'All Good Things'. Cosas no tan buenas

Esto me pasa por probar cosas. La película tenía mala pinta, la sinopsis más... pero me atreví por ver a Rian Goslin en (pensaba) una nueva gran interpretación. Al final lo que salva la película es el actor y Kristen Dunst (siempre encantadora). Frank Langella... normalillo.

La película adapta un caso real de desaparición y está narrada a través de flashbacks y la narración superpuesta del personaje de Goslin. Uno de los aciertos es como las imagenes muestran todo lo contrario a lo que él explica. La cosa arranca más o menos bien, en algunos momentos destila auténtica tensión, pero el último tercio es desastroso. Una serie de giros extraños que recuerdan a Psicosis y que quieren rememorar la gran Zodiac acaban dejando al espectador cansado de tonterías. La resolución final es absurda y llegados a ese punto uno solo tiene ganas que la cosa acabe.

Estrellas y aires de grandeza para una película que solo es una TV movie camuflada de gran drama. Los escenarios históricos (la película narra los hechos entre los 60 y el 2004) son extractos de Taxi Driver y Midnight Cowboy entre otras. El resto, escenas de salón, mucho plano medio y plano corto para ocultar lo modesto del   asunto.

El director habrá visto Zodiac, El intercambio o Boogie Nights. Pero el resultado está a años luz.

Lo mejor: algunas escenas realmente terroríficas

Lo peor: la historia. Absurda y totalmente irreal.

El Decepcionante Imaginario del Dr. Parnassus

Para qué nos vamos a engañar, soy fan de Terry Gilliam y eso condiciona a la hora de ver sus películas. Dejando a un lado La Bestia del Reino y siendo (muy) benevolente con Los Hermanos Grimm puedo decir que me gustan todas sus peliculas. Por eso el El Imaginario del Dr. Parnassus me ha parecido de lo más decepcionante.

No me vale la excusa de que Heath Ledger ha muerto y, "claro, había que acabar la película de alguna manera". Ni que digan que la jugada de Gilliam es "maestra" porqué contrató a los colegas actores del actor para que acabaran su papel y le dieron el dinero a su hija o que la película está firmada como de "Heath Ledger and Friends"... ¡Nada!

Valorando la película al margen de todo este ruido, me doy cuenta que se pierde por un montón de divagaciones, las estrellas sustitutas sobreactúan que es un gusto y toda la imagineria visual resulta ridícula por culpa del exceso de CGI. El guión languidece sin ningún momento especialmente relevante que sacuda un poco al espectador.

Las comparaciones son odiosas, pero comparémos. En todas las películas de Terry GIlliam, por muy disparatadas, inconexas, excesivas o gratuitas que sean, subyace un poso melancólico y emotivo. Principalmente se trata de una reivindicación de la libertad individual más allá de las convenciones sociales o culturales. Los persojanes del director son marginados sociales, seres alienados o dementes con una particular visión del mundo. Al final nos damos cuenta de que el loco es, quizás, la persona más sensata y el espectador acaba empatizando con ellos. Eso es, por encima lo que sucede en El rey pescador, Tideland, 12 Monos, Brazil...

En El Imaginario parece que Gilliam haya sido consumido por su propia etiqueta. Ninguna de las subtramas acaba de funcionar. No emocionan ni divierten ni resultan terroríficas. Sinceramente, me trae sin cuidado el pacto entre Parnassus (Christopher Plummer) y el diablo (Tom Waits). Y lo que más me desconcierta es la buena acogida que ha tenido por parte de la crítica. Algo no acaba de funcionar si apalean Tideland pero defienden este trabajo tan superficial. Cómo decía Bukowski hablando de Van Gogh: "os gusta por motivos equivocados". No están valorando la película sinó las condiciones en que se ha llevado a cabo. Para algunos habrá suficiente con eso, pero dentro de 10 años nadie se acordará de eso y lo que quedará es una película mediocre. El tercer pero en la carrera de un director que casi siempre resulta estimulante.


Lo Mejor: yo que sé, ¿Christopher Plummer?

Lo Peor: el exceso de efectos generados por ordenador.

Clic para ver el Trailer

'Terminator Salvation'

No entenc perquè part de la crítica (un 50 per cent?) ha estat tan cruel amb aquesta cinta. És veritat que de James Cameron només n'hi ha un (només fa falta veure com se'l idolatra ara que ha tornat a reinventar el cinema) i que la saga de Terminator està patint de valent amb això dels remakes i adaptacions (Les cròniques de Sarah Connor, per exemple). Però només cal veure una estoneta de Salvation per adonar-se que és un producte més intel·ligent i menys pretensiós que aquell terrible nyap anomenat Terminator 3.

Salvation sobreviu al canvi de protagonistes, de rols i d'escenaris. El fet de situar-se més de 10 anys en després de l'últim capítol obliga a diferenciar-se en les formes i en l'estil. Un dels seus principals atractius és la fisicitat de totes les escenes d'acció, el realisme que es desprèn d'una fotografia seca i crua, més propera a l'estil post-apocalíptic de Mad Max o al combat desèrtic de No Country for old men que a la voluptuositat tecnològica de clàssics de la Sci-Fi com Blade Runner o la mateixa Terminator 2.

És precisament quan la cinta s'allunya d'aquest to aspre i brut que alguna cosa comença a fallar: les motos robòtiques, els submarins i les instal·lacions ultra-informatitzades (tant dels bons com dels dolents) no encaixen ni per casualitat en la història. Els diàlegs alenteixen la pel·lícula, però quan tot es torna a reduir a una persecució entre robots, humans i cyborgs enmig del desert, tot va bé: el ritme s'allibera i la cinta es torna àgil i dinàmica. La ciència ficció pràcticament ha desaparegut. De fet el tema de viatges amb prou feines s'insinua i l'únic punt de complexitat és admetre que la cinta és, al mateix temps, seqüela i preqüela del primer lliurament de la saga. Tampoc no hi ha cap escena especialment contundent ni espectacular. En cap moment ens quedarem bocabadats, però en general és una cinta efectiva, divertida i que passa prou bé.

En definitiva, no ens trenquem el cap. Terminator Salvation és pura Sèrie B revestida amb un pressupost multimilionari. El seu director ho sap i per això no dubta en dirigir-se al fan de la saga amb plans copiats literalment de les cintes originals i cameos totalment impossibles però que a mi em van arrencar més d'un somriure.

