el año 2004 a rodar Dos Hermanos, con un estilo parecido al de El Oso, demostrando así que el cine aún tiene un montón de estilos que explotar y que pasan desapercibidos por culpa de la mastodónica presión del box-office.

Lo mejor: un ritmo envidiable
Lo peor: a sus FX no le vendrían mal un arreglo en plan Star Wars

Rollos paranormales: 'Expediente X. Creer es la clave'

2008-08-19T12:25:00.014+02:00

Seguramente no soy la persona más adecuada para juzgar esta película. La serie original, de la que solo vi media docena de capítulos, nunca me llegó a enganchar y dejé escapar la primera película sin ningún problema de conciencia. Por tanto, es normal que no me haya gustado la segunda película. No sé lo que opinaran los que sí fueron seguidores de la saga, pero yo, que solo la puedo analizar como un producto aislado e independiente, opino que es una película floja y sin ningún tipo de gancho artístico o comercial.

Seguramente un slogan como Creer es la clave (I want to believe en la versión original) ya no ofrece demasiadas esperanzas de que vayamos a ver una gran película. Me gustaba mucho más el enfrentate a tu futuro del primer film que, por lo menos, insinuaba que el universo Expediente X se debía adaptar a un nuevo medio tras la inminente desaparición de la serie mientras que esta hace un desesperado llamamiento a la fe de sus creyentes.

¿Qué nos ofrece Esta nueva entrega de Expediente X? No tiene mucho sentido analizar esta película como si se tratara de una obra de ciencia ficción. No hay extraterrestres ni ningún otro elemento que permita situar la trama en un entorno mínimamente irreal. Tampoco se salva como thriller porqué la investigación de Mulder y Scully resulta tediosa y aburrida. Hay otros personajes en la película, pero se mueven como si fueran marionetas sin voluntad. El caso médico al que se enfrenta Dana Scully no aporta nada dramáticamente y resulta un lastre por lo trillado de la situación: médico quiere salvar vida de paciente en estado crítico (un niño, por supuesto,) pero no recibe el apoyo de sus superiores para probar nuevas técnicas médicas (me aburro). Finalmente, el poco atractivo que pudiera suscitar la relación entre Mulder y Scully se pierde por el pésimo trabajo interpretativo de Gillian Anderson mientras que David Duchovny (triste pero cierto) resulta de lo mejorcito de la función.

Expediente X fue una serie de culto de los 90 pero hoy no es más que una pálida parodia de aquellos días, un chiste malo que se usa en televisiones de bajo presupuesto para llenar agujeros en las parrillas como si se tratara de Se ha escrito un crimen o Diagnóstico Asesinato. No entiendo cual es la razón que ha llevado a los productores y al director, Chris Carter, 10 años después de la primera película, a desenterrar unos personajes llenos de polvo y que (creo) nadie echaba de menos. Si me dicen que se trata de un piloto para una nueva temporada que al final se ha estrenado en pantalla grande me lo creo. De hecho no hay ninguna diferencia entre Creer es la clave y un capítulo de la serie. No hay ningún elemento en la puesta en escena, en la fotografía, en el guión, en las interpretaciones o en la música que justifique el salto al cine. No estoy hablando (por supuesto), de más y mejores efectos especiales, sino de un uso más inteligente del lenguaje cinematográfico.

Tampoco se trata de una cinta calamitosa. No es para echar a correr, pero parece rodada sin alma ni entrañas ni corazón y el resultado final es el de un producto gris y anodino que no tardará en desaparecer de nuestra memoria.

Lo mejor: la primera escena en el hielo
Lo peor: el resto de escenas en el hielo

‘WALL•E’

2008-08-18T11:40:00.005+02:00

No cabe duda que a los chicos de Pixar les gusta forzar los límites y demostrar que las fronteras están ahí para saltárselas en el momento adecuado. Desde que inauguraran el género de la animación por ordenador con Toy Story (1995) cada una de sus nuevas películas ha supuesto un importantísimo paso adelante dentro de la compañía pero también una evolución crucial para el género. Con cada estreno consiguen hacer temblar los cimientos de la animación gracias a una profunda voluntad de superación y a una renovación constante mientras el resto de compañías (con algunas honrosas excepciones) parecen contentarse con pretensiones mucho menos exigentes.

El caso de WALL•E no es una excepción. No diré que sea la mejor película de Pixar hasta la fecha (esto al final es solo cuestión de gustos) pero sí que ha llevado la animación 3-D hasta donde nadie se había atrevido antes y sí me atrevo a decir que es la mejor película del año con permiso de El Caballero Oscuro.

WALL•E es una rara avis dentro de los mal llamados Dibujos animados: arranca bajo un prisma post-apocalíptico desconcertante, apenas hay diálogo, sus protagonistas son robots, articula un discurso crítico con la sociedad actual, y homenajea clásicos del cine que ningún niño será capaz de entender. Pero a pesar de eso, es una obra maestra que consigue atraer a mayores y pequeños gracias a una mezcla perfecta entre espectáculo visual, humor slapstick, discurso ecológico, referencias culturales y la más sobrecogedora historia de amor vista en el cine en los últimos años.

Me niego a dar la razón a quien dice que el cine de animación actual “no es para niños”. Pude comprobar personalmente como los niños y niñas de la sala se reían, se emocionaban y se quedaban boquiabiertos a lo largo de la cinta al igual que los adultos. EVIDENTEMENTE hay chistes y diálogos que no entenderán pero también los había en Los Increíbles y en Los Simpson y doy fe que a los chavales les encantan ambas películas aunque la segunda tenga muy poco de infantil. Estoy harto de generalizaciones absurdas: habrá niños y niñas a los que les gustará la película mientras que otros se aburrirán. Pero reivindico que, desde ya, se deje de tratar a los niños como si fueran tontos. Tienen el mismo derecho que nosotros a disfrutar de películas tan asombrosas como WALL•E, en la que no hay ni un solo insulto, ni una sola referencia sexual o vejatoria, ni un solo momento de violencia gratuita, ni una sola palabrota. WALL•E es, simple y llanamente, un canto a la bondad y al amor. De momento ya se ha ganado el Oscar a mejor película de animación, y ya veremos si no le cae alguno más.

Lo mejor: su capacidad para dejarnos boquiabiertos de principio a fin
Lo peor: que únicamente Pixar haga las cosas tan bien.

'El Diario de los Muertos'

2008-08-11T17:12:00.004+02:00

El diario de los muertos condensa, resume y capitula temáticamente todo el universo que el mismo George A. Romero inauguró hace 40 años con La noche de los muertos vivientes y que continuó en forma de desigual trilogía con Zombie (1978) y El Día de los Muertos (1985). En 2004 volvió a las andadas con La tierra de los muertos vivientes, cinta que, a pesar de su impresionante factura técnica, no supo contentar a los fans del maestro del horror. Su excepcional fotografía, sus asombrosas texturas y los sombríos efectos especiales no consiguieron salvar una trama un tanto pobre con situaciones poco o nada originales.

El diario de los muertos es, en cambio, una película hecha a medida para los seguidores del director de Pittsburgh. En ella encontramos mucha más autoreferéncia y reflexión que momentos de auténtico terror. Por supuesto sigue habiendo sangre, mutilaciones y canibalismo. Romero y el gurú de los FX, Greg Nicotero, nos ofrecen algunos de los mejores momentos splatter que hemos visto en años pero, a pesar de la creciente presencia de gore en nuestras pantallas, me atrevería a decir que no habíamos visto imágenes tan originales desde Braindead (Peter Jackson, 1992) –sirva de ejemplo el ataque con ácido o el autoinfligido golpe de guadaña.

Pero, como decía, muchas de estas escenas son solo capítulos aislados en medio de una trama llena de diálogos y discusiones sobre la decadencia de nuestra sociedad. Como siempre en el cine de Romero, el zombi no es la razón de ser de la cinta sino una catalizadora metáfora que acelera el paso de una sociedad tangible y segura a otra llena de incertidumbres y peligros.

En esta ocasión el director duda de la legitimidad del medio audiovisual como epicentro de nuestra cultura y principal motor de nuestras sociedades. Parece preguntarse si la la democracia audiovisual no genera, paradójicamente, más desinformación. Hoy cualquiera puede colgar un video en Internet sin ningún tipo de rigor, credibilidad ni filtro y, ante esto, el espectador (esto sirve para el cine pero también para los móviles, la televisión e Internet) se vuelve escéptico e incrédulo. Resulta revelador el cameo que hace el mismo George A.Romero en la película: aparece en televisión, vestido de policía y presentando como real un segundo montaje de las imágenes que hemos visto abrir la cinta, demostrando la facilidad con que las instituciones modifican la verdad de los acontecimientos.

Pese a que El diario de los muertos arranca bajo un punto de vista similar a películas como Cloverfield y Rec, lo que Romero nos ofrece no es el producto tal-como-sale-de-la-cámara sino el montaje subjetivo y alterado que (supuestamente) ha editado uno de los protagonistas. Estos son estudiantes de cine, no reporteros, y se expresan en un medio propio que es el cine. Un medio en el que se miente, se repiten escenas, se corta, se pega y se añade información para conseguir un todo más real que la propia realidad.

En un principio cuesta aceptar estas reglas de juego, pero pronto nos damos cuenta que las cartas están sobre la mesa y que la intención del director no es la de tomarnos el pelo. Esta especie de reescritura moderna de La noche de los muertos vivientes incorpora su propia crítica, su propio making off, lo que demuestra que Romero es capaz de sobreponerse a la sombra de su mito al tiempo que se vuelve a situar como uno de los más punzantes directores del cine de terror. Un género al que últimamente le sobra hemoglobina pero al que le falta discurso.

Lo mejor: el tándem Nicotero-Romero

Lo peor: que parezca dirigida únicamente a seguidores del subgénero zombi

Crítica (larga) de 'Batman: The Dark Knight'

2008-07-30T11:14:00.013+02:00

El Caballero Oscuro es, como toda obra maestra, una película exigente. Además de ser larga (152 minutos) cuenta con un montón de personajes que van y vienen, tramas que se abren y se bifurcan sin llegar a cerrarse hasta el último minuto, escenas larguísimas de acción combinadas con escenas aún más largas de diálogos y unos personajes que, por complejos y ambiguos, resultan inaccesibles durante un primer visionado. Pero merece la pena. No creo que en lo que queda de año podamos ver en pantalla grande muchos productos a la altura de este nuevo Batman.

A pesar de la tabarra que nos han dado todos los medios hay que admitir que se trata de una película excepcional. No solo es superior a su predecesora, la excelente Batman Begins, sino que permite, al igual que hizo The dark Knight Returns por el cómic, una renovación dentro de un subgénero cinematográfico tan explotado como poco aprovechado. Todas las comic-movies suelen adolecer de personajes planos, tramas aún más planas y efectos especiales casi desfasados en el momento del estreno que le dan un tono fantasioso e irreal (vease Hulk 2 o The Ghost Rider). En este sentido, el último trabajo de Nolan, se encuentra mucho más cerca de los thrillers de acción de Michael Mann que de las góticas aproximaciones de Tim Burton. Los escenarios son solidos y, gracias al trabajo de fotografía y de vestuario, todo transpira realismo y veracidad. Incluso las incursiones de Batman en la noche son menos sugerentes que antaño y resultan mucho más físicas. Ahora, Batman parece más un soldado de élite que el sombrío espectro del anterior episodio.

La cinta picotea en toda la mitología de Batman sin someterse a ninguna saga o novela gráfica concretas. Consigue destilar elementos de The Dark Knight Returns y de La Broma Asesina para convertir al hombre murciélago en un ser tangible y dolorosamente real pero sin necesidad de ceñirse a ninguna trama establecida. Los fans estarán contentos y también aquellos viven al margen de las (plomizas) reivindicaciones que los seguidores de Miller y Moore encabezamos con cada nueva adaptación de sus obras.

Me gustaría poder decir que los elogios que ha recibido la cinta son exagerados pero no es así. Aunque es escalofriante que ya se esté negociando el posible Oscar póstumo a Heath Ledger, debemos reconocer que su Joker es impresionante. Todo el posible morbo que pudiera despertar verlo en pantalla tras su mortal sobredosis se esfuma a partir de su segunda aparición. De pronto descubrimos un malvado tan atractivo como despreciable. Una furia de la naturaleza que nos hace reír en ocasiones pero que, en realidad, reconocemos como un monstruo insoportablemente cruel.

The Dark Knight no sería tan buena sin este definitivo Joker pero tampoco sería nada sin el impresionante trabajo de Aaron Eckhart como Harvey Dent. Quizá deberíamos evitar la mitificación del cadáver de Ledger y empezar a valorar como se merece este excelente actor que ofrece aquí su mejor interpretación hasta la fecha. El triángulo que se establece entre Dent, Gordon y Wayne (aunque a Christian Bale no se le permita lucirse como antes) es uno de los ejes principales del debate moral sobre las implicaciones de ser (o convivir con) un superhéroe. Los tres luchan contra el Joker pero mienten y se traicionan mutuamente mientras combaten sus propios fantasmas.

Pero dejando a un lado el guión y los actores, hay que aplaudir el trabajo de dirección de Christopher Nolan. Ha rodado lo que será un auténtico referente en los próximos años. Una película tan inteligente como vigorosa que consigue una perfecta comunión de todos los departamentos de la película y que demuestra, de una vez por todas, que una película comercial puede ser también una buena película. A ver si los artífices de cosas como Harry Potter, King Kong, Indiana Jones IV, Speed Racer, Las Crónicas de Narnia y sus derivados aprenden que los espectadores también responden positivamente ante el buen cine y no solo ante la morralla de usar y tirar que llena cada semana nuestras salas.

Lo Mejor: una perfecta fusión entre espectáculo y buen cine
Lo Peor: demasiados gadgets por fotograma cuadrado

'Cineastas en Acción' / 'Cineastas contra Magnates'

2008-07-29T12:56:00.008+02:00

Canal 33 de Catalunya emitió hace unas semanas (¿dos?, ¿tres? ni idea) los reportajes Cineastes contra Magnats i Cineastes en acció (2005), un díptico de Carles Benpar que pretende mostrar la falta de escrúpulos con la que los productores (léase también distribuidoras, televisiones, salas de medio pelo...) tratan los productos fílmicos. Sin duda es un tema interesante, pero los dos trabajos son un claro ejemplo de como una gran investigación no se traduce forzosamente un buen reportaje. La documentación es solo el primer paso para conseguir un documental como dios manda y Benpar se ha olvidado del resto del trabajo.