'Coraline' - Atrás queda Burton

Coraline és una de les millors pel·lícules que es poden veure ara mateix a les nostres sales i, sense cap dubte, la millor cinta en 3D que hem vist fins la data. Amb una xifra de 341 còpies a tot l'Estat però sense tant rebombori mediàtic com Monstruos Contra alienígenas (suportable però insuficient) o Viaje al centro de la tierra (infumable es miri per on es miri), a la cinta de Henry Shelik li està costant trobar un públic a causa de la seva condició de conte de terror infantil.

Sento i llegeixo crítiques poc entusiastes amb la cinta que denuncien una certa irregularitat i la incapacitat d'atraure públic adult. Potser sí que li falta una mica d'empenta en alguns trams però la factura tècnica és tan impressionant que per ella sola justifica el preu de posar-se unes ulleres 3D. Qualsevol escena agafada a l'atzar demostra que estem davant una nova fita per a l'Stop Motion. Pel que fa al seu target, és cert que el públic adult la pot trobar esquemàtica i que no és apta perquè els nens la vegin per separat però penso que pot ser una perfecta opció perquè tota la família vagi junta al cinema.

Shelik s'ha desprès de l'exigent diva que és Tim Burton i, tot i que mai igualarà la seva condició de mite, ha creat una cinta tan fosca i tenebrosa com 'Pesadilla Antes de Navidad'. No és casualitat ja que Coraline adapta una obra de Neil Gaiman, un dels principals exponents de la literatura fantàstica, capaç de retornar als contes de fades l'aura de terror que tenien abans de l'arribada de Disney. La història es sustenta en els puntals bàsics d'Alicia al país de les meravelles (una altra que va perdre mala baba en el salt a l'animat i que Tim Burton acabarà d'espatllar en breu) i aconsegueix una galeria impressionant de friks foscos i entranyables.

Tot i els seus petits defectes, estem davant d'una de les millors pel·lícules d'aquest any que no està sent especialment luxós. Deixeu-vos emportar per aquest joc d'il·lusions i reflexos que Gaiman i Shelik ens proposen.

El millor - magnifica banda sonora i posada en escena

El pitjor - Una mica repetitiva en alguns moments

'Monstruos Contra alienigenas' - El auténtico (y aburrido) 3D

Demasiado se ha hablado de esta película antes de su estreno: la revolución del cine, un salto comparable al del sonoro o el color, nuestra percepción del cine va a cambiar, el fin de la piratería... Y mientras estás en la sala piensas: "sí, son 3D; sí, son espectaculares; sí, las texturas son para quitarse el sombrero pero... ¿Y qué más da?

Monstruos Contra Alienigenas es extremadamente aburrida y simplona. Me trae sin cuidado que esta sea una cinta rodada en True 3D y que Bolt fuera solo una conversión. La peli de Disney le da cien patadas a la de Dreamworks. Monstruos tiene chistes que producen vergüenza ajena (el uso de la BSO de Detective en Hollywood) y los homenajes son tan secundarios que apenas permiten una carcajada de reconocimiento.

En teoría se trata del buque insignia de Dreamworks, el eslabón entre el cine antiguo y el moderno. Sus artífices contaban con todo el dinero del mundo, la mejor tecnología disponible, una campaña de marketing y un apoyo de los medios de comunicación que aseguraba el éxito hicieran lo que hicieran. Y con todo eso, nos presentan una cinta tan vista, tan gastada, tan antigua... que no hay por donde cogerla. No creo que hagan falta 5 guionistas para urdir esto.

Que no nos tomen más el pelo. No vale la pena pagar un plus de 2 euros (o de 3 o 4... dependiendo de la sala) para ponerse unas gafas incomodas y ver este tipo de cine. A las 3D les pasa lo mismo que a los efectos especiales: no son divertidos. No hace gracia estar dos horas viendo cosas saltar delante de los ojos. Lo divertido son los personajes bien elaborados, los guiones inteligentes, y un montaje cinematográfico de lujo. Y eso no lo ofrece Dreamworks desde hace mucho mucho tiempo. Y por mucho que inviertan en tecnología, seguirá siendo una productora a la sombra de Pixar. El slogan "de los creadores de Shrek y Madagascar 2" ya no pronosticaba nada bueno...

Monstruos contra Alienigenas es, junto a Avatar, de James Cameron, el punto de inflexión del cine moderno. Y de momento, lo que veo, no me gusta

Lo mejor: Las texturas

Lo peor: es aburrida

'El curioso caso de Benjamin Button' - No es 'Lawrence de Arabia'

Una de las muchas quejas que le han caído a David Fincher por su última película es que es demasiado larga. Él se ha defendido diciendo que se trata de un problema de perspectiva, que también decían lo mismo de Lawrence de Arabia y que mírala ahora. Una de dos: o Fincher no se da cuenta de lo que dice o de verdad cree ciegamente en este irregular hijo que ha parido.

El curioso caso de Benjamin Button es larga de verdad, casi tres horas son DEMASIADO para lo que nos cuenta, algo que no pasaba en Lawrence. Pero ese no es el principal problema. El mayor lastre de la cinta es que, pese a arrancar de forma maravillosa, va tropezando en sus propios aires de grandeza. Se pueden decir muchas cosas malas de Fincher pero no que sea un mal director. La puesta en escena, la música, la fotografía, el maquillaje y los efectos visuales son impresionantes. Incluso ese sucedáneo digital y anciano de Brad Pitt es entrañable.

La primera hora es impresionante: crea un ambiente, un tono y unos personajes que podemos llegar a querer i comprender. Pero después de la impresionante escena contra el submarino, todo empieza a irse al traste. ¿Los principales problemas? 1) Las constantes interrupciones del tiempo presente con una viejísima Cate Blanchett y una pésima (como siempre) Julia Ormond. 2) Los momentos Forrest Gump en que el guionista se acuerda de si mismo y coloca colibríes como si fueran las plumas en la cinta de Zemeckis. Y 3) El momento Magnolia (también llamado Amelié): después de crear unas reglas del juego claras y precisas durante dos horas, al final los artífices de la película van y rompen la baraja. Tras hacernos creer que nos encontramos ante una historia en off (Benjamin lo explica todo), nos toman el pelo y nos muestran una escena de narrador omnisciente que acaba de tirar por los suelos la poca credibilidad que le quedaba a la película.

Al final, además, se desperdicia todo el aura de tragedia que va acompañando al protagonista en un final tan simplón como previsible. ¡Ah! y cambian al protagonista. Horrible. Tras la irreverente y maravillosa Zodiac, David Fincher ha rodado su film más convencional y soso. Y aunque lo haga bajo la apariencia de lo último en lenguaje cinematográfico, no consigue engañar a nadie. Y que no digan que la culpa es del guionista "que hizo Forrest Gump". Eric Roth también ha escrito guiones excepcionales como Lucky You, The Good Shepard y Munich

Y Forrest Gump le da mil vueltas a Benjamin Button.

Lo mejor: su aspecto audiovisual y Tilda Swinton
Lo peor: que nos vendan gato por liebre

'El Intercambio', Otra Obra Maestra

No negaré que por culpa de su promoción, temía que esta película fuera un rollo monumental. Por un lado, sí, se trataba de la última película de Clint Eastwood, un auténtico Master del Universo pero, por otro lado, ahí estaba ese tráiler al más puro estilo telefilm -con la frase "mi hijo" pronunciada media docena de veces- y con Angelina Jolie de por medio. No había demasiadas ganas, no.

Pero por suerte, al final la fui a ver y debo decir que todo aquello que pensé -e incluso dije- estaba fuera de lugar. Quizás algún día me atreva a ver Vicky Cristina Barcelona y resulte que también es buena (aunque no creo que eso pase en breve).

Bien, Clint Eastwood parte de un tema, sin duda, de lo más simplón y telefilmesco: la trama, lo que sería el simple plot es exactamente igual que el de cualquier otro bodrio "basado en hechos reales". Por suerte ahí está Eastwood, un director inigualable capaz de encontrar oro en cualquier lado y (no lo neguemos) un guionista que ha realizado un impresionante trabajo a la hora de filtrar los tópicos.

El mayor acierto del director es conseguir que la historia, la que se narra en el anuncio, sea solo el arranque de una película que tiene en su tono directo y doloroso su mayor baza. Angelina Jolie es una actriz que jamás me ha gustado en pantalla y no haré ahora ninguna retractación: sigue sin gustarme. Su actuación es tan forzada, tan estudiada, tan dolorosamente racional, que acaba por alejar a todos de su particular drama. Pero, como digo, la gracia de la película es como Eastwood sabe esquivar todos los tópicos y concesiones del melodrama y del thriller -los dos géneros entre los que navega- y permite que la película funcione paralelamente (que no al margen) de la actuación de Jolie.

La madre es, evidentemente, el motor de la película y el desencadenante de todo en lo que ella sucede. Pero el caso del secuestro se bifurca en múltiples vías secundarias que permiten discutir sobre temas como la impunidad con que actúan las fuerzas de la ley o la necesidad de aplicar la pena de muerte, por imperdonable que sea el crimen cometido. Además Eastwood se guarda en la manga un montón de ases en forma de climax. Un final que lleva a otro que lleva a otro hasta un final que es todo menos cerrado.

Del mismo modo que en Million Dollar Baby, Un Mundo Perfecto y Mystic River, Eastwood crea un retrato pesimista y cruel de la sociedad americana. Y una vez más, como pasaba en esas tres grandes películas no le cede al espectador la posibilidad de evadirse del dolor, ni de desahogarse a través de una resolución lacrimógena. Eastwood sumerge al espectador en un mundo tenebroso y dolorosamente veraz. La película es sombría y el relato que narra más aún. Un drama constante, denso e interminable que deja al espectador exhausto, agazapado en su butaca. Pero al contrario que en las tres películas mencionadas anteriormente, el director nos presenta una brizna de optimismo, una pequeño pero importante resquicio por donde se cuela la esperanza de esa madre desesperada. Quizás no lo parezca, pero al final, el director nos está brindado el único final abiertamente positivo desde Deuda de Sangre (2002).

Y otro punto a favor de la película es que consigue (aunque no lo he en ninguna crítica) algo aparentemente imposible: mostrar a la iglesia -con ese personaje interpretado por John Malkovich- como un elemento positivo para la sociedad y no como ese maligno monstruo con piel de cordero que demasiado a menudo nos vende el cine de hoy. ¿Nadie se ha dado cuenta de ello?

Lo mejor: Una obra maestra que surge de la peor de las tramas posibles
Lo peor: a pesar de todo, el lastre de Angelina Jolie

Bukowski (II): 'Barfly' VS 'Factótum'

Barbet Schroeder estaba empeñado en rodar una película sobre Bukowski y, como ya eran medio amiguetes, le pidió al escritor que se encargara del guión. La película se tituló Barfly (aquí El Borracho) y el autor no adaptó ninguna de sus obras publicadas aunque podría haber encajado perfectamente en medio de sus cuentos (semi)biográficos. De hecho, algunas de las escenas me suena haberlas leído. Bueno, sea como sea,Bukowski escribió el guión y dijo que quería a Sean Penn como actor protagonista. Éste dijo que unicamente lo haría si Dennis Hopper era el director y Buk dijo que nada, que el director era Schroeder. Y el actor escogido para interpretar a Henry Chinaski ( alter ego de Bukowski) acabó siendo... Mickey Rourke. Y ese es, seguramente, el único problema de esta cinta.

La interpretación de Rourke es pésima. Seguramente se encontraba en algún momento bueno de su carrera y anda por la escena como si fuera Marlon Brando o algo así. Sobreactúa, grita, camina de una forma extraña... en teoría imita al escritor de música de cañerías pero no se parece en nada.

Casi 20 años después, en 2005, se rodó Factótum, escrita y dirigida por Bent Hamer. En esta ocasión, como su propio nombre indica, se trata de una adaptación de la novela homónima, publicada en 1975. Allí, todo el peso de la película recaía sobreMatt Dillon , haciendo una interpretación mucho más acertada. Quizás no se trate de un papel camaleónico, no se parece demasiado al escritor pero sí que se trata de una buena interpretación.