A partir de entrevistas y alguna que otra recreación un tanto tramposa se repasan todos los crímenes que ha sufrido el celuloide a lo largo de la historia: cortes publicitarios en televisiones y también en cines; nuevas ediciones recortadas, alargadas o mejoradas de viejas películas; cintas coloreadas; versiones mal dobladas; proyecciones que no respetan el formato original...

Los datos que manejan ambas películas son apabullantes. Hay entrevistas con personajes de la talla de Woody Allen, Bernardo Bertolucci, John Boorman, Stanley Donen, Milos Forman, Arthur Penn, Sidney Pollack... y recupera archivos (archive footage que se llama) de John Huston, Fred Zinnemann, Fellini, Burt Lancaster, Salvador Dalí...

Pero el problema de estos dos trabajos yace en que esas entrevistas son simplemente eso: entrevistas. No hay una labor de montaje para que las palabras de cada interlocutor se complementen creando un discurso único completo. Asistimos a la intervención del entendido 1: habla durante cinco minutos ante la cámara, sin cortes, sin planos de recurso, sin cambios de cámara. Después viene el entendido 2: cinco minutos más de plano fijo en un estudio, despacho, jardín o recibidor. Y así durante todo el metraje con la excepción de contados ejemplos sacados de emisiones televisivas. Hay que destacar que algunos (el de la naranja por ejemplo) son auténticas joyas, pero la sensación global es de aburrimiento, de pesadez, de escuchar una y otra vez lo mismo contado desde distintos frentes.

Es un ejemplo sintomático de la mala situación del documental en España que ambos trabajos ganaran sendos Goyas al mejor documental. Un premio que avala el esfuerzo del trabajo de campo pero que no tiene para nada en cuenta el lenguaje cinematográfico. En las antípodas de maravillas como Inside Deep Troath (Bailey y Barbato, 2005), la edición de Cineastes es catastrófica. No solo le falta nervio y agilidad sinó que cada entrevistado explica su opinión partiendo ¡desde el principio! Cada uno dice: "me parece muy mal que se haga una versión coloreada de La Jungla de Asfalto, de Huston. Vi esta película cuando tal i cual..." y para cuando llega a añadir algo de información, ¡ya han pasado 2 minutos!

Por favor, que alguien competente se haga con tan suculento material y se meta en una cabina durante medio año a cortar y pegar por donde haga falta. Y que salga con un reportaje de dos horas (¿para qué 2 películas de hora y media?) que de verdad consiga avergonzar a todos los mandamases de la industria del cine. Y una de dos: o vuelven a grabar los stand up de Marta Belmonte ahora que ya se ha curtido como actriz o me la quitan de ahí, que da vergüenza ajena.

Por cierto, no os perdais el site de la película:

Lo mejor: las toneladas de jugosa información

Lo peor: su nula capacidad de comunicación

'Hancock', Una buena película

2008-07-23T14:27:00.005+02:00

Después de haber visto Hancock no entiendo el vapuleo que se ha llevado por parte de prácticamente toda la crítica cinematográfica de este país. En mi opinión, su mezcla de Screwball comedy y cine de superhéroes es excepcional. La película es corta y directa y avanza imparable sin un solo tiempo muerto de principio a fin.

Uno de los comentarios que he leído con más frecuencia es que la arrancada, transgresora y arrolladora, se apaga hasta convertirse en un pastiche de comedia previsible y aburrida, pero no opino que esto sea cierto. No podemos pretender que una película comercial protagonizada por Will Smith y estrenada en pleno mes de julio sea un retrato de un personaje decadente y amoral. Debe haber una evolución, los personajes tienen que crecer y considero que la transición de Hancock, desde su estado de despojo humano hasta convertirse en héroe nacional, es coherente y está llena de buenos gags.

Además, los guionistas han conseguido algo que, a priori, parecía imposible: que una futura secuela pueda resultar interesante a pesar de no contar con el Hancock mal educado y patético de los inicios. La mitología de seres inmortales enfrentados a su destino es atractiva y deja muchas puertas abiertas.

Si considero Hancock una buena película es porqué no se trata de una cinta de acción. Solo hay tres escenas moviditas y precisamente la que arranca la cinta, resulta aburrida y poco original. Me dejaron mejor sabor de boca la del atraco al banco en medio de la calle (un claro homenaje a Los Ángeles de Heat), salpicada de humor y autoparodia y la del hospital, hacia el final de la cinta,realmente tensa y emocionante.

El guión es divertido porqué reintepreta los peores tópicos del cine de parejas lanzando guiños constantes al espectador. La puesta en escena es apabullante, con una fotografía digital saturada y llena de ruido tan característica de nuestro tiempo pero que aprovecha al máximo los primeros planos de los rostros y los detalles en las miradas. Solo le veo una pega importante que es su estricto proceso de montaje. Imagino que con el objetivo de acortar minutos se han ido acortando más y más las escenas de acción y eso las ha acabado llenando de huecos que hacen saltar de un plano a otro sin saber qué ha pasado exactamente.

El cine comercial de hoy se encuentra estancado en rutinas tan repetitivas como aburridas, lleno de de aparatosos artificios sin alma ni corazón y sagas que se alargan incomprensiblemente por el mero hecho de que dan dinero. En este contexto no creo que debamos menospreciar películas honestas, sinceras y divertidas como esta Hancock. No os dejéis engañar. Vendrán tiempos mucho peores.

Lo mejor: su casi inapreciable retrato social de Los Ángeles
Lo peor: la escena de acción inicial

'Funny games', el juego de Haneke

2008-07-08T16:43:00.006+02:00

Aviso: esta es una crítica de la película original que Michael Haneke rodó en 1997, no de la versión del mismo director que se acaba de estrenar.

Parece que hoy todos los críticos de cine se hacen la misma pregunta: ¿qué utilidad tiene que un director vuelva a dirigir la misma película? A mi, e imagino que a muchos otros, nos ha servido para azuzarnos a rescatar la cinta original después de decir durante años "la quiero ver". Para los que no la querían ver y no se consideren ratas de videoclub, supone la oportunidad de asistir a una original y dolorosa reflexión metacinematográfica. Por lo tanto, sí ha valido la pena. Y punto.

Como su propio nombre indica, Funny Games es un juego. Una partida entre el espectador y el director donde, por supuesto, Haneke tiene todas las de ganar. Toma las riendas y maneja las reglas a su antojo, no se esconde al hacer trampas y nos obliga a destruir muchos de los presupuestos que tenemos sobre el cine y su lenguaje.

Nos guste o no, nuestra visión como espectadores/televidentes parte de múltiples convenciones que han creado un patrón. A través de los gestos de los actores y del avance de la cámara pretendemos prever qué sucederá a continuación. Haneke toma ese punto de partida para demostrar que no sabemos nada de nada. Todos los clichés del género (si a la violencia se le puede llamar género) son desmontados uno a uno. En lugar de una escalada frenética sin fin, nos encontramos ante tiempos muertos insoportables; donde creemos ver un enfrentamiento entre los asaltantes solo encontramos un chiste a nuestra costa; el anhelado giro en la escena de la escopeta se convierte en una arbitraria jugarreta metalinguística que nos demuestra que no existe esperanza alguna; la violencia esperada aparece fuera de plano y la que acomete por sorpresa se nos muestra con todo lujo de detalles. Funny Games es el ejercicio reflexivo de un cineasta. Un filme-ensayo que interpela al espectador sobre su responsabilidad en el juego de la ultravioléncia audiovisual.

A menudo se acusa a los realizadores de regodearse en la violéncia en su intento de criticarla, pero eso no evita que sean más necesárias miradas tan apocalípticas, dolorosas y arriesgadas como las de Haneke. En cuanto al debate final sobre si la ficción cinematográfica es, de hecho, una realidad, estoy de acuerdo con el personaje de Arno Frisch: no existe diferencia alguna.

Lo mejor: la severidad con que Haneke acusa a sus espectadores
Lo peor: en mi caso, verla en versión doblada

El cine ya no interesa

2008-07-03T11:23:00.004+02:00

Lo dijo este fin de semana Alex Gorina en su Finestra Indiscreta, en Catalunya Ràdio: "hay muchas más cosas que interesan a los medios antes que el cine". Con todo el revuelo que se ha armado alrededor de la Eurocopa, no hay duda que tiene razón.

Gorina explicaba que este año no hará su versión veraniega del programa. Él explicó que, en parte, esta situación era voluntária, segun se ve, se está recuperando de algun problema médico y decidió que, por una vez, se merecía hacer vacaciones. Pero, a parte, también añadió que "no veía demasiado interés hacia el tema del cine".

La verdad es que no me extraña la situación en la que se encuentra la información cinematográfica de hoy. Los programadores, da igual si son de rádio o televisión, introducen los programas a horas absurdas (La finestra se emite sabados y domingos entre las 12 y las 2 de la mañana) y los contenidos que aparecen en los informativos o magazins prestan mucha más atención a notícias de corazón de los famosos que a hablar de las películas en sí. Cuando se habla de un film es por su promoción y nunca se cuestiona su calidad artística. Lo que interesa es vender y punto. Solo hay que ver el espacio que una revista como Fotogramas, antes estandarte de la información cinematográfica, dedica hoy a las críticas. Una vergüenza.

Me gustaría que se valorara mucho más el séptimo arte desde el mundo de los medios. Me gustaría que se siguiera el ejemplo de Página 2, que con una propuesta innovadora y original ha conseguido que se hable dignamente de libros en televisión.

Siento mucho decir que Gorina, a quien admiro desde hace años, tiene razón. El cine ya no interesa.

Si quereis, podeis escuchar en este link la segunda hora del programa del domingo de La finestra indiscreta donde se explica todo.

El Increible Hulk , una grata sorpresa

2008-06-25T16:03:00.003+02:00

Empecemos por el principio: The Hulk (Ang Lee, 2003) no era tan mala como muchos dicen ni fue un estrepitoso fracaso. Quizá es cierto que se quedó en medio de dos aguas entre el espectáculo exigido por la productora y la profunda reflexión comiquera esperada por los fans de X-men. Tenía tramos excelentes y trasladó de forma inteligente el formato de viñetas al lenguaje cinematográfico, algo que nadie más ha sabido hacer. Sí que es cierto que se perdía en una trama paterno-filial un tanto plomiza que no ayudaba y que las interpretaciones (no la de Bana sinó las de Connelly y SamElliott) no eran ninguna maravilla.

Una vez dicho esto, y contra todo pronóstico tras ver los pésimos trailers, debo admitir que este Increible Hulk del francés Louis Leterrier es mucho mejor que su predecesora. No tiene nada de deshonroso hacer una película de acción y mucho menos si se trata de una cinta sólida, con una narración coherente, un tempo maravilloso y unos efectos visuales apabullantes que, además, usa el sonido de forma inteligente (¿Oscar al canto?) y no como una excusa para hacer temblar la platea.

El título ya indica que no se trata de un Hulk 2 y desde los títulos de crédito se nos invita a releer el mito desde una óptica distinta. Este inicio marca a fuego una trama lógica y llena de sentido que no por espectacular resulta menos entretenida. Las escenas de acción no se dejan llevar por la pirotecnia y resultan sorprendentemente realistas en la físicidad de las colisiones. Tim Roth está soberbio, Edward Norton da el pego como acorralado Banner y Liv Tyler se aguanta mientras William Hurt se come la pantalla cada vez que asoma la cabeza.

En definitiva, creo que se trata de una cinta más que recomendable que supera a la pretenciosa Iron Man partiendo de la hoja de ruta de la Marvel: un uso aparentemente vacío de la acción que, en realidad, permite retratar las debilidades y fortalezas de los humanos. Por primera vez en toda la historia de las adaptaciones de tebeos, los cameos son divertidos y se integran en la trama (el de Stan Lee es portentoso) y, también por primera vez, pongo en duda la capacidad de The Dark Knight para convertirse en la mejor comic-movie del año.

Lo mejor: los guiños a la mitología del personaje y los constantes desafíos a cintas como King Kong
Lo peor: en un plazo de dos años sus efectos digitales estarán caducados

Tom Savini

2008-06-21T10:03:00.007+02:00

El equipo artístico (director e intérpretes) suele ser la referencia más habitual a la hora de situar una película dentro de un contexto. Decimos "la última de este director o de aquella actriz". Esto hace que el equipo técnico (maquillaje, decorados, efectos especiales, sonido, efectos visuales, cámaras...) queda en un segundo término, obviando así el fundamental papel que juegan dentro de la producción de un filme. Para acabar con esto, arranco una serie de retratos de cineastas (un cineasta es alguien que se dedica al cine) que también debemos tener en cuenta. El primero fue, post-morten, Stan Winston y el segundo es -aunque le esté robando terreno al Terror Life de Blanch- Tom Savini.

Tom Savini fue durante los 80 y 90 la gran figura del maquillaje y los efectos especiales gore. Sus trabajos prácticamente siempre han ido ligados al cine de terror y fantástico y fue, quizá, uno de los grandes pioneros en el uso de maquillajes y prótesis sangrientas además de ser un excelente director de dobles de acción (otros grandes olvidados). Admite que fue su admiración por Long CHaney (quien creaba y se aplicaba sus propios maquillajes) lo que le llevó a convertirse en especialista en esta técnica y que fué su temporada luchando en Vietnam lo que le encaminó hacia el género del terror. El mismo explica en los audiocomentários de Night of the living dead (1990) que allí descubrió que la expresión de un cadáver es totalmente distinta a la de cualquier otro y que eso se debía transmitir también en el cine.

Vietnam le dejó fuera del rodaje de La noche de los muertos vivientes (1969), pero Romero lo recuperó en la mayoría de sus posteriores trabajos: Marty (1977), Zombie (1979), Creepshow (1982), El día de los muertos (1985) Atracción Diabólica (1988) y le dejó dirigir el remake del primer capítulo de la saga de los muertos vivientes, su gran obra maestra.