Ahora bien, ¿qué película es mejor? ¿cual transmite de una forma más eficaz la prosa de Charles Bukowski? sin duda la primera. Factótum hace un esforzado traslado del universo bukowskiano. Se mueve, al igual que la mayoria de textos del autor, en un terreno pantanoso entre el retrato más realista y un ambiente de fábula, casi surrealista. Además, cabe destacar el interesante diseño de producción. Jamás sabemos a ciencia cierta si es actual o corresponde a Los Angeles de hace dos décadas. Hay coches modernos, pero es como si todo se hubiera detenido hace años. Esto también se puede decir de los textos deBukowski: tienen el mismo tono, fondo y contenido tanto si están escritos en 1960 como si se trata de los últimos que publicó el autor.


Pero Factótum carece de algo que sí tiene Barfly y es el auténtico estilo Bukowski. Me explico. La película de Matt Dillon da pié a que todos los detractores del autor puedan seguir criticándolo: que si es un borracho, que si pega a las mujeres, que si es un misógino, que si se repite... todo lo que queráis. Las formas son las mismas. Pero Barfly consigue sacar a relucir algo más. Al igual que en sus novelas o textos breves, tras la forma, tras la suciedad, se esconde algo que florece cuando a) nos fijamos detenidamente en el lenguaje -cosa difícil si tenemos en cuenta la velocidad que imprime el autor a sus textos- o bien, b) si leemos muchas obras del mismo autor. Sí, se repite, pero transmite un sentimiento único y sincero que es lo que, creo, consigue enganchar a susfans. ¡Nadie que haya leído La senda del Perdedor puede decir alegremente que Bukowski es un frió rufián sin sentimientos!

Barfly, insisto, pese al estúpido acercamiento del actor protagonista, termina dejando un suculento sabor de boca. Agridulce, por supuesto, pero no tan radicalmente destructivo como el de Factótum. En ese bar de mala muerte (me refiero a la cinta de Schroeder, Factótum también acaba en un antro) se respira serenidad, orgullo, camaradería y, si queréis, libertad. Y eso es lo que defendió a capa y espadaBukowski durante toda una vida dedicada a la escritura.


Por cierto, del desengaño de Barfly surgió la novela Hollywood, donde Bukowski retrata magistralmente los entresijos de esa destructiva maquinaria que es Hollywood. Aunque cambie los nombres, todos los implicados en la cinta están ahí, férreamente retratados por Bukowski. Imprescindible.

Bukowksi (I): 'Born Into This'

Me encanta Charles Bukowski y aviso que en el próximo post volveré a hablar sobre el escritor, en ese caso sobre adaptaciones cinematográficas. Pero antes, quisiera recomendar un excelente documental sobreBukowski llamado Born into this, me ha costado lo suyo llegar a verlo pero vale la pena.

No sé qué pensarán de este documental aquellos que no conozcan la obra del autor, pues no cabe duda que es un producto para fans. Born Into This hace un repaso de toda la obra publicada por Bukowski de forma cronológica -de los escritos underground hasta sus últimas novelas- a través de distinto material de archivo y declaraciones de gente que lo conoció. La verdad es que el ambiente es el de una reunión deamiguetes , todos hablando de un desaparecido colega. Se respira camaradería, respeto y admiración. Desde luego eso se transmite al espectador, quien consigue profundizar en la figura deBukowski y ver que, efectivamente, todo aquello que él escribía tenía que ver con su vida cotidiana.

Los extractos de vídeo son impresionantes. A veces, este tipo de recopilatorios resultan aburridos, repetitivos e insolentemente vacíos de contenido, pero el director, John Dullaghan, consigue elegir lo mejor de cada casa y sintetizar en dos horas un montón de material. Encontramos entrevistas de televisiones europeas y americanas, fragmentos de otros reportajes realizados por directores como Taylor Hackford y Berbet Schroeder y declaraciones de todos aquellos que le conocieron, incluyendo sus mujeres, sus amigos, sus compañeros y su hija.

El documental tiene un aspecto muy cuidado. Pese a ser una suma de declaraciones y citas, funciona bastante bien. Tiene un buen ritmo y un cuidado diseño que fusiona la imagen pura de lo que vemos con las propias palabras de la obra del autor. No solo las oímos, enoff, sino que las leemos escritas sobre la pantalla, conviviendo con el propio autor y con los que le rodean, siguiéndolo en sus paseos por los barrios de Los Ángeles.

Resulta interesante el trato con que el documental se acerca a la figura. No hay encuadres raros, no existe la sensación que se esté forzando a nadie a hablar. simplemente es el mismoBukowski quien explica todo aquello que le preguntan, tanto si se trata de hechos felices como si son los momentos más dolorosos (su infancia en manos de un padremaltratador o el recuerdo de un amor del pasado). Tampoco se recurre a la pretendida (y siempre falsa) objetividad del documental. Se nos muestra un vídeo de Bukowski en que se comporta de forma violenta con Linda y es esta misma quien comenta las imágenes, lo que ocurrió y lo doloroso que era saber que todo aquello estaba siendo registrado por las cámaras. Es un punto a favor del director saber tratar todos los distintos aspectos de la vida del autor sin caer en blancos y negros, sino sabiendo balancearse de forma equilibrada en todos aquellos puntos clave de su vida y su carrera, fueran buenos o malos.

Born into this reivindica con insistencia (quizás con demasiada) la importancia de la obra de Bukowski. Sé que no es la lectura académica por excelencia, pero tal vez ahí es donde radica su importancia. Como dice Tom Waits en el documental, la gracia es que tienes que descubrirlo, es como algo oculto o un tanto prohibido. Desde luego habla de su infancia, décadas atrás, pero aún hoy encuentro que sus libros tienen algo de alternativo, de fuera del circulo masivo de lecturas. Y por eso resultan tan suculentos.


Lo mejor: el acercamiento a la faceta más personal de un maravilloso autor
Lo peor: falta la visita al Apostrophes del prepotente Pivot

'Ghost in the Shell', ¡Viva el Anime!

Los que me conocen ya sabrán que no tengo ni puñetera idea de Manga o Anime. Todo el genero de la animación fuera de les EE.UU es un terreno que desconozco totalmente y que, por tanto nunca he abordado. Podría decir que mi manga favorito es Akira y que mi director preferido es Hayao Miyazaki, pero también sería admitir que es practicamente lo único que ha caído en mis manos.

Pero eso sí, se reconocer algo bueno cuando lo veo y el pase de The Sky Crawlers en Sitges me dejó alucinado y me descubrió a un Master que se llama Mamoru Oshii. "El tipo que hizo Ghost in the Shell y Avalon" me decían... Pues ni idea oye. Pero rectificar es de sabios: el otro día me tragué Ghost in the shell y ahora vengo a rendir tributo a Oshii.

Recuerdo que vi esta película en VHS con 15 o 16 años porqué me la dejó un amigo pirado por el manga. No entendí nada. Yo me había quedado con la promo, esas escenas de acción, la chica con su manto de invisibilidad, los robots, y me encontré con una historia filosófica sobre el sentido de la vida y de la existencia. En aquella época me iba más Ninja Scroll y Uritsokidoji y no estaba para esas cosas. De hecho, hasta mucho después no aprecié la película de Akira como se merecía.

Pero viéndola hoy, me he dado cuenta que es una obra genial. Una película que resulta desconcertante pero, al mismo tiempo, estimulante y que deslumbra a nivel visual. Al final se hace corta, necesitaba más, no podía acabar así (por suerte ya estoy a punto de hacerme con la segunda parte...). Me sorprendió el temple con que Oshii rueda la escena del combate Chica VS Tanque, uno de los momentos cumbre y de los más trepidantes. En lugar de llenarlo todo de planos rápidos y confusos -marca de fábrica del cine de hoy (véase Quantum of Solace)- el director presenta una situación casi minimalista (un robot, una catedral, un rifle) y todo se desenvuelve con una coherencia aplastante y un envidiable sentido del ritmo. Realmente es una escena adorable que hace palidecer toda la saga de Matrix que tanto le debe a este Ghotst in the Shell.

Admito, eso sí, que me he quedado un poco descolgado con toda la trama y hay un montón de elementos que no acabo de encajar (frases del principio que cobran sentido media hora después), pero el resultado ha sido satisfactorio. Quizá la repita pronto, esta vez más atento a los detallitos. pero repito que, más allá de eso, la película funcionagracias a el ritmo que le imprime Oshii, por el diseño cercano (pero no copiado) a Blade Runner y por una excelente banda sonora. Todo fluye perfectamente de principio a fin y, como digo, deja con ganas de más. Próxima parada: Patlabor.

Lo mejor: el duelo con el tanque
Lo peor: llegar al final sin haber entendido el sentido de la peli

'Munich', cada vez mejor

Cuanto más pasa el tiempo mayor es el abismo que separa Munich y su competidora en los Oscar de aquel año, Crash, injustamente ganadora de 3 estatuillas (mejor montaje, guión y ¡película!). Hoy parece aun más delictivo que la artificiosa y tramposa cinta de Haggis se alzara por encima de la impresionante obra maestra que rodó Spielberg.

En el momento de su estreno me resultó un poco pesado el tramo central, como si algo se detuviera y costara volver a arrancar. Viéndola hoy no he encontrado nada de eso. La película es densa, cierto, pero está rodada con tanta maestría, vigor y atrevimiento, que resulta imposible no dejarse cautivar por sus imágenes.

Nunca he sido fan de Spielberg y siempre le he admirado con reservas. Ha dirigido obras maestras, pero por cada una hemos tenido que tragarnos un par de trabajos comerciales de calidad más que dudosa. Pero ante Munich, una obra alejada totalmente de su sello característico, no tengo otra opción que sacarme el sombrero.

A ratos casi parece un film de Scorsese o de Coppola por su intenso retrato de la familia (sea como clan, como etnia o como simple grupo de trabajo), por la importancia de ritos culinarios o sociales y por el incisivo uso de la violencia. Resulta interesante ver a Spielberg en este terreno, pero además, consigue una obra dolorosa, veraz (la mezcla de ficción y vídeos reales es impresionante) y sincera.

Todo roza la perfección. Además de presentar una maravillosa recreación de la época (vestimenta, texturas y coloers), cuenta con un puñado de personajes realistas interpretados por unos actores en estado de gracia. No solo Eric Bana, quien ofrece una de sus mejores interpretaciones. También Daniel Craig (que le den a James Bond), Ciarán Hinds (que ya demostró lo que es capaz de hacer en pozos de ambición) y Mathieu Kassovitz, además de los muchos otros secundarios.

Y si Munich no es un 10 es debido a un par de situaciones que no deslucen el resultado pero sí que le añaden imperfecciones. La primera, por inverosímil, es el encuentro en un piso franco de Atenas de dos grupos de terroristas, unos palestinos, otros israelíes. No quiero dudar de la veracidad de ese momento. No sé si el autor de Venganza, obra que inspira la película, tuvo información contrastada del momento, pero Spielberg no la afronta con la suficiente intensidad y queda fofa, falsa. Sin duda es necesaria para mostrar lo absurdo de la guerra que libran y que afectará a la evolución del personaje de Bana en los minutos finales pero, como digo, tiene un punto de comicidad involuntaria que no le sienta nada bien. La segunda es el montaje paralelo entre Bana, en cama y con su mujer, y la matanza final de los deportistas israelíes. Después de escamotear el momento del helipuerto durante toda la película, creo que hubiera sido mejor insertarlo de una forma distinta.

Pero, como digo, estos son simples peros en una obra impresionante y deslumbrante que debería pasar a la historia como una lección de cine. La cinta está llena a rebosar de escenas rodadas con una energía y una precisión únicas. Su proyección debería ser obligada para cualquiera que quiera aprender algo sobre montaje, composición o producción cinematográfica.

Lamentablemente, es Crash la película que lleva la etiqueta de OSCAR 2006 y, por extensión, la que recibirá una mayor presencia a nivel mediático. Una lástima.

Lo mejor: la selección de actores
Lo peor: algún momento Spielberg

El retorno (y de Bond también)

Buff, tres semanas hacía ya que no publicaba. Imperdonable. A ver si le vuelvo a coger el tranquillo a esto. Y para empezar: Quantum of Solace

Esta nueva entrega de la saga Bond (ya van 22) no acaba de funcionar como todos esperábamos. Es la segunda decepción del año después de Indiana Jones y, aunque en esta ocasión el porrazo no ha sido tan impresionante, sí que nos ha pelado las rodillas y el desengaño nos ha hecho saltar alguna lágrima.