También es responsable de los efectos de Viernes 13 (1980), Maniaco (1980), La matanza de texas 2 (1986) y de obras menos Splatter pero donde la sangre también tiene importancia: Red Scorpion (1988), Killing Zoe (1994) o Ted Bundy (2001) su último trabajo en este campo hasta la fecha. Últimamente ha dejado el relevo en otros grandes como el gurú Greg Nicotero, quien también se merece un especial, y se ha dedicado a realizar apariciones como actor en algunas películas del género fantástico, algo que también hacía entonces. No cabe duda que sus apariciones en Knightriders (1981), Innocent Blood (1990), Abierto hasta el amanecer (1996) (aquí aparecian juntos Savini i Nicotero), Dawn of the dead (2004), Land of the dead (2005) o en el díptico Grindhouse (2007) son la vez guiño cinéfilo y un homenaje a una figura clave en el cine de terror de los 70, 80 y 90. No sé si a nadie más le pasa, pero cada vez que lo veo en pantalla le explico a quien quiera que esté a mi lado que "ése de ahí es Tom Savini", y es alguien a quien admiro, venero y (también) envidio. Un auténtico mito, aunque mi acompañante no entienda nada de nada.

Adiós a Stan Winston

2008-06-19T13:43:00.007+02:00

A estas alturas lo ha dicho todo el mundo ya. Stan Winston ha muerto. Cuando lo leí me quedé de piedra, entre la sorpresa y la incredulidad. No me considero un mitómano y tampoco era fan declarado de Winston, pero sí que le he admirado desde hace mucho tiempo y lamento su pérdida.

Puede que ya sea el último de la fila y que lo que diga no supondrá nada nuevo, pero este es mi humilde homenaje.

Stan Winston es el mago de los fx, el gurú de los animatronics. Hay un montón de personal que se dedica a hacer efectos especiales y maquillaje, pero seguramente Winston, Savini y Harrihausen (que cumplirá 86 años la semana que viene) son mis favoritos. Cuando aún no me consideraba un cinéfilo devorador de informaciones de todo tipo y no era capaz de citar ningú técnico, el nombre de Stan Winston ya me era familiar. Ahí estaban sus Aliens (bajo el crédito de Alien effects creator), sus máquinas en Terminator 2 (terminator effects production), el monstruo de Depredador (creature design), La Cosa (additional makeup effects), Batman Returns (special penguin makeup & effects producer)... películas que adoraba cuando tenía 12 años y que habían sido posibles (y creíbles) gracias a su trabajo.

Como se puede apreciar, su importancia es primordial en el cine de las dos últimas décadas aunque siempre haya estado ligado a tareas de lo más variadas y, a veces, difíciles de clasificar. La lista es realmente apabullante e incluye obras tan dispares (pero tan dependientes de los FX) como Iron Man, La ísla del Dr. Moreau, I.A. Inteligencia Artificial, Congo, Instinto, Pearl Harbour... fue todo un maestro para toda una generación y un referente para muchos. Fue el Segundo artista de FX honorado con una estrella en el paseo de las estrellas y ganó 4 Oscars además de sumar 5 nominaciones más. Pero su mayor legado seguiran siendo, sin duda, las películas que ayudó a construir.

'El Incidente', otro rollo de Shyamalan

2008-06-16T19:46:00.004+02:00

Tras el boom que supuso El Sexto Sentido y hasta el estreno de la excelente Señales, M. Night Shyamalan, era considerado como una figura clave dentro del cine comercial contemporáneo. Baste decir que fué apodado como El Nuevo Spielberg por la revista Newsweek (ehem) por su sensible acercamiento al género fantástico y por su apabullante dominio del formato audiovisual.

Pero después llegó El Bosque, una desmitificación de su própia filmografia a través de la negación todos los códigos que le hicieron famoso. La gente se sintió insultada al observar que el Final Sorpresa, que tras El Sexto Sentido se había convertido en un género por si mismo, podía ser también un final desagradable. Nadie entendió la jugada y se acusó a Shyamalan de tomar el pelo a los espectadores. Debo decir que, en mi caso, ya me olía el final a media película (Spoiler cantaba a la legua que la camisa de Brendan Gleeson no estaba tejida en la supuesta época en que arranca la cinta Fin del Spoiler) y opino que las cualidades estéticas de la cinta (fotografía, planificación, montaje...) hacen que valga la pena un segundo visionado. Pero después de ese tropezón vino algo mucho peor, la imperdonable La Joven del agua, una cinta ridícula donde no se salvan ni los efectos especiales. Y me trae sin cuidado que el director le contara ese cuento a su hija de pequeña. Si una película es mala lo es. Y esta es mala, pretenciosa, aburrida y pedante hasta decir basta.

Si nos fijamos en estos precedentes y en la sinopsis del Incidente, fácilmente podíamos intuir que se iba atratar de un nuevo error. Así pues, ¿qué es lo que ha propiciado que todos los medios de comunicación (especialmente los de Internet) se hayan dejado llevar por la euforia de un nuevo estreno de M.Night Shyamalan? Lamentablemente, el visionado de la película nos da la razón y el resultado es una ridícula trama que mezcla el temor a ataques terroristas con un ecologismo de pega.

No debemos menospreciar algunos elementos interesantes de El Incidente, especialmente la forma en que estan rodadas las escenas de suicidios y algunas imágenes de verdad estremecedoras. Pero la trama de supervivéncia resulta repetitiva y simplona y las interpretaciones de los personajes son poco menos que insoportables. Shyamalan vuelve a reincidir en los mismos referentes temáticos y visuales que ya hemos visto demasiadas veces y que acaban por no transmitir nada. Los planos larguísimos en que se sigue un minúsculo (pero primordial) detalle, los cerradísimos planos de los protagonistas como forma de diálogo primordial, la referencia constante a los medios de comunicación (Rádio y TV) y una planificación tramposa que crea amenazas donde, quizá, no las hay. Todo el metraje da bandazos entre lo magistral y lo ridículo y Shyamalan parece haber perdido el firme pulso que antes permitía separar una cosa de la otra.

No nos engañemos. Esta película es de lo más prescindible y a ratos parece orquestrada por un imitador antes que por el própio Shyamalan. Ni siquiera la fotografía del enorme Tak Fujimoto (habitual de Shyamalan pero también responsable de El Silencio de los corderos, Gladiador o Malas tierras) ni la imprescindible banda sonora de James Newton Howard (lo mejor de toda la película) consiguen salvar la función. Deberemos esperar a ver el siguiente movimiento de Shyamalan pero, de momento, sus películas mediócres ya empiezan a superar a sus grandes trabajos. Mucho cuidado.

Lo Mejor: su banda sonora
Lo peor: las interpretaciones

Podeu llegir una crítica en català d'aquesta pel·lícula a elter.net

'Hacia rutas Salvajes'. Excelente cine de aventuras

2008-06-15T21:32:00.003+02:00

A menudo, y grácias al cine, imaginamos que eso de vivir aventuras es un pasatiempo de fin de semana. Pensamos que sería interesante volar a exóticos parajes y dejar de un lado las ataduras que nos atrapan en nuestro lugar de trabajo, en nuestro barrio, en nuestra família... pero seguramente no somos conscientes de lo que supondría realmente esa ruptura con nuestra vida diária y de lo implicaría tanto para nosotros como para los que conocemos.

Esto es, en parte, lo que propone Sean Penn en su último trabajo tras las cámaras, el seguimiento a modo de documental de un chico que decide romper con su vida en sociedad y lanzarse a la aventura de la vida autentica. Y el resultado es una hermosa y estimulante cinta que, a pesar de su pesimista último tramo, destila un contagioso sentimiento de libertad. Quizá deberíamos tratar al Penn director con un poco más de respeto, teniendo en cuenta que Clooney ya se lo considera un clásico mientras que al actor de Mystic River se le sigue viendo como un actor que dirige películas.

Hacia rutas salvajes es una cinta estimulante y trepidante. Avanza durante prácticamente todo su metraje de forma acelerada, combinando acontecimientos presentes, pasados y futuros de forma magistral y creando un discurso complejo y poliédrico. Pero, como he dicho, llega un punto en que la película relaja el ritmo y se vuelve pausada y más reflexiva que expositiva. A esto se le debe añadir un metraje excesivo de más de dos horas y una estructura que puede resultar (quizás) un tanto repetitiva. Realmente no se trata que el último tramo sea malo, pero el director debería haber invertido más tiempo en preparar una buena transición para que la frenada final no sea tan brusca.

A pesar de estos pequeños (pero importantes) inconvenientes, Hacia rutas salvajes es una cinta soberbia. Su director consigue ensamblar un producto excepcional, con unos paisajes espectaculares, un montaje asombroso y unos actores en estado de grácia. Conviene destacar el gran trabajo de Emile Hirsch, quien no para de sumar excelentes interpretaciones en películas de lo más varopintas (Los amos de Dogtown, Alpha Dog, La chica de al lado, Speed Racer...).

Una vez más, Penn ofrece la radiografía de los entresijos del alma humana cuando entra en contacto con situaciones límite. Se trata de una temática argumental que parece obsesionarle desde que rodó, en 1991, su primera película, Extraño vínculo de sangre. Y una vez más, consigue demostrar que cuenta con una voz própia y con un estilo personal que no se ve influenciado por modas tendéncias u opiniones ajenas. Y eso es algo de lo que no todos los directores actuales pueden presumir.

Lo Mejor: todo lo referente a la puesta en escena
Lo peor: su excesiva durada.

'Videodrome': reflexión sobre el discurso visual

2008-06-11T17:37:00.007+02:00

David Cronenberg ha declarado en numerosas entrevistas a lo largo de su carrera que, para él, el hecho de rodar una película es algo así como un proceso filosófico. Lo importante es el mismo hecho de realizar un trabajo, el proceso, y no tanto su posible aceptación por parte del público o crítica. Prácticamente todas sus películas son irreflexiones sobre la condición humana y sobre la construcción del yo a través de múltiples mecanismos, sean estos inherentes o externos a la persona. Esta reflexión suele ser un elemento subterráneo que yace oculto bajo una trama fantástica o de intriga pero, en ocasiones, el discurso filosófico es el eje vertebrador sobre el que se aglutina toda la película y que marca ferreamente la estructura de la cinta.

Uno de estos casos es Videodrome, del año 1983, y que se puede ver como un preludio de la posterior Existenz. En ambas cintas, Cronenberg reflexiona sobre el papel que tiene la imagen a la hora de estructurar el mundo que nos rodea. La imagen es el instrumento central de un director a la hora de transmitir un mensaje y se puede entender como un sinónimo de realidad incluso cuando lo que se retrata es ficción. Videodrome muestra esto a través de una trama que mezcla realidad y ficción constantemente. Al principio de la cinta Cronenberg nos guia haciéndonos ver qué es real y qué no, pero a medida que avanza la trama, nos damos cuenta que todo podría ser una gran ficción articulada dentro de la mente de Max Renn (James Woods). Las visiones horribles se entrometen el mundo real del protagonista haciendo que sueñe despierto y que se sienta realmente vivo únicamente mientras duerme.

Cronenberg vuelve a reincidir en elementos que se convertirán en su marca de fábrica: fusión de carne y materia inorgánica a través de la nueva carne, tendencias sadomasoquistas para conseguir un hiperrealismo que acabe con el tedio cotidiano y personajes inmersos en un infierno moral del que solo es posible escapar a través de la violencia. Además plantea temas que siguen poniéndose sobre la mesa cada vez que se debate sobre televisión: ¿puede crear adicción la televisión? ¿es posible discernir entre realidad y ficción cuando se trata de discursos audiovisuales? ¿se deben prohibir ciertos contenidos de violencia o sexo? La cinta que nos ocupa es de 1988, época en que el vídeo auguraba una nueva era en la percepción de los medios gracias a sus posibilidades de edición y reescritura. A pesar de lo que ha llovido desde entonces y del auge de nuevas tecnologias, Vidodrome no requiere revisión alguna por ser sorprendentemente profética sobre hacia donde han ido los medios actuales. Rodada hoy, el retrato sería igual de pesimista y lúgubre.

No es esta una película fácil de digerir. Contiene imágenes turbadoras que no provocan terror pero sí un desasosiego que se hace creciente a medida que avanza el metraje. La imaginería visual de Cronenberg muestra yonquis catódicos, mutaciones que permiten reproducir cintas de vídeo en nuestro propio organismo, seres humanos convertidos (literalmente) en armas y femmes fatales que nos pueden seducir y amar desde la pantalla del televisor. Quizá toda la desventura de Woods no sea más que un delirio que intente justificar su venganza y su incoherente filosofía, pero lo que queda es un regusto amargo sobre nuestra sociedad y sobre nuestras formas de comunicación. Sea o no sea realidad, y como decíamos al principio, lo importante del cine de Cronenberg no es resolver el significado final de su intencionalidad, ni decidir si se trata de un relato lógico o atractivo. Lo que importa es el proceso. Y en este caso es un proceso lento y doloroso hasta la extenuación.

Lo mejor: Las mutaciones
Lo peor: Un ritmo alarmantemente lento

'Cloverfield'

2008-06-10T17:12:00.003+02:00

Es común que cuando arranca un proyecto se le ponga un nombre provisional (baste recordar que la nintendo wii se llamaba Revolution y que la N64 se llamaba Dolphin). A veces, y ese es el caso de Cloverfield, una película se queda con el nombre del proyecto. Pero que a nadie se le ocurra nada mejor y que Cloverfield signifique literalmente Campo de Tréboles no implica que yo tenga que titular el post con un nombre tan gilipollas como Monstruoso. Si hemos podido sobrevivir con Blade Runner y Black Snake Moan también podremos sobrevivir con Cloverfield. Y una vez aclarado esto, volvamos a lo que interesa.

A Hollywood le encanta eso de remakear películas europeas que han tenido éxito y uno de los últimos ejemplos es el de REC de Jaume Balagueró y Paco Plaza. Quizá no se han dado cuenta que la misma premisa que tuvo REC y que se reflejará en Quarantine ya la encontramos en este Cloverfield. La película está rodada con el mismo formato que la de Balagueró y muestra a través de la estética y el ritmo de una película casera, una situación própia del cine de grandes estudios. Pero en esta ocasión, el director Matt Reeves va mucho más lejos y muestra como Nueva York cae bajo el ataque de un imposible monstruo.

Siempre intento analizar el cine de forma racional, justificando mis opiniones pero, en este caso, la propuesta es tan impresionante que no he tenido más remedio que rendirme ante ella. Quizá a tren pasado sea fácil reprocharle algun exceso de fantasía o huecos en el guión. Resulta imposible que alguien que no sea un reportero pueda reflejar tan bien la realidad y se nota que la película debe parte de su efectividad a la posterior edición de kevin Stitt. Pero las escenas estan tan bién rodadas que resulta imposible no dejarse llevar durante su cortísima durada. Los efectos especiales son excelentes, las actuaciones creíbles y la sensación de horror y de pánico que transmite es apabullante. La grabación amateur genera una atmósfera espectacular sin principio ni fin, sin trama visible, borrando antiguos recuerdos a medida que avanza en un poético montaje paralelo. Pero, además, contando con monstruos descomunales, ejércitos en lucha, tanques, barricadas y cientos de extras moviendose a toda prisa por el escenario.

Hacía tiempo que el cine de monstruos americano no ofrecía nada bueno. King Kong, Godzilla, Mandíbulas, Anaconda o Deep Blue Sea son ejemplos de que algo estaba realmente encallado en este terreno. Y no es casual que quien haya conseguido desencallarlo sea J.J.Abrams, un tipo obsesionado con revolucionar el medio audiovisual. Después de dar una patada al enquilosado género televisivo con Perdidos ha decidido llevar el cine un paso más allá. De hecho, podemos decir que, en síntesi, y más allá de las formas, tanto la película como la série hablan de lo endebles que resultan nuestras percepciones sobre el mundo. De un día para otro, todo aquello que creíamos conocer se desmorona sin darnos tiempo a comprender las razones. Lo ireal se hace presente en medio de nuestra rutina y debemos aceptarlo sin más, sacando a relucir lo que llevamos dentro. El cine de zombies lleva décadas alimentándose de esta idea pero Abrahams lo hace con estilo y, nos guste o no, creará una escuela y generará montones de imitadores.

Lo peor: que habrá una segunda parte
Lo mejor: todo lo demás

'La niebla', añorada Serie B

2008-06-09T19:51:00.012+02:00

Podeu trobar aquesta crítica en català a El Ter.net

Frank Darabont consiguió el respeto que hoy ostenta en Hollywood gracias a Cadena Perpetua (1994) y a La Milla verde (1999), sobrias adaptaciones de novelas de Stephen King que tocaban poco o nada la temática fantástica. Después del fracaso que supuso The Majestic (2001), muchos creímos ver en esta Niebla un retorno a terrenos más seguros, pero los primeros veinte minutis de cinta muestran que la intención del director no es, ni mucho menos, la de repetir viejas rutinas.

La película está mucho más cerca de El Terror no tiene forma (1998), de Chuck Russell y con guión del própio Darabont, que de los dos trabajos citados. Encontramos el mismo punto de partida absurdo, los mismos monstruos irreales, efectos especiales imposibles, personajes que son poco más que caricaturas y, en definitiva, el mismo tono de serie B que ya homenajeava la cinta de Russell.

Así pues, las diferencias que hacían de aquella una película simpática pero mediocre y de esta una obra excepcional no son temáticas sinó tonales. La Niebla no hace ni picza de grácia y las pocas notas de humor provienen, precisamente, del reconocimiento por parte del espectador de los codigos cinematográficos tópicos en las situaciones y personajes que aparecen en pantalla. Nos encontramos ante un pesimista retrato sobre la condición humana donde lo importante no es quién nos invade sino como reaccionamos ante una amenaza externa y que no podemos controlar. El actor Tomy Jones dice en una escena: "pon a dos hombres en una habitación y pronto encontrarán algo sobre lo que discutir". Y eso es lo que pasa dentro del frágil supermercado donde se atrincheran los personajes. No conviene desvelar la trama, pero podemos decir que si todos los personajes hubieran hecho un esfuerzo por trabajar juntos, nadie habría salido malparado. Pero los errores imperdonables que cometen una y otra vez hacen que vayan caíendo como moscas y los llevan a vivir un auténtico infierno.

Incluso el espectador, que acepta aquello que propone el protagonista (excelenta Thomas Jane) y rechaza la opinión de la señora Carmody (aún más excelente Marcia Gay Harden), se vé obligada a cuestionarse su voto de confianza al llegar a un final desoladro, cínico y cruel. Un final tan desconcertante como el de En la boca del miedo, de John Carpenter, y que demuestra que Darabont los tiene muy bien puestos.

La fructífera obra de Stephen Kint ha propiciado buenos filmes como El Resplandor, Cujo, Carrie, Cuenta Conmigo, Creepshow, La zona Muerta... pero también bodrios incontestables como The Tommyknockers, Miedo Azul, Thinner, The Langoliers... y, curiosamente, es en este segundo sector donde mejor encaja La Niebla. Y es que, no nos engañemos, no se trata de una pomposa reflexión alrededor de un género como la que hizo Tarantino en Death Proof. Darabont es inteligente y arriesga mucho, muchísimo, al tejer un discurso incómodo y radical, pero realmente La Niebla ES una película de serie B. Aunque en honor a la verdad, hay que decir que es la mejor película de serie B que hemos visto en décadas.

Lo Mejor: el atrevimiento de su director
Lo Peor: no ganará con un segundo visionado

'La Matanza de Texas 2'

2008-06-06T11:53:00.006+02:00

Cuesta encontrar en esta continuación de La Matanza de Texas (1974) los elementos que hicieron de la primera parte un hito del cine de terror contemporáneo. Si bien es cierto que existe un abismo cualitativo entre ambas, también es cierto que las dos cintas tienen tonos e intenciones totalmente diferentes, por lo que, seguramente, no seria justo juzgarlas de la misma forma. Mientras que la primera es un claro ejemplo de cinta de terror seco y sin concesiones, la segunda es una voluptuosa diversión pop que mezcla el horror y el humor sin ningún tipo de vergüenza.

Los primeros 20 minutos de metraje ya nos podrían servir para establecer una separación clara entre ambas cintas. Durante su primer ataque, Leatherface abandona de un plumazo toda la carga trágica y de pesadumbre que arrastraba en la película original y, de pronto, le vemos saltando y gritando encima de un 4 X 4 y ataviado con un traje-cadáver.

Además, en su ataque le cercena la cabeza a un pobre desgraciado que va en el coche vecino y el resultado es una buena dosis de gore de mano del maestro Savini. En la anterior cinta, no solo no había gore sino que prácticamente no había atisbo alguno de sangre. Esto es lo que, en mi opinión, hizo perdurable la cinta. La ausencia de efectos especiales ceñía la película a una estética totalmente realista y le confería consistencia y veracidad. Eso, unido a un inteligentísimo uso del sonido, es lo que la convirtió en el clásico imperturbable que es hoy

Aquí, en cambio, todo destila un cierto aire de incredulidad. Es increíble el personaje de Hopper, la trama de investigación policial hace aguas por todas partes, el hermano de Leatherface es una parodia ambulante, hay agujeros en el guión imperdonables y el plano final, imitación de la escena que finiquitaba la Matanza 1, es decididamente patético.

Pero debo decir que, a pesar de todo lo que he dicho, se trata de una gran película. Si durante el primer tramo me sentí un tanto engañado y me preguntaba qué demonios estaba haciendo Hooper, a partir de la entrada de los personajes dentro del bunker, todo empieza a funcionar extrañamente bien. Es a partir de ese momento cuando el director muestra su grandeza al parodiarse a si mismo de forma insistente. Dos planos durante la escena de la radio (Leatherface saliendo por una puerta sierra en ristre y un asesinato a base de martillazos) imitaban momentos de la cinta anterior, pero en el tramo final todo se hace más evidente. Tenemos la cena, aderezada al enfermizo ritual del abuelo matarife. También tenemos las escenas de disección pero aquí abandonan su tono semi-documental y se convierten en grotescos chistes sobre canibalismo. Y la relación entre Leatherface y la pincha discos es tan divertida como perversamente insoportable. De hecho, tener a Dennis Hopper en el casting ya es un gag por si mismo.

Una década separa ambas películas y fue una década clave en el cine de terror, pues si La Matanza instauró un paradigma dentro del cine de terror, en los 80 se crearía otro muy distinto con películas que demostrarían que una cinta de miedo también podía hacer reír. Antes de que Tobe Hooper se pusiera al frente de La Matanza 2, tuvimos Gremlins, Posesión Infernal, Re-animator, El Vengador Tóxico... Incluso el Hooper presentó La Casa de los horrores un slasher pasado de rosca que ya contenía algunos de los elementos que aparecen en ésta cinta y que Rob Zombie aprovechó para su Casa de los 1.000 cadáveres. Estaba claro que la nueva época imponía un acercamiento distinto al mismo tema y, seguramente, el padre de la criatura prefirió marcar él mismo el camino antes de ceder el producto a otros.

Hooper seguía en forma y, aunque no lo parezca, esta cinta esconde un oscuro discurso sobre la sociedad norteamericana. Muchos son quienes veían en la primera parte una dura crítica a las fuerzas de la seguridad de un país, incapaces de detener aquello que ocurre a la vuelta de la esquina, pero aquí eso se hace mucho más evidente cuando El Sheriff Hopper debe enfrentarse a la policía del condado para seguir con sus pesquisas. Por otro lado, la imagen de la familia de asesinos fortificados bajo tierra es una metáfora estupenda de lo que ocurre al otro lado del Atlántico. Ese mito de la lucha americana que es El Álamo, no solo es un decorado que se erige sobre materiales vacíos e inconsistentes sino que, además, esconde en su interior a unos auténticos monstruos que se codean con la élite de la sociedad (los medios de comunicación y la política) al tiempo que demuestran como de perverso puede ser el culto a la familia. Se puede ser más sutil pero no más divertido.

Y para quien aún tenga dudas sobre si este trabajo del amigo Tobe se trata de una metedura de pata o de una auténtico chiste a costa de su propio mito, aquí va una imagen que no deja lugar a dudas. La Matanza de Texas 2 se estrenó solo un año después de El Club de los 5 y, por lo tanto, no hay duda de quién plagia a quién:

Ràdio Metropol 04 juny 2008

2008-06-04T08:03:00.002+02:00

Ja podeu escoltar la nova edició de Ràdio Metropol, de Montcada Ràdio, el programa on participo.

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Doblones de a ocho y una botella de ron: 'La isla del tesoro'

2008-05-29T18:03:00.013+02:00

Resulta interesante recuperar obras clásicas de la literatura (a pesar de lo pomposa y aburrida que resulta esa etiqueta). A menudo, leer obras de aventuras del siglo XIX o principios del XX resulta exasperante por su ingenua forma de tratar la violencia y las relaciones personales y por lo retorcido de su lenguaje. Tampoco ayuda que todas estas novelas hayan sido llevadas varias veces a la gran pantalla, lo que provoca una fuerte contaminación que hace imposible olvidar las adaptaciones de Los 3 mosqueteros, Robin Hood, El principe valiente, Sherlock Holmes, Colmillo blanco, el libro de la selva...

Pero también hay casos en que sorprende que una novela que lleva escrita más de 100 años sea, aún hoy, atrevida, violenta, cruda, divertida... interesante en definitiva. El año pasado descubrí (a buena hora) La quimera del oro y La llamada de lo salvaje, dos obras de London que, desde entonces, forman parte de mi librería y que defiendo a capa y espada como dos de las más duras y realistas historias jamás narradas. Por mucho que haya llovido y por mucha violencia que hayamos podido asimilar a través de la tele o de los videojuegos, el pesimismo de London y su maravillosa escritura siguen calando hondo.

Ahora he recuperado La Isla del tesoro, una historia maravillosa que, en mi opinión, quizá no llegue a la altura del mejor London pero que se mantiene estoica como una excelente novela. Su principal punto a favor es que, al contrario de lo que ha pasado con el género de los bucaneros en la literatura, el cómic y el cine posterior, se aparta de los habituales tópicos para narrar una historia realista, sobria y tan divertida como instructiva. ¿Quizás sea por eso que los profesores estropean el libro obligando a los adolescentes a leerlo?

En la película Piratas del Caribe vemos la imagen clásica de lo que todos creemos que es un pirata. A pesar de algunas escenas interesantes en las que se muestra su contexto social (las alianzas de poder y la importancia del código del pirata), lo que prima es el cliché, la lucha, el heroísmo desmedido, la mitología... Nada de esto venía en esta novela que, imagino, debe ser el referente principal a la hora de abordar el tema.

Robert Louis Stevenson muestra el pirata como alguien real. Sus amputaciones y cicatrices no demuestran que sea un bucanero, pues también son compartidas por otros hombres de la mar, así como su afición por la bebida y la espada. Tampoco es creíble la visión del lobo solitario, ya que tras un capitán de navío siempre debe haber una tripulación, hombres que no siguen a pies juntillas a su líder sino que cuestionan su papel como cabecilla. La tripulación tiene derecho a unirse (llamémosle amotinarse) y pedir la destitución de su capitán en caso que no cumpla con su deber. En definitiva, existe un rígido código que se debe respetar por todo aquél que gobierne un barco y si alguien lo infringe, pagará por ello. Y, por último, también los doctores y los ricos caballeros sueñan con rescatar tesoros enterrados.

A menudo se confunde la Aventura con un cúmulo de escenas violentas, a veces irreales, que se suceden en todo momento sin dejar espacio al dialogo o a la reflexión. En La Isla del Tesoro se demuestra todo lo contrario: el viaje exótico, el uso de armas, la violencia no son más que ingredientes que pueblan una historia de personas humanas que ríen, lloran y sueñan. El pirata no es un estúpido adicto a los problemas sino alguien que, aunque elija para ello un camino ilegal, sueña con conseguir una vida mejor.