La continuación directa de la excelente Casino Royale, no tiene el empuje, la inventiva ni el vigor de la anterior. No quiero decir con esto que la culpa de su falta de originalidad sea su condición de secuela (la primera de la serie, por cierto). Las continuaciones de El Caso Bourne, película que ha inspirado el giro realista de este James Bond / Daniel Craig, son mucho mejores que la original. Cada nuevo capítulo aportaba cosas nuevas a la saga, cada una reinventaba de nuevo el formato y en síntesis, sí, cada una era mejor que la anterior.

Aquí no es sólo la falta de sorpresas aquello que hace tambalear la cinta, sino también la falta de emoción en las escenas de acción que hacen de la cinta un montón de pasajes ruidosos, rodados con mucha cabeza (el director es el gran Marc Forster) pero montadas sin pies ni cabeza. Es imposible entender qué pasa. Bond y el malo de turno se pegan y se disparan pero gracias a la edición pasada de vueltas, ecléctica, epiléptica no sabemos quién está zurrando a quién. Eso es un problema endémico del cine de acción actual pero sorpresas como El increíble Hulk demostraban que todavía se podían hacer luchas inteligibles sin perder por ello la emoción. Curiosamente, lo que mejor funciona de Quantum son las escenas en que no luchan.

En mi opinión, Quantum of Solace arranca mal y acaba peor. No seré tan destructivo como mi admirado Àlex Gorina: opino que es bueno que el cine de acción actual (The Dark Knight y este Bond) vire hacia un tono sombrío y mucho menos divertido. Quizás tenga razón con que "ya no se trata de Bond" pero, con todos mis respetos, Bond era un rollo. Ya era hora de que cambiara.

La película no es mala pero sí resulta aburrida y repetitiva. Tiene escenas maravillosas, planos impresionantes (sobre todo los del desierto) pero no tiene un núcleo duro que la haga funcionar como un solo organismo. Es demasiado hiperbólica y dispersa y, al final, a pesar de ser corta, resulta farragosa y terriblemente larga. Admiro algunas soluciones inspiradísimas del director (el desenlace del duelo de lanchas y la caída sin paracaídas) y la interpretación de Craig es soberbia. Al otro lado tenemos unas mujer tan florero como siempre y un doblaje pésimo (ya sé que esto no es culpa de Forster). Me da miedo pensar que Casino Royale pueda convertirse en un oasis en medio del aburrido mundillo Bond i que ahora tengamos que volver a los (horribles) clichés de la saga. Yo apuesto por Craig y por el tono sombrío de la saga. Apuesto por seguir por ahí y rectificar ahí donde Quantum se ha estrellado. ¿Para cuando otra nueva entrega?

Lo mejor: los planos en el desierto
Lo peor: el doblaje español, vergonzoso

'The American Nightmare'

The American Nightmare es un excelente documental que analiza el cine de terror (americano) de los años 60 y 70 intentando ubicarlos en un contexto político social de la América de la época. La película combina las entrevistas a los cineastas del momento (Romero, Hooper, Carpenter, Cronenberg, Craven y Savini...) con análisis de sus películas hechas por psicólogos y sociologos entendidos en el tema.

Quizás la película peca de intentar ser demasiado periodística. No es simplemente un trabajo sobre cine, sino que intenta establecer una especie de patrón que demuestre que el cine de esos directores era una respuesta a su entorno social. Lo cual no es malo, pero desperdicia muchas batallitas de los directores en pos de la idea de Pesadilla americana como un reverso al sueño americano. Idea que, dicho sea de paso, no acaba de cuajar.

Por otro lado, la película funciona la mar de bien como un compendio de entrevistas. No es un pseudo-making off de esos que venden ultimamente, sino una serie de conversas con esos tipos que revolucionaron la forma de hacer cine de terror hace 30 años. El invitado estrella es, sin duda, John Landis, quien recrea sus experiencias con el visionado de esas películas ofreciendo así un discurso radicalmente distinto del de los profesores Clover, Cunning y Glovestein.

Quizás lo que más me gustó fue la naturalidad con que todos hablan de sus películas. Se consigue transmitir una sensación de espontaneidad increíble que hacen de esta un gran trabajo que merece ser visto. Además, la selección de declaraciones es perfecta y apenas se repiten los temas tratados (uno de los problemas endémicos de este tipo de reportajes). Pocas veces había visto declaraciones tan interesantes como las que hacen Romero o Cronenberg de sus primeros filmes. Craven resulta un poco más pedante y Hooper parece de vuelta de todo pero en conjunto, aguanta muy bien el tipo.

Lo mejor: John Landis

Lo peor: se hace corto

Por cierto, se puede ver todo el documental via Youtube. Aquí va el primer fragmento:

'Scanners': El superhéroe de Cronenberg

Es curioso recuperar una película como Scanners en un momento en que la industria cinematográfica parece rendida al mundo del cómic. No pasa una semana sin que se estrene o se anuncie una producción basada en alguno de los muchos superheroes salidos de las páginas de Marvel o DC. Además, Hollywood se inventa nuevos superpoderosos durante la marcha ofreciendo productos como Los increíbles o Hancock que ahondan aún más en la mitología i características de estos superhombres.

Si observamos Scanners bajo este prisma no será difícil encontrar muchas similitudes entre el retrato que ofrece de sus personajes y muchos de los héroes cinematográficos de hoy. La última tendencia en este (sub)género es la de mostrar los dilemas y dificultades que azotan a sus protagonistas. Lo mismo sucede aquí. Dos bandos enfrentados, un hombre que acaba de descubrir sus poderes (o por lo menos como usarlos) al que de pronto se le aparta la venda de los ojos y puede ver un mundo oculto bajo la superficie de nuestra sociedad. Los mismos dilemas de siempre: ¿quién soy? ¿como convivir con este poder? ¿qué limites y responsabilidades conlleva?