La novela retrata un grupo de personajes que se han convertido ya en clásicos. Hawkins es el primero, como emocionado narrador, pero también el capitán Spollet, Long John Silver, Billy Bones, Israel Hands, Ben Gunn... y lo mejor de todo, insisto, es que se comportan como personas reales y poliédricas alejadas del tópico. La acertada traducción de la edición que ha caído en mis manos (Anaya/ El País. 1998) explica a través de sus notas como todos los grandes mitos que hemos creado alrededor de la piratería son, muchas veces, personas de carne y hueso. Stevenson llena la novela de nombres y apellidos reales como Edward Teach (Barba negra), John Benbow (auténtico almirante británico), el Barón Edward Hawke, el pirata Edward England, el capitán Bartholomew Roberts, William Kidd...

No soy un gran conocedor de la literatura sobre piratas ni sé si la figura de Stevenson era la de un pionero o un recuperador del género, pero lo que sí queda claro leyendo La isla del tesoro es que su intención era la de ofrecer un relato que traspirara realismo y que eso le sirviera de base para izar una suculenta historia de superación.

Lo mejor: que descubrimos de donde procede el mito de Davy Jones y sabemos que significa realmente ‘pasar a alguien por la quilla’
Lo peor: el lastre que suponen para la trama algunas descripciones demasiado detalladas

Ràdio Metropol 28maig 2008

2008-05-28T08:43:00.002+02:00

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'Indiana Jones' y lo que se veía venir

2008-05-27T18:22:00.009+02:00

No sé que pasó en el blog de mi admirado Rob Gordon de El Séptimo Cielo, pero la semana pasada no se publicó un comentario que dejé en su post sobre Indiana Jones. No insistí porqué pensé que lo habían borrado, pero todo fué un malentendido.

En el comentario en cuestión, básicamente me preguntaba si yo era el único que no participaba de la absoluta devoción hacia la nueva película de Indy ¡Antes de que se estrenara! Ha sido un duro año de carteles falsos, carteles verdaderos, cambios en el título, en la trama, en los personajes, despidos de personal por bocazas y guionistas que se van relevando... George Lucas metiéndose donde no le llaman, actores y actrices que entran y que salen, rumores, declaraciones y noticias contradictorias día sí y día también... En la recta final, Lucas diciendo que quizá no sea la mejor de la saga, que quizá será muy larga, que quizá no recaudará suficiente y regalará su sueldo...

Yo nunca he sido fan de Indiana y, por eso mismo, nome he dejado llevar por la fiebre de la nueva película, una fiebre real, porqué cada vez que comentaba uno de estos rumores en mi añorada sección en No sé de què em parles, todos se me echaban al cuello: “¡no digas nada!, ¡no quiero saber nada antes de verla!”. Ya se veía venir que, no solo no iba a ser la mejor de las cuatro películas sino que, seguramente, sería la peor de la saga. Y así ha sido.

Lo poco de bueno que tiene Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal ya lo habíamos visto en las anteriores películas, lo que la hace repetitiva y previsible. Lo que aporta de nuevo esta cuarta parte es aburrido y totalmente increíble ¿extraterrestres y neveras a prueba de bombas? Por favor...

No estoy de acuerdo en que la edad de Ford lastre el producto ni que tenga un cierto tufo a Jungla de Cristal como se ha dicho. No es lo mismo, por mucho que la edad de ambos héroes sea elevada. También se dirá lo mismo de Eastwood si algún día (rumore rumore) se pone de nuevo al frente de Harry Callahan, pero conviene no hacer caso de esas cosas. A Ford le va el traje como anillo al dedo pero Shia Lebouf no acaba de dar el pego. Quiero pensar que esto se debe a un exceso de presión durante el rodaje, pues creo que es un actor excepcional. Blanchet da pena y John Hurt no sé qué diablos hace ahí.

Lo peor de Indiana Jones es la ausencia de una trama como dios manda. La primera hora aguanta el tipo aunque no es para tirar cohetes pero lo único que hay en la segunda hora es ruido, golpes, gritos, persecuciones, arenas movedizas, más golpes, más huidas... y el leit-motive que articula todo esto es demasiado frágil y absurdo como para tomárselo en serio.

Tampoco sé si la culpa es de Lucas, como todo el mundo dice. Spielberg también ha hecho algunas tonterías por si mismo y su producción de Transformers no hizo que la película ganara en interés a pesar de sus FX de lujo. Seguramente conviene dejar reposar esta cinta y mirarla dentro de unos meses, en DVD. Sin los efectos especiales en Dolby Surround tapando los huecos del guión y sin la presión mediática del RE-TOR-NO seguro que la podemos valorar como se merece. Quizá no será tan mala y los fans del personaje podrán colocarla orgullosamente junto con la trilogía anterior. Y si no, Lucas se encargará de sacar una edición de súper lujo con extras, escenas eliminadas y un guión alternativo.

Mientras tanto, me permito regodearme en un repelente “yo ya lo dije”.

Lo mejor: hace que la saga original me guste más

Lo peor: que hayan optado por el Photoshop en lugar de la pintura para hacer el poster.

Buenafuente: de los buenos, el mejor

2008-05-27T16:06:00.005+02:00

He tardado mucho tiempo en escribir sobre Andreu Buenafuente a causa de mi casi absoluta dedicación a posts sobre cine. Pero la verdad es que el tío se lo merece. Sale cada noche y hace un espectáculo dignísimo sin insultos, sin carnaza sin refritos de otros programas, sin debates absurdos y, en definitiva, sin nada de todo lo malo que tiene la televisión de hoy.

Buenafuente hace televisión de calidad en una televisión privada, algo que últimamente suena a oxímoron y que solo la Sexta parece hacer. Creo que el principal acierto de Buenafuente es, y ha sido siempre, ceder casi todo el protagonismo del programa a sus colaboradores. Andreu parece andar por ahí sin saber demasiado bien lo que ocurre mientras Berto, Joan Eloi, Fernández y compañía campan a sus anchas, unas veces excesivos y otras ridículos pero siempre divertidos.

Además, debe ser el único espacio donde los invitados dicen cosas interesantes. Esto del marqueting obliga a ver, una y otra vez, en todas las cadenas, los mismos tipos soltando las mismas frases a propósito de su nuevo libro/film/disco/programa. Pero Buenafuente (y su docena de excelentes guionistas) consigue presentarnos otra faceta del famoso y mostrarlo bajo otro prisma.

Tampoco seré yo quien diga que TODO es perfecto, a veces las entrevistas resultan rígidas porqué los invitados no acaban de entrar en el juego o porqué el presentador no sabe sacarles suficiente jugo. Pero la mayoría de veces vale la pena. Sobretodo cuando se junta con amiguetes como Estopa o Santiago Segura pero también en otras ocasiones que le sale la jugada rodada. La entrevista a Quim Monzó me pareció realmente excepcional. Uno de los mejores momentos de la televisión actual (la incluyo más abajo, via Youtube).

Durante el programa de ayer Buenafuente volvió a tocar techo. No solo invitó a un mito viviente como Andrés Calamaro sino que encima le hizo una excepcional entrevista. Después vino Berto, excelente como siempre pero en esta ocasión aderezado con la presencia de Risto Mejide que le pegó un varapalo a la altura de los de Esther en OT por su lamentable (según Risto) sección. Y después un Chiki Chiki post-Eurovisión que cerró una noche excelente.

Buenafuente, con su salto a la Sexta, se muestra cada día más profesional, más agudo y la calidad de su programa y de su equipo no hace más que aumentar. Ojala siga así durante mucho tiempo.

'El curioso incidente del perro a medianoche'. Joya de la literatura

2008-05-26T14:19:00.010+02:00

Antes de nada, dos consideraciones personales sobre literatura

1. La ficción puede mostrar la realidad que nos rodea igual de bien que el ensayo. Ergo, también es posible debatir / reflexionar sobre una novela igual que sobre un informe. (Yani, iba por ti)

2. Los libros a la última moda de autoayuda (Bucay y compañía) no tienen nada de Auto porqué vienen dirigidos por el autor. Las novelas normales y corrientes sí que permiten una Auto-Ayuda porqué cada uno extrae de sus páginas aquello que le sirve y lo usa como mejor le conviene. (Yol, esta es para ti)

Dicho esto, hay que reconocer la capacidad de la novela El curioso incidente del perro a medianoche para obligarnos a recapacitar sobre nosotros mismos, sobre aquello que nos hace actuar de una determinada forma y sobre nuestras autoimpuestas limitaciones. En la novela de Mark Haddon, asistimos al viaje de Christopher, un chico con graves problemas para relacionarse con el mundo, que consigue superar un montón de fronteras en pos de un sueño.

Y (ahora esto es para todos los que odien los libros con moralina) a pesar de todo lo que he dicho, se trata de una novela excepcional, divertida y emocionante. Además es corta y estoy seguro que la podréis encontrar en cualquier biblioteca. [Bueno... vale... y si no, haced link a Pulso Digital]

Todo el libro está escrito en primera persona, siguiendo las reflexiones y actuaciones de Christopher. Esto obliga a repensar todo lo que sabemos sobre la realidad, la ecuación, el lenguaje, y la comunicación para adaptarlo al punto de vista de un niño autista. A través de sus ojos podemos ver como todas nuestras actuaciones diarias se ven condicionadas por nuestra pertenencia a una sociedad determinada o a un grupo social. Nada es voluntario y todo depende de aquello que hacen / piensan / opinan los demás, ya sea en la familia, en el colegio, en la calle o en el trabajo.

El mensaje final del libro, o al menos el poso que ha dejado en mí, es que a menudo nos ofuscamos por cosas que se pueden resolver más fácilmente de lo que creemos y que nada es tan grave como parece. Cuando tenemos un problema somos incapaces de ver lo que tenemos delante y de descubrir qué hay más allá de una serie de fronteras mentales. No vemos que, con un poco de esfuerzo, valor y agallas podemos alcanzar cualquier meta que nos propongamos.

...Ya sé que muchos empezáis a abandonar la idea de leeros el libro, pero opino que el gran acierto de Haddon es mostrar este viaje de Christopher no como algo fantástico sino como una aventura creíble y tangible, en la que todos nos podemos reconocer y que podemos exportar a nuestra vida diaria. No hay escenas artificiosas y todo sigue una coherencia aplastante.

La novela, que arranca con la investigación del asesinato de un perro, atrapa desde el primer párrafo y no te suelta hasta el final. Está lleno de divertidísimas reflexiones metalingüísticas que obligan a esbozar una sonrisa y que demuestran a un excelente autor a tener en cuenta.

Uno de los puntos fuertes de la novela es que obliga al lector a situarse en una situación tan desconocida como desconcertante: al observar la historia a través del personal filtro de su protagonista, todas sus emociones se revelan frías y mecánicas. Eso hace que las escenas más emocionantes carezcan de la prosa retorcida y prepotente de la literatura clásica, lo que crea una situación tan extraña como estimulante. La emoción que percibimos nosotros es mucho más intensa porque podemos adelantarnos a los hechos gracias a una intuición que Christopher no puede usar por centrarse únicamente en los hechos. Sabemos cosas antes de que él las descubra, lo que provoca un desasosiego y una tensión pocas veces vista que te arrastra a seguir leyendo.

Quizá no quede muy claro de qué estoy hablando, pero no quiero estropear ninguna de las muchas sorpresas que depara esta gran novela. Solo quiero dejar claro que es una joya. Un libro imprescindible que todo el mundo debería leer antes de salir a la calle y opinar de según que cosas.

Lo mejor: todo

Lo peor: no entender todos los acertijos que Christopher nos propone

'Bender’s big shot'. La película de Futurama

2008-05-26T12:57:00.014+02:00

Tras la cancelación de Futurama en el año 2003 por culpa de la tiránica audiencia, muchos han sido los fans que exigían un retorno de la serie. Hay rumores más o menos fundados que hablan de una nueva tanda de capítulos pero, de momento, sus creadores han apostado por lanzar una serie de 4 películas con los mismos personajes. No cabe duda que el éxito conseguido por la serie en formato DVD y el éxito de la película de Los Simpson, han ayudado a impulsar este proyecto.

La primera de estas películas es El Gran golpe de Bender que arranca su trama justo después de la cancelación de la serie por exigencias de la FOX (situación excelentemente parodiada a través de la ficticia empresa BLOX en la secuencia inicial). A partir de ahí, nos encontramos con un agradable pasatiempo que nos reencuentra con los mejores momentos y personajes de la saga pero que, a costa de una admirable coherencia dramática, sacrifica un buen numero de gags.

La trama, como pasaba con los últimos capítulos de la saga, se concentra alrededor de dos núcleos duros: la relación entre Fry y Leela y las paradojas espacio-temporales que nos llevaban, una y otra vez, a las mismas situaciones, reescritas hasta la saciedad. El ejemplo claro de esto era Tiempo a trompicones, pero había otros casos.

En este caso, unos malignos extraterrestres se hacen con el poder del mundo grácias al correo Spam, de Internet (sic), una excusa para urdir una trama que se articula sobre la misma estructura de la saga Terminator: un robot (en este caso un Bender tan eficiente como el Chigurh de No es País Para viejos) vuelve al pasado para cambiar el futuro asesinando a uno de los personajes. Los saltos adelante y atrás, por supuesto, crearán una terrible paradoja con montones de personajes repetidos y escenas realmente divertidas.

Pero (siempre hay un pero), todo lo que se aleja de esa eje central queda desdibujado y los gags parecen amontonarse sin demasiado acierto. Eso no implica que falten referencias a series (Batlestar Galáctica, The Jetsons, Padre de Familia, South Park, Los Simpson) y películas (Terminator, El Padrino, Shaft, Elegidos para el triunfo...) pero el interesante guión no deja demasiado espacio a las añoradas referencias a términos informáticos, culturales y matemáticos que forjaron la serie.

A diferencia de la película de Los Simpson, este film casi parece un capítulo especial y no una cinta con entidad propia. Esto tiene su parte positiva (se encaja en medio de la trama y añade valor a la serie original) pero también negativa (¿se podría haber ido más lejos en algunas situaciones?). Afortunadamente, Futurama ya permitía mucha más libertad que Los Simpson al mostrar mundos paralelos y viajes interplanetarios, por lo que admito que esa limitación “temática” también es muy relativa. De hecho, esta continuidad con la série es más que lógica si tenemos en cuenta que la película no cuenta con la figura de un director, como en Los Simpson, sino que sigue con las figuras creador y desarrollador en manos de Matt Groening i David X. Cohen.

La sensación general que transmite la cinta es la de un gran proyecto que nació de forma ambiciosa pero que, a la hora de ponerlo en marcha, generó muchos temores entre sus creadores. ¿estará a la altura de la serie? ¿tendrá éxito? ¿deberíamos abrirnos a un público más amplio? ¿cubriremos el presupuesto? Quizá me equivoque, pero noté una cierta carencia de frescura y atrevimiento en algunos aspectos. Espero que las 4 películas siguientes superen este (pequeño) handicap

Y dicho esto, 3 nuevas tramas serán bienvenidas, pero que vuelva la serie. ¡YA!

Lo mejor: las idas y venidas espacio-temporales al más puro estilo Terminator y Regreso al futuro

Lo peor: se echa de menos el personalísimo humor de la serie

Y de propina, Todo el mundo ama a Hipnosapo

Antònia Font en concert a Manlleu

2008-05-22T13:12:00.012+02:00

M'aparto un moment de la meva tònica cinematogràfica (i castellanoparlant) per dir una tonteria:

Estic la mar de content perquè Antònia Font farà un concert a Manlleu. Tot i que venen subvencionats per Caixa Manlleu sota el nom de Festival Caixa Manlleu, el concert servirà per celebrar els 25 anys de Ràdio Manlleu, mitjà on he treballat i on encara hi tinc molts vincles. (Molt manlleuenc tot, com veieu).

Les persones que s'han encarregat d'organitzar aquest concert commemoratiu volien portar a M-Clan, però per sort per a mi, vindran els mallorquins. Per més info, podeu anar a la pàgina del Festival, però basicament hi diu que el Concert és el dia 13 de juny i que les Entrades valen 15 euros (això fa mal).

Ah sí! el dia abans vindrà Victor (antic participant d'Operación Triunfo) per qui li agradi

Bé, només volia dir això. Aviat, més cine

'Los Renegados del diablo'

2008-05-21T14:52:00.012+02:00

El cine de la última década se ha alimentado sin ningún tipo de prejuicio de los muchos aciertos que ha mostrado Tarantino a lo largo de su carrera. Son solo cinco películas y algún que otro trabajillo especial (Four Rooms y su participación en Sin City entre otras), pero son suficientes para revelar un nuevo paradigma cinematográfico tan fértil como imitado. Esto es la apropiación de códigos estilísticos y temáticos del cine de serie B de los 60,70 y 80 para su reciclaje en un cine comercial y de autor.

No se trata de que la gente se dedique a imitar a Tarantino porque sí, sino que la industria ha encontrado un hueco para aquellos que usen ese tono similar (en ocasiones idéntico) y que puedan generar beneficios en taquilla. Si no fuera así, otro gallo cantaría.

Y, en mi opinión, el mejor director post-Tarantino, el más sincero y también el más original es Rob Zombie. Con solo tres películas ha mostrado un crecimiento espectacular desde el más absoluto tedio (La casa de los 1000 cadaveres) hasta el cine de terror más sobrio y responsable (Halloween, el origen del mal) pasando por la que considero una obra maestra del lenguaje cinematográfico (Los renegados del diablo).

A pesar de que, como he comentado antes, Zombie no tendría hoy nada que hacer sin la presencia de Tarantino, le admiro por demostrar que tiene sus propios referentes. Los homenajes al western, las road-movies y al cine de terror de los 70 siguen ahí, pero aderezados con un bizarro sentido del humor de lo más pop y personal.

Las secuelas del cine de terror suelen palidecer al lado de las primeras partes. Su principal problema es que toman la película madre como un tótem intocable sobre el que se puede trabajar pero que no se debe discutir. De esta manera las tramas se bifurcan en subtemas que no afecten a la coherencia de la primera y se convierten casi siempre en paródias. Y no me refiero a una parodia en un sentido peyorativo por mi parte, sino al pretendido tono de comedieta que podemos ver en Saws, Matanzas de Texas, Pesadillas en Elm Street, Viernes 13, Chicos del Maíz, Cementerios vivientes...

Rob Zombie no renuncia a ese humor que, de hecho, ya tenía la primera parte pero se arriesga y (al cesar lo que es del cesar) en vez de encauzar su segunda película por un camino seguro, dinamita todo lo preestablecido. Los Renegados del Diablo cuestiona La casa de los 1000 cadaveres, hace desaparecer personajes, mata a otros antes de los créditos, se inventa tramas que no tienen ninguna lógica con lo contado antes y da a los protagonistas roles distintos de los esperados. Y hablando de humor y de referencias de lo más variopintas, me jugaría una semanada a que el chiste de los helados proviene del homenaje de Los Simpson a La matanza de texas de Hooper.

Estoy seguro que a estas alturas muchos diréis “¿a qué viene hablar tanto de una peli que la mayoría considera mala malísima? (incluso los seguidores de La casa de los 1.000 cadaveres). Pues la razón es que, según mi punto de vista, Rob Zombie demuestra un salto madurativo espectacular en algunos aspectos:

El primero, y más claro es la responsabilidad que parece tomar en este nuevo trabajo. No se trata de una tontería más sino de una película con la voluntad de perdurar en el tiempo. De ahí que escaseen las amputaciones sangrientas y las mutaciones previas y que sean substituidas por agresiones más creíbles como puñaladas, disparos, puñetazos...

El segundo punto es su factura técnica, simplemente perfecta. El uso del maquillaje, la fotografía y los peinados es no solo técnicamente impresionante sino que ayuda a perfilar los personajes y dotarles de una mayor personalidad. Me refiero a la dentadura de Sid Haig, a la (impresionante) definición de imagen y a los juegos de texturas fílmicas, al pelo súcio y asqueroso que le oculta la mirada a Bill Moseley o como se pega la sangre al cuerpo de Sheryl Moon Zombie.

Y el tercero, el más importante, es que todo forma parte de un producto muy personal y, sobre todo, arriesgado. Y sin riesgo no hay gloria, por que King Kong seguirá siendo basura por mucho que tenga unos efectos especiales que quiten el hipo. Ya habíamos visto cientos de veces planos a cámara lenta o esas ralentizaciones que congelan un plano (habitualmente para poner un rótulo debajo). Todo el mundo los usa porqué mola ser guay, pero parece que Zombie es el único que consigue hacer que impresionen y que parezcan nuevas.

Lo mejor: el riesgo de mostrar a los asesinos como héroes románticos
Lo peor: un sentido del humor con el que no siempre coincido. Y la actuación de Forsythe

Y de regalo, un videoclip de Zombie que ya demostraba hace tiempo cuales eran sus mitos

Karma Police (sin que sirva de precedente)

2008-05-21T08:37:00.003+02:00

Me encanta esta canción y el videoclip y aquí lo dejo por si alguien lo quiere ver, aunque procuraré que no se convierta en una costumbre... ya sé que para mirar videos está youtube.

Ràdio Metropol 21maig 2008

2008-05-21T08:22:00.001+02:00

Ja podeu escoltar la nova edició de Ràdio Metropol, de Montcada Ràdio, el programa on participo.

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La extraña que hay en ti

2008-05-20T13:55:00.011+02:00

"El ritmo de la película pretendía crear la sensación de los últimos jadeos que da una persona justo antes de morir. La película era, de principio a fin, una danza de muerte. Todos los personajes del film, con la excepción de Claudia, son conscientes del hecho de que no llegarán al final con vida”.

Sergio Leone pronunció esta frase sobre Hasta que llegó su hora, su última aproximación al género del western. Mientras veía La extraña que hay en ti no podía sacarme esa frase de la cabeza ya que, a mi parecer, la intención del director, Neil Jordan, es precisamente la de recrear esa danza de muerte. Todo el montaje parece respirar de forma entrecortada y agónica, como el desesperado que se dirige hacia una muerte inminente.

El fundido entre planos es omnipresente a lo largo de todo el metraje. Muchos incluso pasan por un fundido a negro muy marcado que hace desaparecer nuestro contacto con la escena (con la realidad). El avance de la cinta se revela agotador y doloroso, igual que la desventura de su protagonista. Existen algunos planos más rápidos y fugaces, sobretodo en las escenas de acción y durante las conversaciones entre los personajes, planos que ayudan a mostrar mejor aquello que sucede o que ofrecen un retrato más cercano de los protagonistas. A pesar de ello, la sensación global es la de un arítmico y desolador avance.

El director usa panorámicas lentas y pausadas que muestran la ciudad de Nueva York a un ritmo muy distinto del habitual y la paleta de colores, fusión de modernidad digital y sombría oscuridad, añade a la película un tono muy particular. Se ha hablado (demasiado) del cuestionable mensaje ideológico que rodea toda la trama y que lleva a la protagonista a tomarse la justicia por su mano. Pero no se trata de algo gratuito y toda la puesta en escena que he descrito anteriormente es uno de los ingredientes que demuestran la coherencia de Neil Jordan. El título español (por una vez acertado) da más énfasis aún a la idea central de la película, ese juego moral sobre la integridad del alma humana y de su representación pública a través de nuestros actos. La extraña que hay en ti habla sobre la distancia que existe entre nuestro verdadero yo y aquello que creemos ser.

A pesar de sus puntuales notas de violencia, la película de Jordan se desmarca de la tendencia actual del cine comercial. En el 90% de las películas americanas, una vida humana no vale nada. Ya sea por adopción de códigos propios del videojuego o por una tendencia a desenfocar el retrato de todo aquél que no es protagonista, las películas actuales muestran asesinatos, accidentes, crímenes... como un simple leit-motive que permita hacer avanzar la trama hacia un final previsible y artificioso. En este caso, como digo, es diferente. Jordan parece reflexionar sobre esta forma de ver la vida (y la muerte) de la sociedad actual, en que se barajan cifras de muertes y de heridos como si se tratara únicamente de eso, cifras. La facilidad con que se puede matar sin pasar desapercibido en la gran ciudad sorprende al personaje de Foster y, al mismo tiempo, la introduce en una espiral que la aleja de la realidad que le rodea. El mensaje final que remata la película es pesimista y oscuro (pese a lo artificioso de alguna escena) y ofrece un retrato hipócrita, violento y realmente aterrador de nuestra sociedad y del papel que en él juegan las fuerzas del orden. La cinta está llena de tensión y se cierra con un plano cenital de la protagonista, perdida en medio de un laberinto nocturno formado por las callejuelas de la gran Nueva York dejando más incertidumbres que respuestas.

Ya hace tiempo que Neil Jordan se pasea por este tipo de estilizados cuentos morales sobre las fronteras entre lo heroico y lo delictivo. Entrevista con el vampiro (de donde recupera su director de fotografía, Philippe Rousselot) Michael Colyns o The good thief son ejemplos de como los conceptos de justicia, supervivencia y bondad se difuminan de una forma perversa cuando los personajes entran en contacto con sus propias contradicciones.

Y no quiero acabar sin unos apuntes sobre los personajes: Jodie Foster está convincente como sucesora de Charles Bronson en el papel de justiciera urbana, pero no consigue deslumbrar con su interpretación. Terrence Howard, como siempre, está a la altura de las circunstancias, aunuqe ya empiezo a hechar de menos una interpretación a la altura de la de Hustle and Flow.

Lo mejor: el ritmo de estertor de muerte
Lo peor: la resolución final (que no el último plano)

El mejor post que publicaré jamás (seguro)

2008-05-20T13:04:00.004+02:00

No me gusta demasiado hacer posts para explicar lo que me he encontrado por Internet. Para eso ya tengo el panel de Google Reader en la sidebar, que se va actualizando a medida que destaco posts de otros blogs. Pero en este caso merece la pena. Es más, casi me atrevo a decir que es Im-pres-cin-di-ble.

Vamos al grano. Existe una aplicación de Firefox que se llama FireNES y que permite jugar, desde el mismo navegador a más de 2.000 juegos de la añorada NES. Solo hace falta ir a este LINK , estar inscrito i descargarse el plug-in para el Firefox (si aún usabais Internet Explorer, ya teneis otra razón para abandonarlo).

A partir de ahí, solo teneis que ir a Herramientas, Seleccionar FireNes i se os abrirá una barra lateral con todo el listado. Elegid vuestro clásico y jugad

Nada más, no sé que haceis leyendo esto todavia... ¡pero volved algún día!

El CAC se aburre

2008-05-15T12:55:00.005+02:00

El Consell de l'Audiovisual de Catalunya (CAC) hace tiempo que se dedica a hacer informes para denunciar prácticas poco éticas o injustas en la televisión. No cabe duda que, en principio, su intención es loable: evitar que se traten temas ofensivos en televisión, velar por la igualdad de género en las noticias, evitar contenidos peligrosos en horas de máxima audiencia...

Pero creo que últimamente se les va la olla. Ya la liaron con la movida Rubianes, cuando el artista se dedicó a insultar a la España profunda (ideológica y mediaticamente) en El Club, de TV3 y, según el CAC, el presentador del programa, Albert Om, no hizo nada por evitarlo. Evidentemente, Rubianes puede decir lo que quiera por donde quiera, pero eso no implica que los presentadores tengan que animarle. Pero tampoco privarle de hacerlo. Hubo una cierta revuelta por parte de profesionales del periodismo catalán (y amiguetes) que se quejaron por el informe y apoyaron a Om. Ahora se me ocurre a Toni Soler, por ejemplo. No seguí demasiado el caso, pero encuentro que se hizo un eco mediático que quizá no era para tanto. Y ahora han vuelto a la carga con otra tonteria.