Esta película me ha sorprendido. Algunos de sus trabajos de la época (en especial Videodrome) me resultane demasiado densos, empalagosos. Scanners, en cambio, no traiciona las marcas de fabrica del director pero sabe situarse en un terreno mucho más dinámico (llamadle comercial si queréis). Por un lado tenemos la clásica interacción (siempre brusca, violenta y bizarra) del hombre con su entorno. Cameron Vale, como buen personaje Cronenbergiano se funde con la maquinaria (esta vez informática, a través de la linea telefónica) y debe superar las barreras de su propio cuerpo en esos magistrales duelos telepáticos. Pero, por otro lado, tenemos una estructura de Thriller de acción: en los primeros 20 minutos tenemos una cabeza que explota, un tiroteo y un coche estalla en llamas en un choque tras una persecución. Eso es ir al grano.

Scanners es una de las mejores obras de Cronenberg en tanto que permite su lectura desde distintos frentes, tanto si se lee como una cinta de ciencia ficción, de acción o como un retorno a la filosofía de Nietzsche (el superhombre y la necesidad de destruir al padre) o como mera distracción. Aunque, eso sí, sin traicionar jamás el espíritu de su director.

Esta es, en definitiva, una película mucho más moderna de lo que parece y tiene mucho en común con nuestro cine actual. Sobretodo si tenemos en cuenta las 4 secuelas bastardas que se generaron tras su estreno.

Lo mejor: el duelo final entre Stephen Lack y Michael Ironside
Lo peor: su diseño de producción está totalmente desfasado

Celuloide VS Celulosa: 'Wanted'

Ha caído en mis manos el comic Wanted, en el que se basa la película del mismo nombre que ya reseñé hace unos días y no me he podido resistir a comentarlo aquí pese a que este blog sea cada vez más De Cine i menos de derivados y todo lo demás.

Hasta leer el Wanted Original me resultaba curioso que en todas las páginas sobre comics se dijera que la novela gráfica era mejor que la película mientras que en alguna crítica cinematográfica leí que "Los guionistas (...) sabiamente se han alejado del cómic original (...) para centrarse en la acción misma".

Ahora que ya he echado mano de ambos trabajos puedo entender a qué viene tal divergencia: Wanted (Película) no tiene nada que ver con Wanted (Comic). Tiene el mismo punto de partida y el giro final, sí, pero esto se refiere únicamente al primer y últimos volúmenes de la serie. Todo lo demás (Millar debe estar sufriendo de dolor) se omite. Los personajes, con excepción de Wesley (James McAvoy) apenas tienen nada que ver y, para ser sinceros, ni siquiera este conserva demasiadas similitudes en su salto al cine.

La novela gráfica es, si cabe, mucho más violenta e inmoral que la película y hace gala de una agresividad impresionante. Resulta sorprendente estar ahí, leyendo como esos asesinos se regocijan en sus actos violentos y se enorgullecen de haber matado y violado a cientos de inocentes. Elguionista, Mark Millar, juega fuerte y le permite al director Timur Bekmambetov coger la idea inicial y montar sobre ella un buen tablero donde instalar muchas situaciones nuevas. En el comic no encontramos el telar, ni los personajes que habitan en la fábrica (tampoco la fábrica), ni la escena del tren, ni las ratas, ni los rifles de francotirador quilométricos, ni bullet time... de hecho en la película no encontramos practicamente nada de las páginas originales. La película adopta la idea de la fraternidad de asesinos para crear una cinta de acción sin más (ni menos) y deja de un lado toda la mitología de héroes y villanos y sus constantes referentes al mundo del comic.


Una obra maestra del comic moderno

Una vez aclarado todo esto, ¿qué nos ofrece Wanted (comic)? Hace ya muchos años, Alan Moore negaba que su The Watchmen fuera el trabajo definitivo de este lenguaje. Moore afirmaba que "aún está por llegar el Ciudadano Kane del comic". No sé si Millar habrá llegado a tal punto, pero desde luego se ha acercado mucho. Principalmente por que es un comic que reflexiona sobre el lenguaje y la historia del medio. Es impresionante como el dibujante adapta su estilo en función del guión. Si la trama rememora un recuerdo de los años 50, la viñeta recrea el formato que tenían en aquella época los tebeos, con los puntos acumulados para crear efectos y sombras. En los momentos 80, el formato recuerda claramente a los trazos de Dave Gibbons en aquella época. Los 90 se vuelven más estilizados y se recrea el aspecto del soporte digital pare retocar imagenes. Por lo que respecta a la época actual, el dibujo de J.G. Jones es, simple y llanamente, perfecto. Una delicia.

Wanted contiene infinitas referencias a la cultura de la viñeta. Encontramos escondidos guiños a Batman, Superman, Linterna Verde, Spider-man, Los X-men, The Watchmen, las obras de Miller dentro del apartado Superheroes... todo esto unido en una historia magnífica que incide en todos los tópicos del género: mundos paralelos, subgrupos de héroes, poderes superhumanos (y otros muy humanos), gadgets y artilugios increíbles... Una auténtica obra maestra que marca, desde ya, un antes y un después en la historia del comic moderno.


Lo mejor: establece un nuevo patrón para futuros guionistas
Lo peor: Eminem y Hale Berry

'La divertida noche de los zombies': Si lo sé no vengo

No me engañan más. No vuelvo a dejarme convencer. Si una película tiene mala pinta, se deja a un lado. Y si con El Regreso de los Muertos vivientes la cosa tenía buena pinta, esta ya me daba mala espina. Y si Terror Life y Dimensión Fantástica no coinciden, se pasa y listos.

La divertida noche de los zombies, como su propio nombre indica, es un bodrio. Una película mala con avarícia. El protagonista es un niño, con la cual cosa ya queda claro que poca violencia, poco gore, poco sexo... pocas ganas vaya. No se trata que sea cutre y casposa porque la primera parte ya lo era, el problema es que es aburrida. Dura menos de hora y media pero se hace pesada y larga con ganas. Tiene un sentido del humor pésimo y unos chistes sonrojantes. Todo tiene un toque que recuerda al videoclip Thriller y, por si alguien no se había dado cuenta, al final sale un zombie vestido como Michael Jackson en aquella época.