En esta ocasión dicen que Cuatro debe eliminar la lucha libre de su parrilla de horario infantil. Soberana estupidez. Para empezar, se refiere a Pressing Catch (antes lo llamábamos así pero ahora me pierdo en las subtramas Smackdown, Raw, ECW, TNA...), un espectáculo que es antes un chiste sobre tíos musculados que un programa sobre lucha libre. El segundo punto es que todos saben que es mentira, esa es la gracia. Los luchadores no se hacen daño y es algo que ya sabíamos nosotros cuando lo mirábamos de niños. Nosotros crecimos viendo no solo dibujos violentos sino también los combates de Hulk Hogan, el Enterrador, André el Gigante, el último guerrero... y no por eso nos hemos convertido en paletos violentos. Además, en sus espectáculos en vivo vemos niños entre el público, con sus manos gigantes y camisetas de sus héroes, y no por el hecho de que sean americanos encuentro que se estén equivocando.

El CAC no puede prohibir nada. Su trabajo se limita a proponer mejoras y no puede legislar. En un principio solo opinaba sobre la televisión catalana, pero como no existe un organismo igual en el resto de España se han lanzado a una conquista territorial. Mi opinión al respecto es que está muy bien que se opine y se discuta sobre lo que conviene a los niños, pero creo que hubiera sido mucho más útil un trabajo diferente. En lugar de exigir una prohibición deberían proponer un trabajo de formación y educación. Mostrar a los niños (ya se apañarán ellos con el método) que eso es mentira, que es un juego y que no tiene nada de real ni de envidiable. Por que, puestos a prohibir, lo que deberían hacer es quitar YA de las programaciones toda la mierda que ponen por las tardes cuando (¡Oh, sorpresa!) también hay niños ante la tele. Ni Patricias, ni Está pasando ni derivados de los Tomates. Eso sí que es peligroso para la educación de los niños y no admirar a tipos como Batista, The Rock y compañía.

Y de propina, aquí está el framgento televisivo del Rubianes via YouTube. Valorad vosotros mismos sobre lo acertado de las opiniones y sobre la reacción del presentador.

'El Vengador Tóxico IV: Ciudadano Toxie'

2008-05-15T09:37:00.010+02:00

A menudo me doy cuenta de que veo cine a ráfagas. En ocasiones me paso años sin acercarme a un género cuando, de pronto, me trago cuatro o cinco películas seguidas de terror, westerns, románticas, thrillers , clásicas... o lo que sea. Durante esos días me revuelco en un género, busco sus orígenes y artífices, intento, en definitiva, ponerme al día de un tipo de cine que echaba de menos. Y en esta ocasión, como podrá comprobar quien me lea frecuentemente, me he pasado al cine de terror. La semana pasada ya colgué un post sobre Troma y hoy, reincidente, vuelvo a ello. Ya aviso, también, que me he acercado parcialmente al cine slasher y se notará en siguientes textos.

A lo que iba. El otro día vi El vengador tóxico IV, Ciudadano Toxie, una absurda comedia gore que pretende dar una nueva vuelta de tuerca a un personaje que estaba un poco apaleado. La verdad es que se trata de una película ridícula en muchos momentos, pero hay que reconocer que me reí con algunos gags y que su falta de pretensiones hace que no le podamos echar nada en cara. Es, en definitiva, una película para fans del género que a estas alturas no conseguirá atraer a sus detractores.

No sé si será por falta de memoria, pero recuerdo la primera parte de esta saga (El vengador tóxico, 1985) como un producto mucho más inteligente y atractivo. Era siniestra y su violencia (aunque cómica) causaba un cierto impacto en el espectador. En aquella ocasión se intentaba crear situaciones que fueran, no realistas, pero sí por lo menos coherentes dentro de su demencial contexto. Aquí abundan demasiados elementos fantásticos (el super -pene, el combate infantil) que, por su falta de rigor y por su burda factura, desvirtúan el producto. A demás el guión es únicamente un cúmulo de situaciones hilvanadas por una trama totalmente vacía. Lo que sucede en pantalla no consigue arrastrar al espectador en un sentido dramático y solo sirve para mostrar un nuevo gag, una nueva payasada que, en demasiadas ocasiones, no tiene ninguna gracia. Es una lástima que este tipo de películas, que no tienen que justificarse a través de sus ganancias, no aporten un poco más de riesgo einventiva a los guiones.

Pero no todo es malo y el primer punto a favor es su plantel de personajes ridículos. Toxie apenas hace nada. No recuerdo haber visto un personaje tan inútil en mucho tiempo pero, a cambio, aparece rodeado de un sinfín de imbéciles que resultan divertidos por su absoluta demencia. El mejor de todos es, sin duda, el Sargento Kabukiman, un superhéroe perdedor y alcohólico y con un alter ego drogadicto y vacilón. Y luego tenemos un sinfín de cameos y homenajes divertidos, con Corey Feldman, Eli Roth, Lemmy Kilmeister (Motörhead) Stan Lee, Hugh Hefner Ron Jeremy, el mismo Kaufman ... que logran salvar el escollo de los episodios dentro de la trama. Y los títulos de crédito son simplemente espectaculares, solo hace falta leerlos con atención. Me parece magnífico que, además del personaje y su intérprete, se explique como ha muerto. ¡Bravo!

Por desgracia, todos estos elementos buenos se desperdician por culpa de una desafortunada puesta en escena. El juego entre Tromaville / Amortville es ridículo ya que el director no tiene interés alguno por mostrar más diferencias entre los dos mundos que aquellas que se refieren al comportamiento de sus habitantes. No hay un mundo oscuro versus otro luminoso sino un mundo cutre versus otro más cutre aún. ¿El homenaje a Ciudadano Kane? pretende ser apoteósico pero es de lo más inocentón. ¿Las escenas Gore ? patéticas para los tiempos que corren. ¿El juego de dobles? desaprovechado. Pero más allá de lo que yo pueda decir u opinar, que me vuelvo quisquilloso, opino que se deben seguir rodando películas de este tipo para que sus fans las puedan disfrutar. Y quién no quiera, que no las mire. De hecho, una película que se llama El Vengador Tóxico no puede engañar a nadie sobre sus intenciones...

Lo mejor: el personaje del Sgt. KabukiMan
Lo peor: un nulo sentido del ritmo

Ràdio Metropol 14 maig 2008

2008-05-14T14:38:00.001+02:00

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¿Por qué Antena 3 ya no emite películas malas?

2008-05-08T17:06:00.014+02:00

Evidentemente con malas películas no me refiero a la basura que SIEMPRE emite Antena 3: Está claro que es una de las peores cadenas en cuanto a programación cinematográfica junto con Telecinco. Con la excusa hortera de "estreno de una película inédita en España" resulta que se dedican a emitir telefilmes sin presupuesto y con efectos especiales ridículos como si fueran grandes estrenos. Lo de llamar peliculón a una de sus emisiones es insultar a cualquiera que le guste mnimamente el cine. Y además, cuando se hacen con un producto un poco serio (Titanic, Gladiador, El señor de los Anillos) lo reponen hasta la saciedad para amortizar la inversión.

No estaba hablando de este cine malo sino del cine malo de verdad, el cine de serie Z de los 80, 90 y más allá. El otro día, Blanch me pasó una copia de El Vengador Tóxico IV (Ciudadano Toxie) y me acordé de los tiempos en que se podía poner la tele a altas horas de la noche y encontrarse con alguna película gore la mar de divertidas. Y Antena 3 era una de las grandes promotoras de estas sesiones de películas horrorosas, con héroes de baratillo, tontas macizorras de las que nunca se ha sabido más y sangre tan mal hecha como sus guiones (ahora los modernillos las llaman Grindhouse). Pero esto hace tiempo que ya no es así.

Algunas de esas películas eran El vengador tóxico y sus continuaciones de las que vi, por lo menos, las dos primeras. Admito que eran realmente estúpidas y su factura técnica era ridícula pero también eran sangrientas, divertidas y no tenían ningún tipo de contención moral... qué más puede pedir un chaval de 15 años? Como ejemplo, dejadme mostrar la primera frase de ese Vengador Tóxico IV que me ha llegado recientemente a las manos: "hace 15 años, un chico llamado Melvin Fyrd cayó dentro de un contenedor de residuos tóxicos y se convirtió en una criatura deforme con un tamaño y una fuerza sobrehumanas, se convirtió en... El vengador tóxico ¡El primer superhéroe de Nueva Jersey! Después hicimos dos secuelas de mierda, lo sentimos. Pero esta es la secuela Real". Desde luego si los chicos de Troma carecen de algo es de pretensiones. Y eso mola.

Grácias a Antena 3 ví grandes sagas como ésta y oras como Basket Case o Maniac Cop. Grácias a la tele de aquella época pude ver cintas como The Gate, Phantasma, Re-Animator, The Killer Tomatoes, La cosa del Pantano... vaya, que entre esto y la basura que alquilaba en el videoclub no me puedo quejar. Pero, realmente, hecho de menos aquella época en que podías poner la televisión para desconectar de verdad. No para ver supuestos programas de periodismo que lo único que hacen es remover tumbas para que cuatro payasos puedan hacer un debate (si eso es debatir) sobre lo que pasó o no realmente. Encuentro mucho más divertido ver una película de estas que a menudo llamamos cutres o casposas que los tramposos concursos que ahora hacen en todos los canales o la porqueria de telefilmes que las privadas compran a peso.

Y los canales de TDT no hacen NADA por ofrecer una alternativa y solo hacen repeticiones de los mismos programas y más concursos tramposos con tipas enseñando cacha. Y todo lo que se emite viene forrado de un tono superconservador y sin un ápice de originalidad. Tampoco estoy ya para muchos trotes, pero me alegro que gente como Eli Roth, Jonathan King o Rob Zombie se atrevan a volver a las andadas con películas malas de remate pero con un público potencial muy fuerte y que está necesitado de estos productos. A mí me pueden decir lo que quieran, pero no creo que Peter Jackson, David Cronenberg, Wes Craven o Sam Raimi (lo mejorcito de hoy) se arrepientan de su pasado sangriento. Y no olvidemos que estas películas, en el fondo, son la base de muchos de los directores de hoy, con Tarantino y Rodríguez a la cabeza, pero también de muchos otros que pueden ofrecer, hoy, productos de calidad.

Y de regalo, una escena clásica: por lo menos, todo el mundo con quien hablo que ha visto la película recuerda el Body Count.

Ràdio Metropol 7 maig 2008

2008-05-07T10:17:00.004+02:00

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Iron Man: ¿Marvel Begins?

2008-05-05T17:09:00.008+02:00

Iron Man ha conseguido para las adaptaciones de la Marvel lo que Batman Begins consiguió para las de DC. Esto es crear un universo versemblante y coherente donde la figura del superhéroe sea creíble. Hasta el estreno de película de Nolan prácticamente ningún personaje había mostrado de una forma tan compleja y rigurosa el proceso que lleva a un ser humano a convertirse en un personaje de cómic (no debemos olvidar que está basado en el Año 1 de Frank Miller, obra capital del cómic americano). Y Jon Favreau, para tirar adelante su Iron Man, ha apostado por el mismo proceso dedicando gran parte del metraje a explicar quién es Stark, de dónde procede ese traje y por qué funciona como funciona.

Pero las similitudes entre Tony Stark y Bruce Wayne se limitan a que ámbos son tipos multimillonários capaces de pagarse los gadgets para hacer de superhéroe. A partir de ahí cada una de estas dos películas deriva hacia terrenos distintos.

Me gustaría hacer una distinción entre dos tipos de adaptaciones de cómics al cine: aunque sea caprichoso y arbitrário me gusta hablar de cintas de entretenimiento versus cintas con reflexión. A un lado tendríamos Los 4 Fantásticos, The Punisher, Daredevil, Elektra, los dos batman dirigidos por Joel Schumacher… y, al otro lado, Batman Begins, los Batman de Burton, los X-men (la tercera menos), algún capítulo de Spider-man, Hulk… Quizás, en vez de llamarlo reflexión deberíamos hablar de pretensiones ya que muchas veces el resultado de unas y otras no acaba de ser lo que esperábamos. Sea como sea, mientras estaba viendo Iron Man, se me ocurrió que es una película que debería estar justo en medio de esa balanza.

Toda la cinta de Iron Man tiene un toque mucho más desenfadado que muchas de las películas del lado sombrío pero incorpora, al mismo tiempo, algunos de los elementos morales de otras sagas. En ningún momento la cinta llega a ser demasiado oscura y Stark siempre tiene a punto un chascarrillo, una broma, una caida o un tropiezo. Toda la película se balancea de un lado al otro, mostrando primero un poco de emoción para después atacar con otro gag. Además, prácticamente toda la película renúncia a la música de orquestra en benefício de una simplón sonido de guitarras.

Por otro lado, la puesta en escena es realmente espectacular, el diseño es atractivo y cuenta con un montaje inteligente y atrevido. La máquina ideada por Stark es asombrosa y impresiona por su aspecto sólido y realista. Las escenas de acción son trepidantes y, lo que es más importante, inteligibles. El combate final entre las dos máquinas se entiende en todo momento a pesar de estar rodado de noche. Michael Bay debería tomar nota, ya que en Transformers (que está rodada de día) no se entiende nada. La interpretación de Robert Downey Jr. es (como siempre) excepcional. Siempre lo he defendido como un gran actor y me alegro por el buen momento que vive a nivel profesional. A pesar de su saber hacer como secundario ya echábamos de menos una interpretación en la que fuera él quien arrastrara todo el peso de la trama.

Iron Man es un gran trabajo, ganará dinero y satisfará a casi todos. Los niños se lo pasarán bomba y los padres también. Pero yo, personalmente, hecho de menos el tono oscuro de otras aproximaciones al cómic. Esta es una buena adaptación, pero podría haber sido una buena película más allá de su origen de tebeo. Y creo que no llega a serlo. Dentro de 5 años la veremos como la primera parte de una saga. Y punto.

'El Juego del Ángel': primeros apuntes

2008-05-05T11:28:00.007+02:00

Hace unas semanas que salió a la venta el nuevo libro de Carlos Ruiz Zafón tras La Sombra del viento y, por supuesto, ya es el éxito editorial del año. La obra se estrenó llena de secretismo (y digo esto sin ninguna intención de crítica). Simplemente me refiero a que el libro apareció sin que nadie hubiera leído su contenido y eso hizo que los lectores llegáramos vírgenes a su contenido sin la contaminación de los medios.