De hecho, más que una secuéla, es una especie de Remake, algo habitual en el cine de terror, y el arranque apunta maneras. Se nota mejor imagen, más inversión, mejor sonido... pero al final todo se va al traste. Conserva los defectos de la primera (su desarrollo repetitivo hasta decir basta y la poca sustancia audiovisual) pero sin los puntos a favor de la otra (originalidad y mala leche). Por si alguien aún la piensa ver, SPOILER: Al final los protas sobreviven y descubren una forma de acabar con los zombies, algo vergonzoso. FIN DE SPOILER.
Los actores son malos, malísimos y en TODA la película solo hay UNA buena frase: Thom Mathews y James Karen interpretan papeles muy similares a los de la primera película y el primero le dice al otro: "me siento como si ya hubiéramos estado aquí antes. Tu... yo... ¡ellos!"

Yo me sentí igual: ya he vivido esto antes pero esta vez NO es divertido.

Lo mejor: una sola frase
Lo peor: el resto de la película

'Días de Trueno': Más Potencia

Otra vez pasan Días de Trueno por la tele y otra vez me la trago (y la grabo). Esta película es magnífica y, por más que la mire, soy incapaz de encontrarle errores. Es cine-espectáculo del bueno, de ese que te hace vibrar y que te sacude gracias a su factura técnica y que no abusa de momentos sonrojantes que parecen escritos por idiotas.

Es verdad que después de tantas veces, algunas escenas pierden interés (el no-streaptease, la confesión de Harry, el debate sobre correr o no correr). Eso se debe, principalmente, a lo manido de las situaciones y a que esas escenas sirven solo para dotar a la película de algo más que ruido y velocidad. A su director le trae sin cuidado todo esto. Siempre he pensado que Tony Scott (y quizás Ridley También) sería feliz rodando maquinária. Sin historia, sin sentimientos, sin coartadas. Simplemente movimiento y choques sin otra interrupción que el sonido metálico de fondo. Lo que de verdad importa en Días de Trueno, para lo que hemos venido, es para ver coches rodando por las pistas de la Nascar y su aspecto visual es hoy tan impresionante como hace 18 años.

Tony Scott y el productor Jerry Bruckheimer (este último aún junto a Don Simpson) rodaron aquí su obra maestra. Una filigrana audiovisual donde aún estaban justificados el montaje fragmentado y acelerado, los virajes de los colores, los cambios de texturas... marcas de fábrica interesantes pero que ambos han acabado por quemar en películas absurdamente indigestas (sin lugar a dudas, la peor es Dominó).

A nivel dramático, la película es totalmente plana pero consigue salvarse gracias a unas interpretaciones sorprendentes. Michael Rooker, hoy en horas más que bajas, estaba aquí en su mejor momento; Cruise, mucho más humilde que en la actualidad, resultaba la mar de creíble y Nicole Kidman (aún un poco verde), empezaba a dar muestras de lo que llegaría a ser. Robert Duvall, como siempre, se come la pantalla cada vez que aparece y Cari Elwes construyó aquí uno de sus característicos personajes repelentes que tanto nos gustan.

En definitiva, Días de Trueno, es una de esas cintas que conviene revisitar de vez en cuando para reconciliarse con el cine comercial.


Lo mejor: el duelo urbano entre Trickle y Burns
Lo peor: las escenas sin carreras

'Wanted': se busca delirio

Ya era hora que alguien se dejara de estupideces y devolviera el cine de acción al lugar que le corresponde. Tras una década especialmente absurda en que el género se ha estancado (los esquemas se repiten más que el ajo), infantilizado (Die hard 3.0 es para mayores de 13 años) y ha virado hacia el Thriller o el cine de aventuras, llega Wanted, una película que pone toda la carne sobre el asador y, sin ningún tipo de escrúpulo, echa por tierra todo lo que creíamos saber sobre la violencia.

La decada de los 90 terminó con dos películas que acabaron con muchas ideas preconcebidas sobre el cine de acción: El Club de la lucha (David Fincher, 1999) y The Matrix (Larry y Andy Wachowsky, 1999). De la primera, el director Timur Bekmambetov recoge ese individuo alienado, atado a su cubículo e incapaz de dar un paso adelante para mejorar su vida así como un cierto regocijo en la violencia extrema como vía de escape de esa esclavizadora sociedad que llamamos de consumo. El resto de la película es The Matrix: su ya mítico Bullet Time justifica toda la propuesta no solo a nivel visual, sino también argumental.

The Matrix ha sido una cinta imitada, parodiada, copiada y referenciada hasta la saciedad. Su estilo ha impregnado cientos de trabajos posteriores sin importar su género o condición. Da igual si se trataba de peplums modernillos (Troya) cintas de terror-acción (Blade y Underworld), Cintas fantastique (x-men, Spider-man, Yo Robot) o mamarrachadas absurdas (Duce Bigelow). Pero entre todos los hijos bastardos de The Matrix, ninguno (ni siquiera sus secuélas) se había atrevido a avanzar un milimetro más. Todas se han quedado a su nivel o (la mayoría de veces) muy por debajo. Es facil poner pegas a una cinta como Wanted, pero hay que admitir que por fín, 9 años después, ha conseguido aportar cosas nuevas al genero del cine de acción.

La primera escena sintetiza en 3 minutos algo que en la cinta de los Wakowsjy tarda una hora en llegar y deja claro de por donde van a ir los tiros. No esperemos nada más (y nada menos) que violencia y disparos durante la siguiente hora y media. Wanted no pretende ser un tratado de filosófia de mercadillo. Es absurda, gratuita y, en muchos momentos, extenuante pero resulta vigorosa, poderosa, original en su planteamiento visual. Es radical en su uso de la violencia (deja en pañales a las sagas Die Hard y Arma Letal juntas) y se podría decir (con el permiso de la bélica John Rambo) que se trata de la primera película de acción-gore de la história.

Esta película es un frenesí visual. Un espectaculo apabullante lleno de golpes, ruido y muchos, muchísimos disparos. Lo mejor de todo es que abandona de una vez por todas el fetichismo por las armas que se ha instalado en el cine americano tras The matrix (casquillos por el suelo, desperfectos en las pareds y armas de gran tonelaje) y la concepción de Explosión = Espectáculo. Aquí encontramos sesos debanados, delirios balísticos, sangre a borbotones y (bravo) heridas que se curan en horas.

Oigo y leo como la crítica se carga esta película tan alegremente. Que si es absurda, gratuita, violenta... ¡por supuesto que lo es! y por eso marcará a fuego el cine de acción de la próxima década.

Lo mejor: James McAvoy y toda la sangre derramada
Lo peor: Angelina Jolie