Sólo me he leído la mitad del libro y me ha asaltado una pregunta: a parte de comprarlo, ¿alguien lo ha leído? Lo digo porqué la suculenta trama de Zafón aborda un tema que siempre suele llevar consigo una gran polémica, el de la religión. Estamos acostumbrados ya a las quejas de la iglesia ante obras como El Código da Vinci y otras intrigas del mismo estilo. Pero en cambio, no he sentido, aún ningún comentario incendiario al respecto de El Juego del Ángel. Reitero que no he terminado el libro y quizá me equivoque, pero a estas alturas esperaba que se hubieran hecho algunos comentarios. Como no es así, me apunto el primer tanto. Dicho esto, aviso que, a partir de ahora voy a contar algunas cosas del libro. Aunque seré sutil, quien no quiera descubrir nada, que no siga leyendo.

En El Juego del ángel aparece un misterioso personaje que le propone a su protagonista (un pobre escritor venido a mercenario de la literatura) que escriba un libro sobre religión. Básicamente, que rescriba una Biblia para una nueva fe. Esto al principio choca en medio de la lúgubre trama que nos presenta Zafón pero después adquiere una lógica impresionante. El problema es que de esta situación, de este juego se desprende la idea de que todas las religiones se crearon como un medio de control de la población y que, la fe, no es más que una invención de algún personaje poderoso para dominar a los demás. La Biblia es, así, un relato escrito para adoctrinar y para encaminar a los temerosos hacia un determinado fin y no el supuesto legado del poder de un hombre.

Me asusta pensar que, entre los miles de compradores de El juego del ángel haya gente creyente( como mis tías o abuelas) que vean en él una cierta denuncia de lo que son las religiones. No sé qué pensarán al encontrar unos personajes que hablan de la religión como algo terrenal y caprichoso y no como un designio de un ser superior que se alza en un cielo profético.

No tengo la intención (de momento) de seguir incidiendo en este terreno, puesto que ya lo haré cuando conozca el final del libro y pueda decir donde lleva todo. Pero espero que esto sirva de primer apunte y que si alguien piensa lo mismo que yo, pueda compartir su opinión. Más allá de todo esto, cabe decir que el libro es excepcional y, aunque su localización en la Barcelona del primer cuarto de siglo me parece acertada, da la impresión de tratarse de una mera excusa para darle a la novela un barniz lúgubre. A pesar de estar ambientada en otra época, los personajes parecen hablar y comportarse como si se tratara de nuestros contemporáneos y basta con cerrar los ojos para imaginarse a D.M caminando por la Rambla que hoy todos conocemos.

Confesiones de un cinéfilo II: Lenguaje cinematográfico

2008-04-30T11:29:00.015+02:00

Muchas veces mis amigos y amigas me acusan de ser un friky con esto del cine. El comentario más habitual es que, en vez de ir a disfrutar de la película, voy a criticarla, a ver lo negativo. Evidentemente, yo digo que eso no es verdad. Si la película es buena la disfruto, pero eso no evita que analice como está filmada, que planos usa, la importancia del sonido, de la fotografía...

Ante eso, la respuesta es, siempre, “yo solo miro que la historia sea buena”. Y por ahí es donde no paso, porqué la historia es únicamente una parte de la película. Lo decía Tarantino: “una película debe ser mucho más que su guión”. Hablar de lenguaje cinematográfico, de estilo, de técnica puede ser muy complicado. Yo, la verdad, aún estoy en pañales en algunos temas pero me gusta analizar los distintos elementos pormenorizadamente y destacar aquello que tiene de bueno una película. Aunque la historia sea un peñazo. Y para demostrar que tengo razón, siempre uso el símil de la literatura:

Aunque a veces me lo quieran negar, mis amigos han de admitir que tengo razón en que el lenguaje es importante para un libro. Cuando han leído algo siempre me dicen: “me gusta como escribe tal autor” o “el lenguaje es complicado”, etc. Cuando abrimos un libro somos capaces de decir como está escrito. Puede usar palabras técnicas o llanas, las frases pueden ser largas o cortas, muy simples o muy elaboradas. La trama puede ser lineal o puede irse por las ramas. Hay autores que no usan guiones para separar escenas de diálogo. Algunos usan constantemente un vocabulario muy rico mientras que otros apuestan por el “fulano dijo esto y menguano dijo lo otro”.

Esto, por fuerza imprime un efecto en la historia. Un libro está escrito con palabras y lo único que hay son palabras. Es su selección y la forma como se conjugan lo que construye una pieza global y que nos permite decir si un libro es bueno o es malo.

Pues para mí, el cine es lo mismo. Una película está hecha a partir de cientos de planos. La puesta en escena, los movimientos de cámara, la longitud y perspectiva de los planos... todo eso define la película e influye en su visionado. Puede que no nos demos cuenta ya que un montador de cine no es un payaso y sabe lo que se hace. Pero sí que podemos darnos cuenta fácilmente cuando un plano se alarga, cuando “no pasa nada” me dicen. ¡Claro que pasa! Cada escena sirve a algún motivo. Nada es gratuito. Godard decía que una panorámica es “una cuestión moral”. Si una persona planifica y ejecuta un determinado plano, habrá que valorarlo y decidir si es positivo o negativo. Esto siempre ajustándose a un sistema de valores propio. No seré yo quien diga qué debe ver la gente ni qué películas le han de gustar.

La moraleja vendría a ser que cada cual haga lo que le dé la gana. Y por tanto, que dejen de criticar mi actitud ante el cine. Aunque no lo parezca, seguramente me aporta mucho más placer ver una película atentamente que no el hecho de desentenderme de su lenguaje en pos de un visionado más fútil (ver la peli y olvidarme). No quiero olvidar la película. Quiero que vuelva a mí al día siguiente, descubrir, 48 horas después, a qué venía esa frase, ese plano. Esa mirada. Pensar en lo que me he dejado en el tintero y qué debo recuperar en otra sesión. Buscar críticas en revistas o Internet para reforzar mi opinión o para enfadarme si no me dan la razón. Eso, en definitiva, es pasión por el cine. Y lo que a mí me gusta, por encima de otros hobbies, es ver (y analizar) películas.

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Confesiones de un cinéfilo (I)

¿Quién manda en Hollywood?

2008-04-29T18:37:00.010+02:00

Cada semana colaboro con mi amigo Albert en su programa Ràdio Metropol en Montcada Ràdio (es tu radioooooo…). Pese a lo reducido del presupuesto y lo poco que me trabajo las secciones (salta a la vista)la verdad es que me lo paso la mar de bien.

En la sección del próximo miércoles hablaremos un poco sobre las productoras de Hollywood y el quién es quién de la industria del cine. Sin ser demasiado exhaustivos, estos vendrían a ser los resultados:

Se habla que en Estados Unidos hay 10 grandes estudios. No hablamos de productoras como Malpaso, American Zoetrope o Wignut por citar algunas. Estas producen sus contenidos pero no los distribuyen, sino que necesitan el apoyo de los grandes estudios que, por otra parte, sí que producen, distribuyen y exhiben sus propios productos. Estos 10 grandes estudios son: Warner Bros, New Line cinema, Sony Pictures, Metro Goldwin Meyer (MGM), Walt Disney Pictures-Touchstone pictures, Miramax, 20th Century Fox, Dreamworks, Paramount Pictures y Universal Studios. Está claro que son grandes empresas de las que todos hemos sentido hablar pero la verdad es que el poder no se reparte entre estos 10, sino únicamente en seis.

Los llamados Big Six, son seis grandes conglomerados mediáticos que disponen de varias empresas, entre ellas algunas de las 10 comentadas:

News Corporation posee los estudios 20 Century fox (con todas sus franquicias de televisión e Internet), Searchlight pictures, New Regency Productions, cadenas de radio y televisión en todo el mundo, las editoriales de libros HarperCollins y Zondervan, los tabloides The Sun i The News of the World, el Sunday Times, The Times, el New York Post, el Wall Street Journal… además tiene en sus manos parte o la totalidad de sites como MySpace, Photobuket, IGN, GAmeSpy y Rotten Tomatoes. Solo durante el primer trimestre de este 2008 ya había movido 33.000 millones de dólares.

Time Warner Inc es, tras News Corporation, el Segundo mayor conglomerado de entretenimiento y medios de comunicación. Está formada por tres empresas: Warner Comunications, Time Inc i America Online. Entre sus subsidiarias encontramos AOL, New Line Cinema, Time Inc (la revista TIME), HBO, Turner, Warner Bros-entertainment, Cartoon Network, CNN y (sí) DC Cómics. En 2004 su capital de mercado fue de 84.000 millones de dólares.

Sony Pictures Entertaimnent (SPE) es la unidad de distribución y producción de televisión y cine del conglomerado japonés Sony. En 2005 consiguió ventas por valor de 6.000 millones de dólares y posee, por un lado, la Columbia Tristar Motion Picture Group - nombre bajo el que se agrupan entre otras Columbia Pictures y TriStar-, las cadenas HBO y CBS y Sony Pictures Classics. Pero además, encontramos otras empresas como Sony Pictures Home Entertainment (especializada en mercado doméstico), Sony Pictures televisión (en TDT vemos uno de sus productos) y vemos que está afiliada a MGM (que incluye United Artists y Orion Pictures entre otras).

The Walt Disney Company tuvo en 2006 unas ganancias de 35.0000 millones de dólares. La idea que se tiene habitualmente es que Disney son únicamente los dibujos animados Mickey Mouse y compañía, pero detrás también encontramos grandes empresas como la cadena de televisión ABC, Buena Vista - que incluye Walt Disney pictures, Hollywood Pictures, Touchstone Pictures, Disney y Miramax- y tiene la división de (ahora sí) Walt Disney Animation Studios y Pixar Animation Studios. Recordemos que también regenta todas las sucursales de Disneylandia.

Viacom es un conglomerado con inversiones en todo el mundo en televisión por cable, satélite y producciones cinematográficas a través de Paramount y Dreamwork Pictures. Llamada The New Viacom es la sucesora legal de la Gulf+Western Paramount. Sus ingresos en 2007 superaron los 1.600 millones de dólares. La antigua viacom se convirtió en la actual CBS.

Finalmente, NBC Universal es una compañía de comunicación y entretenimiento formada en 2004 tras la fusión de la NBC de General Electric (con un control del 80%) i Vivendi Universal Entertainment (parte del grupo francés Vivendi). Además de su producción de música y cine posee los parques Universal Studios en Hollywood, Orlando y Japón. Pese a algunos altibajos económicos (debidos en parte a la gestión de sus parques de atracciones) y a una redistribución económica entre GE y Vivendi, Universal sigue situada como una de las grandes empresas dentro del panorama fílmico actual. El Ultimátum de Bourne, Lío Embarazoso y American Gangster son algunas de las películas que logró colocar entre las más taquilleras del 2007.

En definitiva, vemos que Hollywood es un pastel muy grande en manos de solo cuatro empresas colosales y que detrás se esconden una docena de personas (los llamados media móguls), tipos que concentran miles de millones de dólares y que controlan a miles de trabajadores. Estamos hablando de tipos como Rupert Murdoch, Robert Maxwell, Marshall Naify, Conrad Black, Silvio Berlusconi, Axel Springer i Ted Turner. Si algún día os los encontráis por la calle, no dudéis en pedirles dinero.

Revisando 'La Huella' original

2008-04-22T14:12:00.010+02:00

Ya podemos encontrar en DVD la nueva versión que Kenneth Brannagh ha rodado de La Huella, (Joseph L. Mankiewicz, 1972) y he creído conveniente rescatar la versión original antes de ver la nueva. Así podré comentar las dos convenientemente.

La Huella narra la historia de dos hombres enfrentados en un absurdo juego de engaños debido a que el más joven de ellos (Michael Caine) se acuesta con la mujer del otro (Laurence Olivier). Basada en una obra de teatro de Anthony Shaffer, la película muestra en todo momento su origen teatral apostando por una puesta en escena sobria y elegante que renuncia en todo momento a la espectacularidad de otras cinas del mismo género. Solo hay que recordar películas con sorpresa final como Causa Justa, El Sexto Sentido, El Truco Final o la peor de todas, El Ilusionista, donde se resolvía el absurdo misterio a golpe de vergonzosos flashbacks i ridículos movimientos de cámara.

En el caso de La Huella nos encontramos más cerca de El Golpe pero con una estructura mucho más simple. Toda la trama sucede en el caserón de Andrew Wyke (Olivier) donde seguimos sus tribulaciones con Milo Tindle (Caine) sin la presencia de ningún secundario que los interrumpa (bueno, hay uno pero no cuento más). No se trata de un filme de intriga si no más bien de una disección de las retorcidas mentes de dos personajes a través de un juego de engaños. Toda la película es dialogada y es la palabra de los actores lo que va deshilvanando la jugada que consigue atrapar al espectador de principio a fin. Sin espectáculos, sin sobresaltos, sin trucos visuales. Solamente con dos actores, un decorado y un guión de hierro.

Es realmente magistral como el director consigue mantener la atención del espectador durante más de dos horas con unos ingredientes tan sencillos y sin apostar por el frenesí del “¿qué pasará?”. A eso ayuda también la enorme interpretación de los dos actores. En sus manos, los personajes abandonan cualquier maniqueísmo de el buen contra el malo y ofrecen un retrato poliédrico plagado de matices que los convierte en seres de carne y hueso con tantos defectos como virtudes. Y todo eso redondeado con un certero análisis social sobre las diferencias entre clases y sobre los motivos que llevan a los individuos a comportarse de una determinada forma.

Lo mejor será, como ya apuntaba Quim Casas en la revista Dirigido, poder ver, 35 años después, a Michael Caine representar la misma farsa desde el otro lado de la moneda. Ver como la bondad, justicia y sed de venganza de su viejo Milo se transforman en la prepotencia, arrogancia y crueldad del Wyke que en su día interpretó Laurence Olivier.

Y también habrá que mirar con lupa (“el instrumento por excelencia”) la puesta en escena de Brannagh y la interpretación de Jude Law, convertido ya en el alter ego oficial de Michael Caine.